Análisis de Sicario 2: Día del Soldado

Pese a su desafiante narrativa, constante acción, explosivo suspenso, política sucia, guerra y actuaciones estruendosas, no puedo evitar sentir que esta segunda entrega se quedó algo incompleta y eso que se tomó el tiempo suficiente para desenvolverlo de principio a fin. Posiblemente la tercera vaya a cerrar todo lo que comenzó desde la primera. Eso espero.

Un acto terrorista obliga al Gobierno Estadounidense a recurrir a una operación clandestina para poner en guerra a los carteles de México entre ellos mismos y asegurar su propia aniquilación. Sin embargo, la misión tendrá severas consecuencias para el mercenario Gillick y el agente Graver considerando lo mucho que hay en juego.

Sin duda se siente la ausencia de Emily Blunt, pese a no ser requerida, alguien de ese compás de moral era necesario considerando como Benicio del Toro tuvo que ocuparlo causando que su intensa imagen disminuyera. Yo que anticipaba una participación a la Jason Bourne, interesante verlo tornarse vulnerable en el tercer acto.

Como era de esperarse, Josh Brolin siguió en el mismo papel que justo cuando estaba por darle un giro, suceden los créditos. Su operativo e interacción con los demás se siente limitado, inseguro. Entiendo que esta no sea su película pero hace falta definir la integridad mediante un complejo desarrollo de personajes.

Comprendo la recurrencia de Taylor Sheridan al adoptar el estilo de 12 Strong donde la acción hable de por sí sola. Aún así como que era necesario invertirle al guión porque algunos épicos sucesos como el atentado, el secuestro, rescate y el nuevo sicario, les hizo falta profundidad. En sí todo se mantiene en la superficie.

Estarán de acuerdo en que Isabela Moner fue la sorpresa, ya que no necesitó de diálogos para articular su transición. Toda esta travesía psicológica se percibe en su rostro beneficiándose así el apego dinámico con Del Toro. Y como que Catherine Keener fue desaprovechada, su antagonismo también se cortó cuando recién empezaba.

Aún así Stefano Sollima hizo un buen papel al dirigir esta continuación considerando la eficacia de la violencia, pese a estar limitadas en cinematografía, las compensa con una real adrenalina que a su vez hace brillar al departamento de edición y sonido por presentarnos algo que excede su presupuesto de $ 35 millones.

Le habrá faltado más emoción pero tanto podría entretenerte como sugestionarte considerando su polémicas temáticas. Me hubiese gustado ver el absoluto potencial de Benicio o al menos una definitiva resolución. Al final del día, optó por tomar un ligero desvió para ir preparando el terreno para la tercera parte.

Calificación: 3½ de 5 estrellas

Crítica de A La Deriva (Adrift)

Basada en la travesía real de Tami Oldham y Richard Sharp, quienes a los pocos meses de conocerse deciden embarcarse en el yate Hazana sólo para verse envueltos por el huracán Raymund. Quedando a duras penas a flote, deberán hacer hasta lo imposible por buscar la forma de sobrevivir.  

Baltasar Kormákur es reconocido por haber dirigido Everest por lo que es de esperarse cierto sentimentalismo conforme se relata este suceso. Hace un excelente trabajo en mantenerte en el suspenso que hasta haber empleado secuencias en el pasado conforme se procedía en el presente, resultó en una nota favorable entorno a ese giro inesperado en el tercer acto.

Se podría decir que sales con el corazón roto  y con mucha razón gracias a Shailene Woodley quien se inspira en Bajo La Misma Estrella para emular esa fuerte interpretación. En su rol de Tami, no sólo es carismática sino lleva a cabo las maniobras con una intrigante esencia de sobrevivencia porque su ejecución de por sí demandante, cuenta con una profundidad expresiva.

Yo Antes que Tú podría ser la referencia principal para Sam Claiflin a pesar de aparecer en mega-producciones como Piratas del Caribe, Blanca Nieves y Los Juegos del Hambre. De nueva cuenta se mantiene lejos de la acción y con buena razón considerando como su contribución impacta a la edición por tornarse en el corazón de la trama.

Quizás el punto negativo es que ambos actores sigan en los mismos roles previamente  vistos; en sí no es de darle tanta importancia porque su química compartida es lo que hace que nos enganchemos hasta el grado de desear que ambos sobrevivan porque es imposible no contagiarse de las emociones expresadas. Aquella desesperación e impotencia fueron alcanzadas por los dos.

El guión sirve de guía, cumple con establecernos a los personajes aunque aquí el peso fueron los efectos especiales y la cinematografía porque la secuencia del huracán es devastadora y más por su significado cerca del final. Los encuadres brillaron gracias al trabajo de edición empleado que en conclusión, terminó por agradarme más de lo que hubiese anticipado.

Si crees que por algún momento te vas a aburrir, en lo absoluto. Quisiera decir que sus 90 minutos se te pasan volando pero estaría mintiendo porque tanto el sufrimiento como la tensión del momento te hacen refrenar el ritmo lo cual ocasiona que sientas ese hueco en el estomago al desatarse los créditos.

Si no tienes nada que hacer este fin de semana, yo la recomendaría pero vayas o no al cine, eventualmente tendrás que verla por lo que te hará sentir y pensar. En pocas palabras, si te gustó La Montaña Entre Nosotros, entonces esta sí podría gustarte.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Los Increíbles 2 (Incredibles 2)

Impresionante que hayan pasado 14 años desde el lanzamiento de la original y aunque haya sido un largo viaje, valió la pena la espera. La secuela mantiene la formula que ha definido a Pixar aunque le resta un poco el aspecto emocional para darnos una travesía acorde a nuestras problemáticas actuales y hasta políticas.

La paternidad toma el eje el central en compañía del protagonismo de la mujer para ofrecernos otro punto de vista. Estará a un punto inferior de la original pero esta segunda parte cumple con las expectativas de entretenernos sin importar la edad que se tenga, seas o no padre de familia, soltero o inclusive adolescente.

El director Brad Bird aprovecha para hacer unas observaciones directas porque su guión se torna complejo al desenvolver ciertas circunstancias que no podrían estar tan distantes de la realidad. Hasta se arriesga en criticar a la Sociedad y su apego obsesivo a través del antagonista del cual podría tornarse el punto débil de la trama.

No por desacreditarlo pero me gustó que se halla enfocado en la aventura de Chica Elástica, el detalle además de carecer de un buen desenvolvimiento de villano fue que esta búsqueda haya sido predecible y a su vez haya sido opacado por lo genial que era ver interactuar al Sr. Increíble con Dash, Violet y Jack-Jack.

Cualquiera podría estar de acuerdo que el pequeño Jack-Jack se robó la función, Pixar sabía que tenía un elemento potencial y lo aprovechó no sólo en humor sino en la perspectiva paternal. La verdad preferí mucho estas cuestiones familiares en casa que las típicas secuencias alocadas de acción, que coinciden en calidad gracias al estable trabajo por los editores.

Siendo más especifico, como que el exceso de superhéroes y las masivas destrucciones tienden a sentirse saturada ante la breve presencia de un villano. Es parte del paquete y siendo enfocada a los niños, realmente no es problema alguno. Sólo me hubiese preferido que su contexto haya sido más simplista.

Las voces selectas continuaron captando nuestra atención y gracias a que pude asistir a una función subtitulada, fue agradable escuchar a Craig T. Nelson perder la compostura, Holly Hunter contagiando con su dinamismo, Sarah Vowell luciendo con sus crisis de adolescente incomprendida y Huck Milner como el carismático e intrépido Dash.

Brad Bird como Edna Mode sigue siendo fantástico que hasta odio que su presencia sea a la brevedad, fácilmente comparte la mejor escena de la película con Eli Fucile como el bebé Jack-Jack. Además como que me hizo falta más del personaje Frozone de Samuel L. Jackson y lo mismo iba para Catherine Keener como Evelyn.

En una época donde se nos bombardean con tres a seis adaptaciones de superhéroes al año, Brad Bird sigue dándonos algo de qué hablar del género por mantenerse fiel al plano de la familia. No supera a la primera la cual se percibe que nunca fue su intención, pero sin duda avanza la historia hacía un punto donde una tercera podría suceder y en mucho menos tiempo, esperemos.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Las Estafadoras (Ocean’s 8)

Difícil de creer que han pasado 11 años desde el lanzamiento de Ocean’s Thirteen y aunque esta vez sólo contamos con dos retornos a la brevedad, la nueva estafa en sí es liderada por la propia hermana de Ocean que en compañía de siete mujeres, se ponen como propósito robar la máxima joya en la anual Met Gala.

En comparación con la trilogía pasada, porque es inevitable no hacerlo, Gary Ross mantiene la esencia y hasta el mismo ritmo. Sustituye el suspenso por un adecuado desenvolvimiento circunstancial que a su vez se puntualiza por la coordinada sincronía con las actrices. En ningún momento te aburres o pierdes en su trama, es lo adictivamente simple como para distraerte.

Producciones de esta clase son demasiado riesgosas por carecer de acción, dependen de los escenarios presentados y la creatividad en su ejecución; aunque de paso la tenía ganada no sólo por su elenco sino por lo modernamente contextualizada en la cual radica a diferencia de las anteriores.  

Innovaron por así decirse porque las referencias fueron muy a doc. Además de una estable dirección de Ross porque esos encuadres fueron enganchadores, su guión fue de los mejores por enfocarse a un elemento personal, un distractor y a un evento actualmente existente.

Pese a que Sandra Bullock y Cate Blanchett se consolidan como las principales, lo cual no es de extrañarse que tanto talento como belleza las haga sobresalir, lo hacen en conjunto con el resto porque la química percibida en pantalla es genial. Cada una se luce ya sea por sí sola o en grupo, es evidente que se la están pasando a todo dar y eso es un agradable contagio.

Bullock adopta el estilo de Clooney mientras Blanchett la hace de Pitt, claro que a su propio modo y vaya que les funcionó porque nomás estás pendiente de lo que se dicen entre sí. Creo que Anne Hathaway es una agradable sorpresa como la antagonista, su seguridad en su papel nos hace agradarla sin anticiparlo.  

Esperaba a otra actriz de renombre, en su lugar tuvimos a Helena Bonham Carter y para variar, su extrovertida personalidad y apariencia le sirvió bastante a dos escenas en especial. En general, debería estar haciendo esta clase de papeles.

No estoy tan familiarizado con Mindy Kaling, Sarah Paulson, Awkwafina y Rihanna, eso no le quita que no me haya divertido por su originalidad en dichos roles. Por otro lado, Richard Armitage y James Corden equilibraron el escenario con su espontaneidad y vinculo directo con Bullock. Todos sin excepción merecen crédito por darle énfasis a este ligeramente predecible guión.

En sí, esta estafa es mucho menos complicada ya que no se siente tan agrupada o saturada en su escenas, obvio que Bullock es la pieza fundamental pero eso no impide que las demás se acerquen a su nivel. Cualquiera pudiera verla y encontrarla lo necesariamente entretenida.

Calificación: 4 de 5 estrellas.

Crítica de Cuando Ellas Quieren (Book Club)

Cuatro mujeres se reúnen para discutir el libro del mes y tras treinta años deciden leer las Cincuenta Sombras de Grey.  Esto las inspira a volverse atrevidas y en el proceso recurren a algunos asuntos del pasado de los cuales finalmente harán algo al respecto sin que su edad las limite.  

Una comedia al estilo de El Descanso, lo cual se me hace inusual que le pertenezca a Bill Holderman quien hizo más que producirla, sino la escribió y dirigió con una gran simpatía acompañada a su vez de un mensaje para cualquier público o generación. Holderman supo cómo desenvolver a estas talentosas actrices y como tal, goza de una exitosa taquilla.   

Pareciese un trama sencillo pero contiene cierta complejidad gracias al desenvolvimientos de los personajes. Todas sin excepción comparten la misma importancia y puesta en escena, ya sea por su cuenta o en grupo. Estos personajes lucen porque fueron descritos de una forma que se permite la identificación, incluyendo a los hombres.

No importa que Diane Keaton siga en el mismo papel de siempre, así es ella y le funciona porque su espontaneidad sigue siendo exquisita y más en compañía de Jane Fonda, Candice Bergen y Mary Steenburgen. A su propia manera nos hacen reír y nos inquietan de inicio a fin, en sí una secuela estaría genial tomando en cuenta la asombrosa química del elenco.

Tampoco los hombres se quedan atrás: Andy Garcia, Don Johnson, Richard Dreyfuss y Craig T. Nelson juegan importantes roles secundarios donde a diferencia del Club de las Madres Rebeldes, no son un mero relleno sino son de vital importancia para la narrativa. Además las interacciones son bastante espontaneas y por ende divertidas.

No hay mucho qué decir aunque la película diga lo contrario ¿me captan? Hay muchas referencias sobre Las Cincuentas Sombras de Grey que nos sirve de algo haber leído la primera novela. Hasta me da curiosidad seguirle a las otras dos porque ni por mi mente me cruzó aquel mensaje de que hay algo más importante que el sexo brusco.

Es un gusto haberme topado con una comedia modernamente madura que además de reírte mucho a cada momento, se aprende a ver las circunstancias desde otro enfoque. Hollywood hace bien en seguir involucrando a estas talentosas veteranas porque esta película merece nuestra asistencia.

Calificación: 4½ de 5 estrellas

Análisis de El Informante (Mark Felt: The Man Who Brought Down the White House)

Ya tenía un buen rato esperando esta adaptación política situada en la autobiografía del agente de la FBI Mark Felt durante el controversial escándalo de Watergate que vinculó al ex presidente Nixon en su camino a la reelección. Y todo esto justamente tras la muerte de J. Edgar lo cual su contexto es bastante enganchador desde el primer minuto.

En cuanto Liam Neeson entra en escena con un notorio cambio físico gracias al maquillaje y a la vestimenta, Mark Felt cobra vida de una forma que nunca decepciona sino que no puedes despegarte de cada uno de sus diálogos como ha sido la destreza de este actor veterano que en cualquier situación cumple con la demanda interpretativa.

El director Peter Landesman sigue sin obtener un reconocimiento tanto en la Taquilla como en su comunidad más esa no es razón para descartar la confianza depositada de Ridley Scott porque la producción es poderosa en cuestiones de narrar una historia de justicia social, corrupción y abuso de poder. En México necesitamos a alguien desesperadamente con aquellos valores.

Inclusive su narrativa es fácil de entender, Landesman hace un excepcional trabajo en ser lo más directo a través del protagonista. Nada de ocultar ciertos elementos o jugar con la línea del tiempo, es directo en las acciones y va justo al objetivo que es mostrarnos lo que sucedió en aquella época que impactó a la Nación Estadounidense.

Escuché que varias escenas de Diane Lane no hicieron el corte final, escenas que le daban más importancia a su papel. Eso explicaría la corta duración, de ahí en fuera el guión te obsequia el detrás de escenas de lo que se originó en Watergate hasta la fachada que llegó a ser el FBI con la CIA a disposición de altos funcionarios de la Casa Blanca.

Continuando con su actitud, Tom Sizemore se convierte en una especie de antagonista a la par de Marton Csokas cuyas escenas con Neeson son de las mejores por su confrontación directa. Tampoco podemos descartar a Michael C. Hall y Bruce Greenwood, los rostros del buen periodismo por así decirlo, interesante dinámicas.

No hay mucho de qué hablar, a excepción de lo que comenté. Decir algo más sería revelar un hecho que sería mejor verlo y escuchar conforme se desenreda la trama la cual en cuestiones de suspenso te mantendrá sumergido aunque seas conocedor de tales referencias. Impactante podría llamarla por su feroz contenido y lo que se debe sacrificar al exponer la verdad. 

 Calificación: 4 de 5 estrellas