Crítica de John Wick 2: Un Nuevo Día Para Matar (Chapter 2)

Intentando regresar a su retiro, John Wick se ve forzado a regresar a la acción a causa de un juramento de sangre hecho en el pasado. Ubicándose justo en el ojo del mafioso huracán, debe recurrir una vez más a sus habilidades legendarias en orden de cumplir con su misión y en el proceso sobrevivir de este círculo sin fin. 

Esta vez Chad Stahelski recibe todo el peso de la dirección debido a que su compañero David Leitch se encontraba ocupado planeando la siguiente Deadpool. De igual forma lo ayudó a producirla y en conjunto con el guionista Derek Kolstad se mantuvieron fieles a la naturaleza violenta derivada por este sugestivo e intrigante inframundo criminal.

Stahelski no recurrió a la formula sino la multiplicó por lo doble prestando suma atención a cada detalle de sus encuadres conforme captaba las intensas coreografías detrás de las persecuciones, peleas, disparos y cuchillazos. Al igual que la anterior, tenemos quebradero de cabezas y un gran salpicadero de sangre por doquier.

Es una travesía impresionante de experimentar porque prácticamente te deja sin aire y es imposible no contagiarse gracias a que el sentimentalismo continuó siendo el núcleo. Aunque sea a la brevedad, se percibe el conflicto interno en Wick. Dicho esto, la esposa sigue jugando un papel esencial en el moldeo de esta alma torturada.

Sigue sin perder la elegancia Keanu Reeves, interesante que esta proyección supere a las de Ethan Hunt y James Bond en cuestiones de presupuesto. El modo en que impulsa a Riccardo Scamarcio, Common, Ruby Rose, Ian McShane, Franco Nero, John Leguizamo y esencialmente Laurence Fishbourne, es de apreciarse y bastante.

El extenso entrenamiento en armamentos y combate táctico rindió frutos en Reeves porque logró trasladarse al siguiente nivel considerando las maniobras agresivas en las que se desenvuelve en las constantes secuencias de acción porque en definitiva son muchas y ninguna decepciona en lo absoluto, sino lo contrario, se superan entre sí.

Considerando de igual forma su cinematografía, la escena en la sección de los espejos en el museo es espectacular, los reflejos, los compartimentos secretos, la iluminación, el sonido y los efectos ópticos. Lo mismo va para las catacumbas, los exteriores de Roma, el concierto, la secuencia de la estación del tren  y ni se hable de la coronación de la hermana.

La calidad en su proceso de edición es increíble y por ende, imposible de no aplaudir ya que no bromeaban los críticos para variar. No cabe la menor duda de que JohnWick 2 hizo lo que las secuelas de Jack Reacher, Búsqueda Implacable, Spectre y Jason Bourne no pudieron hacer y fue exceder a la anterior.

Una secuela con el mismo calibre táctico de la primera y sin miedo a cruzar la línea. La formula no pudo haber estado mejor considerando la forma en que culmina ya que se puede sentir la adrenalina y el entusiasmo de ver lo que sucederá en la tercera parte, que sin duda la estaré esperando con emoción.  

Crítica de Jackie

Una trágica historia en manos de Natalie Portman quien el papel de Jackie le inyecta perspectiva e impacto político-cultural conforme al asesinato del presidente John F. Kennedy. Situada en 1963, justo en aquél suceso, analizamos la forma de proceder de esta primera dama quien mostró valor ante los peligros que la acechaban por mantener en alto el honor de tanto su esposo como familia.

Considerando la involucración de Darren Aronosfsky, comprendemos la recurrencia de Portman en el icónico rol, después de todo resultó la ganadora del Oscar gracias a la visión de Cisne Negro. Portman es fácilmente una de las mejores actrices hoy en día y con gusto recuerda ese lado dramático después de haberse divertido con Thor, dicho en buena manera.

Además de estar nominada justificadamente por Mejor Actriz, tanto Música también lo están y quizás en un descuido terminé llevándose el último por mantenerse lo más cercano a la moda de aquella época. Sí que Florence no hace de las suyas. Se aprecia el enfoque del arte, esencialmente en la secuencia de la Casa Blanca.

La música en parte transmite ese sentimentalismo, confusión y pérdida, porque te conmueve y muy en especial con los otros integrantes tales como Peter Sarsgaard, Greta Gerwig y principalmente Billy Crudup cuya interpretación del Reportero nos sumerge a importarnos en el objetivo del guión.

El chileno Pablo Larraín no es tan reconocido bajo este ambiente, una situación distinta a la suya y como tal se aprecia el intenso nivel de calidad con la que se acercañ aún más por el respeto otorgado a ella y su familia. Vulnerablemente esperanzadora se puede sentir en su edición, sí tuviera que referirme de ese modo considerando la escena del disparo.

No la biografía deseada por algunos, pero dicho tema sigue manteniendo la llama de justicia intacta gracias a las involucraciones del elenco. Tampoco nos olvidemos de John Hurt, nadie cómo él para manejar los aspectos religiosos, que para variar, nos inspiran con sabiduría, lógica y fe, y si no es suficiente, Portman es la razón por la cual debes ver esta adaptación.  

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Silencio (Silence)

Para que me sienta conmovido por una película de Martin Scorsese, ya es mucho decir porque previamente consideraba El Infiltrado como lo mejor de su trabajo y ahora debo ponerla en cuestión considerando el poderoso conflicto, las actuaciones y sobresaliente cinematografía en la que se desenvolvió esta odisea cristiana.

No cabe la menor duda que Rodrigo Prieto merece la nominación y hasta podría ganarla no por la racha posterior de Gravedad, Birdman y El Renacido sino por la extraordinaria esencia transmitida en las localizaciones selectas. Tanta vida como tanta muerte, tanta belleza como suciedad, cuánto espiritualismo silenciado por un entorno vibrantemente injusto.

Todo esto podemos percibir de un grupo de sacerdotes que deciden viajar a una peligrosa Japón con el propósito de averiguar el destino de uno de sus grandes maestros. Sin embargo, una vez allá se encuentran con que su cruzada no será tan fácil porque las fuerzas del mal del Inquisidor desataran la constante tortura con tal de hacerlo renuncia a Dios.

Bajo unas circunstancias delicadas debido a la inquisición, Jay Cocks fue valiente al dar a conocer a los sacerdotes que fueron orillados a abandonar su fe ya que Japón lo tenía como inaceptable y por ende lo castigaba con la constante tortura de los seguidores. Scorsese fue respetuoso en la persistencia de estos sacerdotes cuyo silencio adoptó un nuevo sentido ya que inevitablemente trasciende en un tono humano.

Como era de esperarse, se requiere paciencia en estas tres horas; de por sí las películas de este director tienden a ser pausadas, lo cual hace crecer al personaje principal que en esta ocasión Andrew Garfield entrega otra de sus mejores actuaciones a la Hacksaw Ridge. Primero un adventista ahora un católico ¿interesante compresión de su parte?

Adam Driver se ve distinto comparado con El Despertar de la Fuerza, moreno y excesivamente delgado, aunque al final es opacado por otro integrante de la familia Star Wars y en grande debo reconocerlo. Los diálogos de Liam Neeson brillan por su sólida expresión y se evidenciada en sus escenas que comparte con Garfield.  

Similar a La Pasión de Cristo o Corazón Valiente, no está del todo en su liga pero si comparte su acercamiento divino. Su grado de violencia es impactante gracias al contexto, diseño y arte. El sello aquí es Garfield quien de principio a fin hace suyo este recorrido sentimental hasta el punto de no poderse contagiar por los dilemas en los que se puede tropezar en el nombre de Dios.

El conflicto de mantenerse fiel a los votos o renunciar a las creencias por hacer el bien es tan intenso porque independientemente hay acciones que van en contra de los prejuicios, la moral y he aquí la gran lección recibida a tratar porque una vez entrando los créditos, te hará generar una opinión al respecto sobre la fe en general porque es imposible no despegarse ante este silencio.  

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Florence Foster Jenkins

Basada en la historia real de Florence Foster Jenkins, Meryl Streep interpreta a esta hermosa mujer cuyo sueño la lanza al estrellato sin importar que carezca de los talentos suficientes para ser referida como una gran cantante de ópera. En el nombre del amor, su esposo y asociado pianista deciden correr el riesgo de ser ridiculizados y la respalda todo el camino sin importar las consecuencias.

Nominación tras nominación y bien merecida está última para Streep quien nomás no parece tener una mala reseña. Otra vez lo hace de nuevo y vaya riesgo que nos compartió porque es un desenvolvimiento de doble filo que nadie lo pudo haber enternecido con humanidad e inocencia, nadie nos hubiese contagiado de esta hermosa pasión por la música.

Hubo un par de sorpresa en el camino, Hugh Grant en especial me sorprendió de verlo tan definido. Su carisma sigue intacta pero su elocuencia y dramatismo estuvieron en primera clase. Empiezo a creer que le robaron la nominación, honestamente me hubiera conformado con Actor de Reparto porque indiscutiblemente se lució con Streep.

Tal parece Jim Parsons no es el ٗúnico en actuar en las grandes producciones con grandes actores, aquí Simon Helberg se sale de su estereotipo y adopta humildad al lado de Streep. Su emotividad no es nada nuevo, su personalidad es aquí su grano de oro porque de poco en poco te va arrastrando hasta el punto de caernos bien.

A Rebecca Ferguson la siento desaprovechada más eso sucede cuando tenemos a una gran actriz ansiosa por dejar su huella sin importar la reducción biográfica de su personaje. Pero me temo que no había de otra forma, de por sí el guión de Nicholas Martin está extremadamente completo dentro de lo que cabe.  

El director no era ningún extraño al género, con títulos como La Reina y Philomena, Stephen Frears sabía lo que tenía en manos y no titubeó en hacerle justicia a esta mujer como ha lo hecho en el pasado. No ha tenido la fortuna de ganarse su Oscar al igual que Ridley Scott pero tarde o temprano terminará recibiendo uno.

Cualquier obra que dirige logra no sólo conmovernos sino esencialmente humanizarnos. Recordar que la belleza no está en lo físico sino en el corazón. De ahí surge la inspiración, la pasión por hacer algo sin importar lo cuan limitado que estemos o lo más tonto que sonemos. Enhorabuena te ríes. Si se tiene el suficiente amor por uno mismo, entonces todo es absolutamente posible.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Moonlight

Estoy un poco decepcionado de ver una conclusión débil después de dos sobresalientes actos. Indudablemente es una historia dura, controversial y emocionalmente intrigante desde varios aspectos considerando como su estructura cubre la niñez, la adolescencia y la adultez de alguien cuyo propósito es hallarle sentido a su vida y en el proceso sobrevivir ante los peligros que lo acechan. 

Los tres actores que interpretan en las distintas fases a Chiron son lo bastante parecido por lo que la continuidad se siente en el lado expresivo. En sí no hay una mejor interpretación, los tres cumplen con lo requerido y gracias a Naomie Harris, obtienen crecimiento aunque es una lástima que Mahershala Ali haya sido desaprovechado, viendo lo esencial que se tornó en el primer acto y su nominación es la clara evidencia de ello.

Contextualmente es inquietante por saberse de antemano que esta situación está inspirada en la forma social de Miami. Aunque su realismo la hace un factor identificable entre algunos sin importar en donde se ubiquen. El director y guionista Barry Jenkins  hizo un reconocible trabajo aunque no la veo cerca de adquirir un premio y si lo fuese a expensas de Lion, entonces podría sentirme decepcionado porque esta segunda cumple con entregarnos un mensaje del corazón.

No la mejor de las nominadas, tampoco la peor ya que de eso Fences se hizo cargo. La historia sólo nos enseña un lado oscuro de la realidad de la cual su elenco se hizo responsable de transmitirla tal como debía hacerse. Si tan sólo hubiesen agregado un cuarto tiempo o aquella luz de esperanza hubiese sido desenvuelta, quizás y el desenlace se hubiese salvado y en grande porque no se necesitaba recurrir a la imaginación.

Calificación: 3½ de 5 estrellas