Crítica de Extraordinario (Wonder)

Basada en la exitosa novela de R.J. Palacio, narra la historia de August Pullman un niño con un rostro deforme que debe enfrentarse a los problemas que brinda el ser físicamente diferente a los demás porque a diferencia de los adultos, los niños son muy crueles especialmente durante quinto grado de primaria.

Habiendo dirigido Las Ventajas de Ser Invisible y escrito la Bella y La Bestia, Stephen Chbosky hizo una excelente labor al adaptar otra historia apreciada porque su adaptación en sí ha sido un éxito en recepción y taquilla considerando su monto de $ 160 millones sobre los $ 20 millones de inversión; esto gracias al enorme corazón, la humildad y honestidad narrativa.

No sólo te adentras a la historia de Auggie sino conoces a su hermana, madre, padre y demás amigos. El mensaje es tan claro y fácil de transmitirse que se torna en esas películas que debería impartirse en los centros de enseñanza para disminuir los casos abusivos de toda índole. Sirve de retroalimentación personal y comprensión general.

A pesar de durar cerca de 2 horas, su dirección te mantiene enganchado gracias a las actuaciones principales de Jacob Tremblay y Julia Roberts. La relación madre e hijo está en su máximo esplendor que inevitablemente provocará un par de lágrimas por la extraordinaria emoción humana que se proyecta en cada una de sus escenas compartidas.

No es de sorprenderse la calidad expresiva de Tremblay tras Room; una total garantía por sí solo y en compañía. Por otro lado Roberts podría obtener otra merecida nominación por su fortaleza interpretativa. Inclusive su química con Owen Wilson equilibra la seriedad con humor y cuestionamientos en conjunto con Izabela Vidovic y el resto de los niños.

Es una película que está gustando mucho y en plena competencia con Star Wars: The Last Jedi, lo está demostrando al mantenerse con gente en las salas. Se nota inclusive su contagio por las referencias directas que hace a la saga que podría añadir más seguidores considerando el mensaje de valor y respeto que se comparte.

Cinematográficamente los encuadres lucen, sencilla sin saturarse y el maquillaje en lo más mínimo para promoverse la verdadera belleza interna. La música compagina la creatividad visual y ofrece más colores a los escenarios. En sí, son de esas películas que dependen de los protagonistas posicionarla en lo más alto de su género e indudablemente lo logra.

Una recomendación perfecta para la familia y cualquier aficionado del cine, Extraordinario es la clase de película de la cual uno aprende mucho de las percepciones, recurres a tu lado humano y encuentras en la vulnerabilidad una fortaleza para seguir adelante, perdonar, conmoverse y conocer al prójimo sin juzgarlo por su exterior.

Calificación: 4½ de 5 estrellas

Crítica de Star Wars: Los Ultimos Jedi (The Last Jedi)

La Resistencia se encuentra en retirada cuando las fuerzas de la Primera Orden los acechan hasta dejarlos al borde de su aniquilación. Entretanto Rey se encuentra tratando de persuadir a Luke Skywalker que regrese aunque cualquier intento o explicación sólo la obliga a actuar por su propia manera convergiendo en el conflicto interno de Kylo Ren.

Para variar un episodio donde comienza precisamente donde culminó la antecesora. La acción está presente en cada momento y acompañada de un suspenso que no te dejará tranquilo porque esta secuela adopta su propio estilo que similar a las precuelas, parece ser no correspondida con los seguidores de mano dura ya que se requiere de una mente abierta y cero expectativas.

Es fácil decir que la dirección de Rian Johnson fue de las más riesgosas y no porque sea concebida cruda signifiqué que la franquicia esté arruinada como unos la tachan. La historia avanza de esta saga avanza con sentimentalismo, inesperado humor y de gran impacto visual. Los protagonistas crecen, los nuevos se ponen a su altura y otros simplemente perecen con fortaleza.

La oscuridad asciende a dominar dentro del guión de Johnson; y vaya que es una travesía dura de procesar considerando que muchas cosas suceden, giros inesperados donde reglas son rotas en orden de una narrativa impactante y acorde a nuestra época. De antemano necesitas olvidarte del pasado para disfrutar de esta obra maestra.

Si recurres a las redes te encontrarás con fuertes opiniones y eso es lo maravilloso, sea el resultado, es seguro decir que va a ser altamente considerado para el Episodio IX y más cuando uno se queda ansioso de saber que va a suceder a pesar de que su desenlace se siente completo, desde una humilde perspectiva.  

Tres tópicos te harán cuestionar tu recepción: el destino de Luke, la presencia de Snoke, la vulnerabilidad de la Resistencia, la complejidad de Kylo y su relación de Rey. Si Johnson se hubiese conformado con la misma estructura de los clásicos, entonces no nos hubiésemos sorprendido tanto como lo hacemos en estas dos horas y media que se te pasan volando.

La última actuación de Carrie Fisher como la General Leia es conmovedora y me da gusto su representación como el símbolo de la esperanza. Su presencia en escena es majestuosa y al lado de Oscar Isaac y Laura Dern se comparten momentos de intensa tensión aunque esa escena justo al final con ese diálogo se torna lo suficiente enganchadora para no aclamarla.

Un gran gusto contar con Mark Hamill, indudablemente Daisy Ridley se benefició de haber estado a su lado, su química entre los dos es épica y un poco incompleta por así decirla porque hicieron falta respuestas. De por sí la historia es complicada que ciertos desenvolvimientos se estarán guardando posiblemente para la siguiente y conclusiva parte.

Kylo Ren nunca había estado tan potente gracias a Adam Driver, este villano se está volviendo en algo más al seguir el sendero de Vader. Un villano defectuoso y con una suerte inimaginable. Además de impulsar a Kelly Marie Tran, John Boyega se beneficia de una aventura a su lado que brinda calor y entrega diversidad a la cultura  de Star Wars y más con Benicio del Toro.

Ciertamente Domhnall Gleeson y Gwendoline Christie, siguen en las mismas de donde los encontramos en El Despertar de la Fuerza. Tienen su momento como los demás y eso es lo que cuenta, dejar tu huella y en el pleno resplandor de cinematografías y efectos especiales más ambiciosos porque desde la primera batalla espacial hasta la terrenal en Crait, te impresionan.

Los aspectos técnicos no fallan, sonido, efectos especiales, vestuarios, criaturas, diseño contextual, maquillaje, naves, locaciones, arte, colores, iluminación y la música de John Williams deberían adquirir algunas nominaciones.

¿Qué lugar tiene The Last Jedi en el universo? Para los amantes de la trilogía clásica es seguro decir que el sentimiento de las precuelas se repite por quedarte estancado al pasado, como lo mencionan en varias escenas, es momento de dejarlo morir para presenciar algo épicamente innovador como lo es esta adaptación que estará en el spotlight hasta la llegada del Episodio IX.

Para un fan como yo que me ha tomado toda mi vida aprender a no ser tan duro conmigo mismo, he aprendido a comprender las razones por lo cual se hace las cosas, no es sólo enfocarse al presente y apegarse al pasado, es ver hacía el futuro, hacía donde vamos y los obstáculos a vencer en orden de no caer en la repetición.

Salirse de tu zona de conforte, despierta inmensidad de posibilidades y Star Wars además de tener el lujo de hacerlo, tiene que hacerlo para fijar el antecedente de cuales muchas franquicias hoy en día se han olvidado en su búsqueda por generar millones en vez de trascender con una gran historia para todo el mundo.

 The Last Jedi no será la película que muchos querrán pero sin duda muchos la necesitarán y con el tiempo lo entenderán y si no es el caso, ya habrá otras oportunidades porque después de todo, hay muchas puertas abiertas en este renovado universo.   

Calificación: 5 de 5 estrellas

Crítica de La Navidad de las Madres Rebeldes (A Bad Moms Christmans)

Bastante similar a Guerra de Papás 2 por emplear la misma fórmula de la original, añadir personajes reconocibles de reparto, reducir el papel de los niños y enfocarse en el entorno navideño mediante las relaciones complicadas entre madres e hijas de una forma divertida y emocional ya que su cierre se torna catártico y todo ello para tratarse de una secuela.

El elemento sorpresa ya se perdió y como que la evolución de personajes se quedó en el mismo plano dándole el peso al trío nuevo que sin duda entran para hacernos reír. Me hubiese gustado un seguimiento a la escuela, más interacción entre las abuelas, el ambiente laboral pero a pesar de ello no resultó tan mal.

Los avances me la hacían creer que sería vulgar y lo es en ciertos momentos, igual no hay nada tan terrible de ver. Las groserías están presentes, la desnudez está un poco controlada pero no la creo tan irrespetuosa, simplemente es sarcástica a su propia manera y nos hace pasar un buen rato, justo la dosis necesaria para una semana dura en la oficina.

 Los directores llevan en sus créditos comedias como Cuatro Navidades y la trilogía de Qué Pasó Ayer, así que se entiende la misma naturaleza como su claro éxito en la taquilla tras cruzar los $ 100 millones nivel mundial con un presupuesto de $ 28 millones. Aquí si puede suceder una tercera y algo me dice que podría llegar a ser mejor aunque no como la primera.

El guión en sí funciona, Amy estresada como cualquier madre durante la época navideña, decide tomarse todo a la ligera con sus hijos y sus amigas, sólo para verse en complicaciones ante la llegada de su madre cuyo propósito es hacer que su hija entregue la mejor navidad aunque eso provoque que la navidad perfecta sea un desastre.

Como su género lo indica, es una comedia y la veo como tal, cumple con su propósito gracias a las dinámicas entre Mila Kunis, Kathryn Hahn y Kristen Bell. Cada una se comporta de acorde a su papel y al lado de Christine Baranski, Cheryl Hines y Susan Sarandon, se podría asegurar que es imposible no dejar de burlarte de las ocurrencias desatadas.

 Obvio es una película liderada por mujeres pero los actores como Jay Hernandez, Justin Hartley y Peter Gallagher pudieron haber tenido más respaldo que sólo de porristas, por así mencionarlo ya que su misión es respaldar a las protagonistas. Inclusive Wanda Sykes y Christina Applegate necesitaban de mucho más tiempo en pantalla viendo como lucen en cuadro.

No hay mucho por comentar, si uno vio la primera ya sabes que esperar al respecto y lo vuelvo a repetir, se trata de una comedia por lo que debe verse como tal, aunque contenga cierto sentimentalismo en el tercer acto del cual podría servir para comprender a las madres y por qué a veces actúan de esa forma con sus hijas. 

Calificación: 3½ de 5 estrellas  

Crítica de Guerra de Papás 2 (Daddy’s Home 2)

La rivalidad entre Brad y Dusty cobra vida en la semana navideña cuando sus propios padres deciden colarse a sus vacaciones familiares. Lidiando con los problemas de paternidad, todos sin excepción buscan el modo de llevársela bien aunque inevitablemente se desate un infierno conforme se relacionan entre sí.  

Quienes vieron la primera, es de esperarse la recurrencia al mismo sentido de humor, quizás con más diversidad interpretativa en sus escenas gracias a las tremendas adiciones al elenco. El director Sean Anders sabía de por medio que para que la secuela funcionara necesitaría desesperadamente de dos grandes veteranos.

Tal es el caso de Mel Gibson quien complementa a Mark Walhberg y podría decirse mueve la trama  por el riesgo de estancarse en los mismos chistes de John Lithgow y Will Ferrell cuya química no conoce límites. Debido a estas contra interacciones, los cuatro lucen y en ocasiones aprovechan para dejar un mensaje de acorde a la época.

Se desatan los golpes, carros son destruidos, borracheras, cursilerías, insinuaciones, robos, balazos prácticamente vemos de todo y aún así la adaptación termina siendo limpia en la mayor parte de su duración. No la encontré para nada ofensiva, la familia en general podría verla y disfrutarla por lo que es con un par de observaciones a lo mucho.

La sorpresa aquí sería John Cena quien por primera vez me agradó su actuación, como que su tosquedad desencadenaba cierta chispa creando una curiosa rivalidad con el personaje de Walhberg. De hecho la secuencia en la plaza comercial resulta la mejor al lado del acto del pesebre porque el elenco en general logra lucirse.  

Los niños contribuyen con gracia mientras que Linda Cardellini y Alessandra Ambrosio se las arreglan para contribuir, aunque hizo falta más desenvolvimiento narrativo entre las dos. No es de extrañarse que el guión se resuma a una continuidad que reta a los protagonistas, nos revelas sus asuntos pendientes y termina por redefinirlos.

Dudo que haya una tercera entrega, sería bastante complicado verlo y más analizando como su taquilla ha estado un poco distante de la pasada, cerca de una pérdida del 30%. Aún así para quien busque divertirse, ya sabe que esperar.

Calificación: 3½ de 5 estrellas.

Crítica de Liga de la Justicia (Justice League)

Después de la muerte de Superman, Steppenwolf y su ejército de Parademons regresan a la Tierra con la intención de conquistarla como trató hace miles de años. En alianza con la Mujer Maravilla, Batman viaja alrededor del mundo con el objetivo de reclutar a guerreros con dones excepcionales como Flash y Aquaman para proteger a la humanidad del fin del mundo.

Por dónde comenzar… hay muchas inconsistencias en esta primera adaptación de parte de DC Comics que desde mi humilde opinión, fracasa en emular no sólo el éxito cinematográfico de Los Vengadores sino se queda corta de desenvolver su potencial y todo por un genéricamente débil guión, una confusa dirección y una crisis de identidad entre algunos superhéroes.

Teniendo a Joss Whedon, Christopher Nolan y Zack Snyder, uno creería que quizás tendríamos algo mucho mejor que Batman Vs. Superman o Escuadrón Suicida, quizás hizo falta la mano de obra de Patty Jenkins para darle no sólo credibilidad a la historia sino profundidad porque hasta algunos efectos saturaban entre sí hasta percibirse como compensación.

No me malinterpreten, si entretiene pero la química de la que todos hablan no está presente en este primer ensamblaje. Inclusive el humor deja mucho que desear ya que nadie en el cine se rió. El único fue Aquaman con uno de sus mejores diálogos mientras Flash no pareció tan novedoso como el actor de la serie televisiva cuya petición popular de incorporarlo fue negada.

Todo el elenco parece estar por estar, nadie congenia ni se divierte como fue el caso de Los Vengadores. Detecto inseguridad en sus actuaciones, en especial Ben Affleck quien se fue al otro extremo para darnos un Bruce Wayne sin personalidad. Christian Bale sigue siendo indudablemente el mejor y por lo visto lo seguirá siendo.

A pesar de su presencia, Gal Gadot no sobresale entre los muchachos, queda en el fondo lo cual es el caso de Ezra Miller y Jason Momoa. Cada uno tiene sus momentos y nadie parece liderar, ante la ausencia de una autoridad como S.H.I.E.L.D., la adaptación sufre de un escenario plano, porque el peso en sí recae en Superman que culmina siendo un elemento sobrevalorado.

En definitiva el giro en su tercer acto es otro desastre temporal que te hace olvidar la verdadera pelea a la cual se enfrentan nuestros superhéroes y con un villano que carece del carisma de Loki o la intelectualidad de Ultron, Steppenwolf es una profunda decepción por emplease superficialmente.

Tal es el caso de Amy Adams, Diane Lane y J.K. Simmons, en especial éste último quien se puso en tremenda condición física para aparecer un par de minutos. Obvio que llevar a cabo esta producción no es nada fácil y menos con la salida repentina de Snyder, el talento está pero al igual que la Liga de la Justicia, hizo falta un líder y conflictos establecidos para dejar una huella.

En conclusión, Warner Bros aligeró la tensión en La Liga de la Justicia para enfocarse a un público familiar, limitó la violencia y simplificó su guión hasta de más. El error quizás fue tratar de respaldarse todavía en BVS y asumir que con que saliera la Mujer Maravilla era más que suficiente para no ponerla en la capacidad de la líder, después de todo es una amazona.

Añadiendo su taquilla temprana, el futuro de DC está por cambiar de nuevo y con mucha razón, porque después de dar un buen paso adelante con Mujer Maravilla como que dar otro paso hacia atrás no era lo que se esperaba y con $ 500 millones por cubrir, entiendo la mentalidad de restablecer este universo con Flashpoint.  

Calificación: 3 de 5 estrellas.

Crítica de Asesinato en el Expreso de Oriente (Murder on the Orient Express)

En su viaje a Istambuel por 1934, el gran detective Hercule Poirot se ve envuelto con en un caso de asesinato dentro del Expreso de Oriente donde cada uno de los pasajeros es un posible sospechoso. No obstante Poirot necesitará ir más allá del motivo ante las imprevistas conexiones ya que nadie es lo que dice ser a bordo del tren.

Nos encontramos ante una buena racha en el cine y Expreso de Oriente no es la excepción, la adaptación de la novela aclamada de Agatha Christie está destinada a recibir fuertes nominaciones en especial por su actuación principal, dirección, edición, cinematografía, vestuario, arte e indudablemente guión adaptado y todo gracias a la mano de obra de Kenneth Branagh.

Estando acompañado de Ridley Scott, Mark Gordon y Simon Kinberg, era seguro que el final nos impactaría de una forma inesperada porque por más que hagas tus conclusiones, es una garantía que no te acercarás a lo mínimo. Tendrás la sensación pero la dirección de Branagh está especialmente diseñada para que te pierdas entre las tremendas caracterizaciones del elenco.

Podría decirse que para resolver el misterio, tendrías que enfocarte a los detalles, más sería una contradicción porque estos mismos te confundirán. Así que no te queda más que disfrutar de su absoluto suspenso porque su contexto es enriquecedor al lado de los extraordinarios diálogos y desarrollo de personajes por parte de Michael Green.

Teniendo a Thor y Cenicienta en su currículo, era de esperarse una magnifica escenografía en cada uno de sus encuadres. Además Scott tiende a inspirar desde ese sentido por lo que se nota su buena influencia porque cada escena brilla por su ingenuidad y belleza. Ya sea adentro en los pasillos o afuera en la nieve, su trama no decepciona en lo absoluto.

Quizás uno creería que tanta charla e interrogación aburriría más no es el caso y todo gracias al poderoso protagonismo de Branagh cuyo personaje se posiciona a la altura de épicos como Harrison Ford en Indiana Jones, Johnny Depp en Piratas del Caribe y Jeff Bridges en Temple de Acero. Simplemente es una adicción instantánea, no puedes dejar de verlo y escuchar.

Es una garantía decir que una secuela debería estar en consideración por la calidad presenciada. Uno creería que con un elenco saturado de estrellas se tornaría un desastre de egos, también la excepción. Cada uno cumple con el propósito de hacernos distraernos y como tal, dejan su huella conforme el tercer acto se desenvuelve.

Si tuviese que decidir entre Tom Bateman, Penélope Cruz, Willem Dafoe, Judi Dench, Johnny Depp. Josh Gad, Derek Jacobi, Michelle Pfeiffer y Daisy Ridley, no pudiera porque ninguno se libra de la sospecha. En conclusión, Kenneth Branagh nos ha entregado quizás la mejor película de su carrera de la cual no saldrá sin antes recibir ciertos reconocimientos.  

Calificación: 4½ de 5 estrellas

Crítica de Coco

A pesar de una prohibición que abarca desde generaciones, Miguel sueña con convertirse en una sensación musical como lo fue su ídolo Ernesto de la Cruz. En una cruzada por demostrar su talento es llevado a la Tierra de los Muertos donde se enfrenta a su antigua familia poniéndose en movimiento la revelación de una inesperada verdad.

Con todo el bombardeo publicitario no me encontraba convencido de acudir, dado que todos los que conozco me la han recomendado a morir, no tuve remedio que irla a ver resultando en una producción garantizada gracias a  su conmovedora historia, giros, sentimentalismo, música, humor y cultura mexicana.

Para ser una historia mexicana, supieron mantenerse fiel a la esencia. Nunca le había prestado atención al Día de los Muertos. No es tan malo como creía, lo contrario, es una tradición bella que dentro de la animación sirvió de introducción y a su vez para hacernos recordar a nuestros seres queridos que ya hace tiempo nos dejaron.

Inevitablemente vas a acordarte de alguien porque independiente de la edad, te identificas con cualquiera de los personajes de este diverso elenco. Es agradable ver que representen el valor que tiene la verdadera familia mexicana, esa chispa por ayudar, la disciplina, salir adelante y mantener a flote nuestras raíces, es notorio como las fiestas mismas y sus exquisitos banquetes.

Tratándose de Pixar, es de esperarse que la calidad cinematográfica vaya de la mano de las voces, Luis Gómez es perfecto como el niño Miguel. Tanto carisma y madurez le dan una profundidad inigualable a su personaje que por un momento te olvidas de que se trata de una animación. Además su química con Gael García es grandiosa y de las mejores en proyectar.

Brindándole homenaje a los viejos cantantes está Marco Antonio Solis como Ernesto de la Cruz, Angélica Vale me fascina como Mamá Imelda y ni se diga de la respetable Angélica María como Abuelita, César Acosta quedó bien como Papá y también Héctor Bonilla, Victor Trujillo, Andrés Bustamante entre otros, cumplieron con sus respectivas personalidades.

Esta festividad inspiró a este de por sí ingenioso equipo de americanos a adaptar una cultura con una gran visión resultando en un majestuoso entretenimiento. Gracias a su ejecución de primera clase: la edición brilló ante la variedad de colores en su contexto, sublime catalogo de canciones, vestuario, efectos, comedia, espiritualismo e infinidad de caracterizaciones.

Me agradó que la fortaleza de la madre por sacar adelante a la familia haya sido resaltada en el guión, eso y hasta la terquedad entre padres e hijos. Honestamente no me esperaba tanto, después de analizarla surge una nueva percepción sobre la muerte y ni se diga de la ingeniosa creatividad manejada en la creación de este inframundo.

Coco es una obra maestra que se coloca a la altura de Toy Story 3, Buscando a Nemo e Intensamente. Pixar lo hace de nuevo y con un gran corazón porque te conmueve y más siendo mexicano. Nos hace recordar lo especiales que somos en familia porque al final de todo, eso es lo que verdaderamente nos importa: en estar bien y siempre apoyarnos pase lo que pase.

Calificación: 5 de 5 estrellas

Crítica de Mi Nueva Yo (Home Again)

La recién madre soltera Alice Kinney decide mudarse a Los Ángeles para empezar de nuevo. De forma inesperada se encuentra con tres jóvenes aspirantes a una carrera cinematográfica a quienes decide hospedar en su casa con tal de ayudarlos y sobretodo ayudarse así misma para salir  adelante de este desastre al que llama vida. 

Como era de esperarse Reese Witherspoon es encantadora y como tal es imposible no quererla cuando regresa a sus orígenes. Un papel hecho a su medida que además de solidificarse como el corazón de la película, logra congeniar con el elenco y en especial con los jóvenes cuyo dinamismo  es definido por su espontaneidad.

Llevaba un buen tiempo sin haber tocado el género, sin duda Witherspoon debe seguir contemplándolo. Los veteranos Candice Bergen y Michael Sheen siguen contribuyendo con presencia aunque para tratarse de la mamá y el ex, como que les hizo falta profundidad a estas interacciones.

Lo mismo podría decirse del trío juvenil Nat Wolf, Pico Alexander y Jon Rudnitsky quienes te exprimen un par de risas debido a su genuino comportamiento. Son muy diferentes entre sí a pesar de estar vinculados a una cosa en común; también muestran la relación complicada entre sus identidades aunque no puedo evitar sentirla un poco floja en ese departamento.    

Ciertamente deja mucho a desear el desenvolvimiento de personajes, quizás por tratarse de varios a la vez como que en ese aspecto se necesitaba de más tiempo. Inclusive algunos elementos fueron reciclados y la comedia en sí baja de nivel para enfocarse a la madurez. Quizás la carencia de un giro la hace que no se sea tan ingeniosamente trascendental como El Descanso.  

Después de todo puedo entenderlo, la guionista y directora Hallie Meyers-Shyer debutó con este filme cuyo respaldo de su madre Nancy Meyers le dio cierto prestigio. Tiene futuro no lo voy a negar, porque de que se siente la buena vibra, se siente y hasta podría identificarse por estar situada en la realidad moderna.

No será tan divertida como Es Complicado o tan novedosa como Pasante de Moda, pero sin duda se conserva esa chispa de carisma gracias a una historia distintamente creativa. Lo cual era justo lo que nos hacía falta para entretenernos y a su vez para meditar en lo que queremos y buscamos para nosotros mismos.

En pocas palabras, Mi Nueva Yo es un drama con elementos de comedia. Es tierna, positiva e informativa. No se sienten en absoluto sus 97 minutos, es más, es absolutamente exquisita que me hubiese gustado haber tenido más de esta interacción entre Witherspoon y los jóvenes, sin duda había mucho más para sacarle provecho.

 Calificación: 3 ½ de 5 estrellas

Crítica de Thor: Ragnarok

Dos años después de la batalla en Sokovia, Thor se enfrenta al demonio Surtur para impedir que la profecía de Ragnarok se cumpla. En su retorno a Asgard descubre que el mal está por todos lados, empezando con su hermano Loki con quien deberá trabajar de nuevo para encontrar a su padre y consecuentemente detener a una poderosa amenaza que ha resurgido de entre la oscuridad.

Similar a cómo Capitán América: El Soldado del Invierno transformó el universo de Marvel, se repite el mismo efecto con la tercera entrega de Thor la cual sobresale entre las mejores debido a su crudo humor, sarcasmo, giro en su mitología, creatividad visual, colores, nostalgia musical y elenco de primera clase.

Resultó un gran riesgo que el director Taika Waitiri pudo llevar a cabo ya que no sólo se trataba sobre el dios del Trueno y el pasado de Odin, sino elementos de la historia del Planeta Hulk fueron integrados para dar comienzo a quizás la travesía personalizada de Bruce Banner la cual se pretende desenvolver y concluir en las siguientes secuelas de los Vengadores.

Waitiri se regresa a lo básico y es el conflicto en la familia, similar a la original y descuidada en El Mundo Oscuro, el guión profundiza en el poder, la ambición y la mentira detrás de un reino. No podría ser tan distinta de los lazos culturales. Además de lucir a los veteranos, hace un gran trabajo en introducir a caras nuevas ya que todos brillan en sus respectivos momentos.

Chris Hemsworth adopta la extroversión y en gran manera, superhéroe y comediante que a simple vista parece retar a Ryan Reynolds en Deadpool. Todo el tiempo parece estar cómodo  pasándola a todo dar. Haber sugerido este cambio de dirección en trama, estilo y cinematografía fue sensacional y más que Marvel lo haya respaldado.

Como Loki, Tom Hiddleston sigue siendo el mismo aunque es evidente la madurez alcanzada al lado de Hemsworth. Ambos actores comparten una escena que muestra el mutuo entendimiento entre ambos hermanos e inclusive impacta al verlos al lado de Anthony Hopkins, quizás la mejor escena en conjunto con las de Cate Blanchett.

No sólo el vestuario de Hela sino la caracterización de Blanchett ponen en alto el concepto de las villanas que Hollywood debería considerar en insertar más porque Hela es sin duda un épico elemento en cuestiones de presencia, edición y efectos especiales. Ese rostro y cabello oscuro vuelven a uno loco.

Las nuevas adiciones de Tessa Thompson como Valquiria, Karl Urban como Skurge y Jeff Goldblum como el Grandmaster fueron geniales. Aportando algo nuevo al elenco que de por sí se beneficiaba de los retornos de Idris Elba y Mark Ruffalo, en especial Hulk que cada escena compartida con Thor fue suficiente para olvidarnos que se aproxima la Liga de la Justicia.

Tal parece Tony Stark sigue haciendo de las suyas, las referencias en la nave y los pantalones ajustados sin duda brindaron una carcajadas aunque siendo honesto, eso es poco de la gran gama de humor que se nos ofrece y desde todos los ángulos posibles. Bastante similar a Guardianes, aunque se diferencia de esta al volverse en la adaptación más definitiva de su trilogía.

Pudiéramos estar ante la conclusión de su legado como ha sido el caso de Iron Man 3 y Capitán América: Guerra Civil. Lo valió porque nada quedó desaprovechado, Thor Ragnarok es irreverentemente espectacular y ligeramente conmovedora. La creatividad en todo lo que va, incluyendo en su mitología. Altamente recomendable.

Calificación 4½ de 5 estrellas

Crítica de Un Amor Inseparable (The Big Sick)

El comediante Kumail se enamora de una joven americana lo cual le suma más conflictos con su familia tradicional de Pakistán.  Manteniendo en secreto su falta de fe y su nueva relación, sucede algo que le hace ver lo que realmente importa en su vida y por tanto decide luchar aunque eso signifiqué que  lo pierda todo.

Una comedia romántica cuya historia basada en hechos reales te engancha debido a lo sugestivamente real en que se torna su trama. El director Michael Showalter la conduce con espontaneidad porque sus acercamientos son sencillos y lo suficientemente efectivos al momentos de capturar toda clase de sentimientos y diálogos.

Se percibe la sinceridad en los personajes y sus circunstancias porque tras una atractiva introducción, no puedes despegarte de un momento de su desenvolvimiento y más con los giros inesperados que se dan al acercarse al clímax. Sirvió de mucho que el productor Judd Apatow haya optado por delimitar el humor a lo respetable. Nada vulgar o sexual.

El choque de culturas es lo que nos hace meditar y sobre todo en aquellas familias que viajan de otros países con tal de preservar sus costumbres e ideologías. Existe una razón por la cual tienden a ser estrictos en cuestiones de relaciones, amistades y religión. Como vengo diciendo, el pasado tiende a complicar el futuro por no saber sobrellevar el presente a nuestro modo.

Es un claro ejemplo de hijos que son impuestos a seguir una doctrina desde bebés sin cuestionamiento alguno. Viajar o residir en otro lugar ajeno tiende a abrirles la mente y ni se diga de la infinidad de experimentaciones porque conforme se conoce, la realidad se convierte en otra y he aquí un identificador clave para enganchar a quienes han o están pasando por lo mismo.

Me sorprendí de Kumail Nanjiani ya que además de escribir el guión con su esposa, fue lo bastante abierto para contar la historia de cómo se conocieron. Es raro que un mismo escritor se interprete asimismo y por ello reconozco el riesgo. La química con Zoe Kazan, como Emily G) es agradable por su simpatía.

También les benefició contar con Holly Hunter y Ray Romano en el reparto, eventualmente es Kumail y ellos dos quienes terminan robándonos nuestra absoluta atención porque existe una especie de catarsis que nos conllevan a conmovernos por lo excelente que está ejecutada. Una edición estable con valiosas actuaciones respaldada por un guión humano.  

Una producción que sin duda nos hará hablar ya que me recuerda bastante a Silver Lining Shinings por enfocarse en los contextos de sus dos personas. Además de la diversificación en sus políticas, las personalidades sobresalen ante la ausencia de las típicas cursilerías o a estereotipos que abundan en su género. Las cosas como son y ambientadas en la actualidad.

Calificación 4½ de 5 estrellas

Crítica de Asesino: Operación Venganza (American Assassin)

Habiendo sobrevivido una tragedia, el joven Rapp se convierte en un vigilante impulsivo al atacar las células terroristas. No obstante las Fuerzas Especiales lo interceptan y a su vez optan por reclutarlo bajo la tutela del veterano Stan Hurley donde juntos trataran de detener un contrabando de plutonio. 

El nombre de Michael Cuesta está lejos del género, aquí fue más la experiencia del elenco lo que le brindó credibilidad considerando que a pesar de sus dos horas, la producción se mantiene superficial en el desarrollo de los personales. En el sentido en que no es lo suficientemente sentimental como para engancharte debido al giro en su primera secuencia.  

Desconozco la novela, quizás ahí si haya visto una profundidad narrativa porque me quedó con el deseo de haber conocido más a la personajes. No que desacredité la historia, sigue siendo lo bastante entretenida y en especial durante su última escena épicamente explosiva. Me hizo recordar a La Suma de Todos Los Miedos por su gratificante calidad en los efectos especiales.

Como vengo recalcando, en cuestiones de combates no decepciona, existe integridad en sus maniobras físicas pero políticamente se quedó pobre de sobresalir como lo hizo Bourne y hasta por debajo del brutal guión de John Wick. El protagonista parecer salirse con la suya, nada parece fallarle y debido a esa ausencia de vulnerabilidad le resta suspenso a la trama.

Dicho lo anterior, Dylan O’Brien cumple con la demanda física aunque le hizo falta ingenuidad e inocencia como lo expresó en The Maze Runner, prácticamente es Michael Keaton quien termina equilibrando la función y como que me hubiese gustado un enfrentamiento más enfocado hacía el personaje de Taylor Kitsch. Esta dirección de venganza estuvo un poco desubicada.

Como Ghost, Kitsch se convierte en ese tan necesitado disparador del suspenso porque la dinámica entre O’Brien y Keaton es escasamente básica. Son las interacciones con Kitsch cuando se pone interesante al igual que Sanaa Lathan quien pudo haber dado más que sólo ver el conflicto desenvolverse.

Originalmente satisfactoria podría concluir, quizás justo lo que queremos ver para distraernos un poco. Pudo haber sido mejor, obviamente faltó visión al despojar a ambos protagonistas de su sed de venganza.  De ahí en fuera, la adaptación luce en momento sobretodo en el tercer acto donde los riesgos comienzan a retumbar. 

Calificación: 3½ de 5 estrellas

Crítica de La Montaña Entre Nosotros (The Mountain Between Us)

A última instancia, el Dr. Bass y la fotorreportera Martin abordan una avioneta la cual se estrella dejándolos malheridos entre las montañas heladas. Ocultos en la nieve y sin poder depender de nadie más que de ellos y su perro, juntos deciden aventurarse a lo desconocido con la esperanza de poder ser salvados ya que su vida depende de ello.

La adaptación basada en la novela de Chales Martin contenía una visión que el director Hany Abu-Assad supo llevar a cabo a la gran pantalla. Una edición directa, estable y con una profundidad en el desarrollo de sus tres protagonistas porque hasta en eso se incluye al perro. Hubiese haber sido tediosa pero gracias a Hany, es enganchadora y agradable de ver por su cambiante género.

Es un drama con elementos de acción y romance, siempre se encuentra en movimiento, sólo se aplica el freno para conocer a los individuos y ver cómo interactúan entre sí y en el contexto en el que se encuentran. Se percibe la calidad en los encuadres por la forma en que los obstáculos son presentados porque podría estar dentro de lo posible.

Además de contar con dos maestros de la actuación: Kate Winslet e Idris Elba nos dan una cátedra. Verlos juntos es impactante debido a que sus emociones se sienten reales. Hubo química pese a comenzar como extraños, se nota en sus expresiones y uno no puede dejar de preocuparse, inclusive temer de la tragedia que les depara tanto para sus respectivos personajes.

Me gustó bastante la forma en que se desenvolvieron cada uno de ellos, Martin dependiendo siempre de Bass y el choque de personalidades como su vez el acoplamiento. En sí su estilo es pausado, instintivo, aunque eso no le resta interés siquiera porque inevitablemente resultan de esas producciones que no te puedes sacar de tu mente por la retroalimentación que te brinda.

De mi parte, me encontraba sumergido en su trama que me olvidé por completo de su composición musical. Tal parece no la necesitó para porque en el silencio uno se encontraba fascinado con la sublime cinematografía.  Aquella bella y a su vez desafiante escenario que es aprovechado al máximo no sólo para lucir las situaciones sino proyectar el temor.

Estos sucesos te ponen a pensar en nuestra humanidad y lo que a veces no valoramos. Algunos que hayan atravesado por esta experiencia coincidirán en la forma de no volver a ver la vida de la misma forma. Desde esa perspectiva, se puede decir que logré ponerme en los zapatos de los personajes y por un momento sentí su desesperación y esperanza.

Llámenme cursi pero es exactamente lo que nos hace falta de vez en cuando, películas como estas cuyo enfoque es la sobrevivencia humana. Está sumamente entretenida que a duras penas decepcionara. Recomendada por los actores porque ellos son la razón de que esta riesgosa adaptación haya funcionado en la gran pantalla.

Calificación: 4 de 5 estrellas.

Crítica de Eso (It: Chapter 1)

El Club de los Perdedores decide investigar una serie de desapariciones descubriendo una extraña figura que se encuentra al acecho de cada uno de ellos debido a las tremendas alucinaciones que se desatan debido a su miedo. Coincidiendo en la imagen de un payaso de circo, deciden correr el riesgo de destruirlo para evitar que más inocentes mueran.

No era mi intención acudir a verla en el cine, debido a una floja cartelera no tuve alternativa que verla a pesar de unos inquietantes avances. Me alegra haber tomado el riesgo porque esta adaptación resultó siendo un extraordinario suspenso con una épica historia la cual está perfectamente equilibrada con humor, drama, sentimentalismo, misterio y acción.

El director Andy Muschietti había sido aclamado por Mama, y del mismo modo recurre a esos elementos para darle no sólo monstruosidad al villano sino justificación emocional a cada uno de los personajes. Si presenta un par de escenas perturbantes para un pequeño, inclusive te roba de tres buenos sustos debido a que su edición te pone muy nervioso.

Todo se desenvuelve con espontaneidad, se nota en la coordinación de estos jovencitos porque nada de esto es fácil de filmar. Me sorprende ver tanta expresividad en los actores y ni se diga de Bill Skarsgard quien es un éxito como Eso. Un antagonista a la altura de sus jóvenes e inexpertos protagonistas ya que en escena todos brillan sin excepción gracias a la contextualización.

Muschietti sabe lo valioso que es conectar con la audiencia y lo hace mediante una ambientación de acorde a la época. Fue inteligente en la forma de cerrar la travesía como igualmente del proceso de llevarla del punto A al punto B. Lo vuelvo a repetir, estoy sorprendido del nivel de calidad que se distingue en sus ejecución,  sonido, música y cinematografía.

Los aspectos técnicos detrás de los brotes psicóticos podrían traumar a algunos y ciertas fobias podrían ser identificables. En esta visualización, Eso llega a ser mucho más efectiva que El Resplandor. Una leyenda por así decirse que te deja deseando saber más y esperemos con suerte que en la siguiente sea revelada por completo su identidad.

Entretanto me gusta que se hayan tomado el tiempo necesario para desarrollar a cada uno de los personajes; tanto buenos como malos.  Cada uno de estos se enfrenta a sus demonios de acorde a sus fobias y situación actual. Es aquí donde se emplean las secuencias psicóticas para llevar la tensión al otro nivel. No se trata de sólo jugar con horror sino validarlo y a su vez definirlo.

Tampoco he leído la novela pero para que a King le haya gustado, significa que los guionistas se lucieron en capturar la esencia. Se siente a la par de Señales por lo sugestivamente humana que puede llegar a ser gracias a un elenco del cual puedes apreciar por su realismo. Imposible de no apoyarlos, morir es lo menos que deseamos de ellos y he ahí lo inesperado en su trama.

Quizás la mejor adaptación que ha tenido una novela de Stephen King y eso que se trataba de la primera parte. Ansioso me encuentro durante mi espera hacía la secuela, ahora entiendo porque ha sido un fenómeno en la Taquilla. Con un presupuesto de $ 35 millones, contamos con otro horror que sin duda le hace justicia a su género.

Calificación: 4½ de 5

Crítica de Atómica (Atomic Blonde)

Ambientada en 1989, cerca del colapso de la muralla de Berlín, la espía Lorraine Broughton es despachada por MI6 para encontrar una lista que contiene todos los nombres de los agentes activos en la Unión Soviética. Una vez en territorio hostil, descubre que nadie es de fiarse ni mucho menos con un doble agente atento a cada uno de sus movimientos. 

David Leitch se apoya en las producciones de John Wick para entregarnos unas genuinas secuencias de acción; y con mucha razón tratándose del director de la original. No obstante, se diferencia por contener una trama política con imprevistos de los cuales dependerá de nuestro seguimiento o de lo contrario te perderás en el contexto de por sí ingenioso.

Obvio que la violencia está presente y en un grado realista considerando sus fenomenal repertorio de peleas. Excelente maquillaje aplicado, esos golpes y heridas impactan de sólo verlos. Además Charlize Theron se ve hermosa, moderna y letal. Debo mencionar que el vestuario es otro resalte al lado del nostálgico soundtrack.

No se puede negar que la música retro se hasta poniendo de moda tras producciones como Guardianes Vol. 2, Mi Villano Favorito 3 y Baby. En cierta manera va de acorde a la época señalada en su cinematografía. Cada encuadre hace lucir al máximo los escenarios elegidos que al lado de su creativa edición y sonidos, la vuelven en una producción de calidad.

Como vengo diciendo, es muy importante prestarle atención a los detalles porque nada es tan simple como parece. No una historia tan fácil de manejar más eso no detuvo a Kurt Johnstad de transformarla a la gran pantalla. Un guionista talentoso que supo diferenciarla de John Wick sin descuidarse de las circunstancias en juego.

Efectivamente Charlize Theron es perfecta como Lorraine; cada gesto, paso y golpe la justifican como una autentica figura de acción que en ningún momento podemos despegar nuestra vista de ella porque pese a ser una belleza, es una amenaza formidable para los enemigos del relato. Sí que tomó los mismos entrenamientos de Keanu Reeves, se nota.

Tampoco descartemos a James McVoy, está vez adopta una personalidad no muy usual para su persona. Fragmentado le demostró a este actor que podía hacer lo que quisiera y en esta ocasión, no es la excepción aunque en cierta manera, pudo divertirse y  a su vez experimentar otra especie de dinamismo con Theron y Sofia Boutella.

Podría estar fácilmente a la altura de John Wick y dado su éxito moderado de $ 80 millones en comparación con su presupuesto de $ 30 millones, no me sorprendería ver una secuela y para variar, estaría interesado en saber más dado el desenlace inesperado. Altamente recomendada para quienes les encantan las películas políticas de acción brutal.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de La Torre Oscura (The Dark Tower)

Tras verla empiezo a creer que la crítica en general ha sido injusta con esta adaptación basada en la aclamada novela de Stephen King. Estamos ante una producción de acción, suspenso y buen humor que nos entrega un contexto original y sobretodo un desenlace sin quedarse en continuación.

Existen referencias obviamente, pero en sí su guión es sencillo, directo y efectivo. Se nos ofrece una introducción de las circunstancias, se nos aclara el funcionamiento de los portales, la existencia de la Torre, el peligro entre los mundos y conocemos a los personajes hasta el grado de engancharnos a nivel catártico.

Entiendo que quizás se sienta genérica, aunque tiene lo suyo y resulta tan oscura como para equilibrar el catalogo en la actualidad. Respaldo tanto la serie de televisión como una secuela porque sin duda quiero saber más sobre este dúo dinámico, tanto orígenes como las repercusiones a esperar con relación a la Torre.

Con una duración de 90 minutos, la función se te pasa al instante. Quizás se fue flojo en el desarrollo de personajes como en ciertas cuestiones en la narrativa. La dirección de Nikolaj Arcel no rodea en lo absoluto. Es lo bastante segura como para no tratar de explicar de más. Además con un elenco de primera clase, es imposible no engancharnos.

Aunque no lo crean, el joven Tom Taylor es quien carga con el peso y más por ser el enganche emocional. Tiene carisma lo cual lo hace congeniar fácilmente con dos grandes veteranos. Idris Elba es una garantía, en cuanto entra a cuadro, su presencia no pasa desapercibida y digamos que su relación con Taylor se da con satisfacción.  

Desde el ángulo antagonista, Matthew McConaughey cumplió con las expectativas. Su credibilidad es asombrosa y gracias a los guionistas por posicionarlo como un mal sin límites. No sólo amenaza sino causa un gran daño  a todo quien se le atraviese. Los enfrentamientos con Elba son extraordinarios por la psicología proyectada en las escenas.

Previo a esto, Arcel no contaba con ninguna experiencia en el género, lo cual merece nuestro respeto por aprovechar cada encuadre de las circunstancias y a su vez prestigiar a la cinematografía. Los efectos especiales gozan de absoluta calidad por lo que estoy en desacuerdo que caiga en lo sobre-exagerado.

Todo es válido en la ciencia ficción y a pesar de ello, a quienes verdaderamente les gusta el cine, sabrán apreciar La Torre Oscura por el sólido entretenimiento que nos ofrece. Además la música de Tom Holkenborg nos contagia de nerviosidad conforme nuestros peleadores son esquinados. Gracias a ello, se siente épica y lo es aunque obviamente esto puede mejorar aún más.

En conclusión, quienes buscan pasarla bien, es una grata recomendación que te dejara deseando saber más de este interesante mundo de King. La encontré tan agrado que si no llevan a cabo su serie o secuela, tendré que ponerme a leer las novelas porque la historia de Roland Deschain y Jake Chambers empezó con firmeza independientemente de quienes digan lo contrario.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Duro de Cuidar (The Hitman’s Bodyguard)

El perfeccionista e impecable Michael Bryce es contratado a último momento para proteger a Darius Kincaid quien posee información valiosa para condenar al dictador de Belarus. No obstante, las cosas se salen de control hasta el grado en que Bryce deberá hacer a un lado su rivalidad con Kincaid para redimirse de un terrible error en el pasado.

Interesante ver que esta adaptación está representada por un miembro de El Caballero de la Noche, Defensores, Vengadores y Deapool. Dicho esto por las participaciones de Ryan Reynolds, Samuel L. Jackson, Gary Oldman y Elodie Yung. Este elenco sin duda sabe hacerte reír y lo más importante, tiene experiencia cuando se trata de pelear o escapar.

Sirve mucho que el director Patrick Hughes se haya beneficiado de Los Indestructibles 3, sin importar que se hayan repetido varias persecuciones en carro; uno nomás no puede dejar de admitir lo genial que se desenvolvieron en la gran pantalla. La implementación de estos efectos especiales hizo de esta edición en un impresionante resalte.  

La adrenalina es perfectamente equilibrada por el dinamismo entre Reynolds y Jackson. Estos dos son amos de la comedia y se expresan con tanta naturalidad que cubren el hueco dejado por Pareja Explosiva o Arma Mortal. De verdad extrañaba esta irreverencia y más cuando no se posee la menor idea de que esperar de los dos.

Inclusive Salma Hayek termina entregándonos una de sus finas actuaciones, simplemente me encantó su extroversión que debería reconsiderarse para otro papel similar. Además al lado de Jackson, sus dos escenas fueron encantadoras  a inusual modo. Similar a la relación entre Yung y Reynolds aunque estos fueron más inocentes por así decirse.

Desde su sublime actuación como Elektra Natchios, Yung ha estado robándose la atención de Hollywood y con mucha razón tras verla interpretar con credibilidad a una novata agente. Lo opuesto de Oldman que recurre a su vieja técnica para ofrecernos un antagonismo que es de odiarse, en el buen sentido de la palabra obviamente.

Quizás nos encontremos ante la mejor comedia de acción del año y una de las más bellas en cuestiones de cinematografía. Ámsterdam deja a uno con la boca abierta debido a sus magníficos paisajes, urbanidad, ríos, arquitectura… cada localidad es aprovechada especialmente durante las persecuciones donde a su vez se destaca la ingenuidad en sus escuadres y coreografías.  

El guión es sencillo, centrado en dos carismáticos personajes cuyos desarrollos pese al constante bombardeo de acción, se encuentran lo justamente completos para complementarse con el resto. El concepto es el mismo, son los obstáculos los que giran y nos mantienen enganchados porque aquí la sorpresa viene ligada a su autentico humor.

Como vengo diciendo, Duro de Cuidar es una garantía de comedia que ha sido desvalorada por considerarse redundante. Aún así te hace pasar un grandioso rato en el cine debido a que es justo lo que se necesita tras una semana pesada en el trabajo. Yo la recomendaría sin titubear porque no hay nada que no puedas amar de esta.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de El Aprendiz del Crimen (Baby Driver)

Baby es un conductor de escape que se encarga de librar a los ladrones de la persecución policiaca tras darse por ejecutado el atraco. Por causa de una deuda, no tiene alternativa más que seguir conduciendo mientras cuida de su padrastro, socializa con una inesperada muchacha y enfrenta la tragedia de su madre que lo dejó marcado con un fuerte padecimiento.

Ahora comprendo porque Edgar Wright fue removido del Hombre-Hormiga, este joven director no teme en mostrar algo completamente único y experimental en cuestiones de géneros. No sólo se luce con las impresionantes secuencias de acción, sino la chispa en su humor, el dinamismo de los actores y el sentido musical la convierten es una adaptación digna de algunas nominaciones.

Casi pareciese tratarse de un drama musical por la forma en que Ansel Elgort se desplaza conforme se van rolando las canciones de acorde al estado de ánimo y contexto en que se encuentra su personaje. Nada sucede al azar sino todo está elegido sabiamente tornándose en una sensación instantánea a la Guardianes de la Galaxia.

Wright estuvo a cargo de conceptualizar su historia mediante un ingenioso libreto que brinda alta creatividad y una necesaria originalidad. Sabe lo que quería y lo llevó a cabo con calidad porque visualmente cada una de las escenas es enganchadora de ver. Incluso en los momentos calmados, siempre existe un elemento de suspenso que te mantiene a la expectativa.

Los escenarios cambian, los personajes secundarios vienen y van, pero el principal nunca pierde su encanto a pesar de sus pasos y canto simulado. Así es Elgort es un verdadero estrella cuya simpatía en Bajo La Misma Estrella es llevada a otro nivel que sin duda lo pondrá en el centro de Hollywood porque muchos papeles le lloverán tras esta fascinante proyección.

No se intimida en la presencia de maestros como Kevin Spacey quien nunca decepciona, la química es lo bastante directa y entendible; Jamie Foxx y Jon Hamm son eficaces antagonistas por comportarse de una forma no tradicional. No podemos descartar la gran adición de Eiza González ni tampoco la breve aparición de Jon Berthal.

Un elenco que predomina durante el transcurso de la adaptación, complementa al protagonista e impulsan el ingenio de la historia. Uno creería que la música saturaría la imagen, nada que ver. Hasta los efectos especiales se benefician de las realistas secuencias de persecución porque todas sin excepción te atrapan por completo.

Acompañada de un nostálgicamente magnifico soundtrack, Baby es una drama de acción que goza de un gran gusto y bajo ninguna circunstancia pierde su estilo, encanto o vibra. Inusualmente extrovertida, es agradable contar con esta clase de producciones que buscan entretener a cualquier audiencia con una trama refrescante para variar.

Calificación: 4½ de 5 estrellas

Crítica de El Planeta de los Simios: La Guerra (War for the Planet of the Apes)

Después de que la milicia Estadounidense fuese llamada a combatir a la tribu inteligente de simios, César se ve envuelto en una peligrosa rivalidad con el Coronel cuya Facción Alpha-Omega tiene como propósito su total exterminio para asegurar a la raza humana como la única especie dominante en lo que resta de la Tierra.  

Esperaba algo distinto más eso no quiere decir que no me haya gustado lo visto dada la inspiración en la trilogía del Caballero de la Noche. El director Matt Reeves hace una grandiosa labor en seguir manteniendo el desarrollo de los protagonistas en primer plano mientras toda consecuencia o acción es insertada en el fondo durante los momentos claves.

La trama se maneja al mismo ritmo de las anteriores, pausada y metódica conforme se exploran las nuevas circunstancias. Tanto principio como desenlace lucen por sus explosivas batallas de guerra. Bastante sugestiva la forma en que fue editada, visualizada y protagonizada considerando el enorme realismo en que se desencadenan los sucesos. 

Reeves fue la perfecta elección porque no hay nadie como él para ilustrar héroes conflictivos, en especial tratándose de animales. Al lado del guionista Mark Bomback promovieron el sentimentalismo aunque no temieron en llevar a César en los mismos pasos de Koba. Esta oscuridad nos brinda otra perspectiva con respecto a la línea del bien y el mal.  

Quizás la intensidad haya carecido de valor ante la ausencia de un antagonista como Koba y un aliado tan potente como lo fueron Will y Malcom. De igual forma Andy Serkis se sigue robándose la función como ya estamos acostumbrados y su confrontación con El Coronel es altamente satisfactoria gracias a Woody Harrelson quien viene siendo más un obstáculo psicológico.

Esta vez no contamos con factor emotivo desde dos enfoques y quizás algunas referencias para el futuro de esta franquicia porque indudablemente muchas cosas pueden suceder de aquí en adelante. Reeves tiene mucho amor por esta serie, se percibe en la calidad invertida en estas 2 horas 20 minutos de las cuales uno se las pasa con agrado y cierto humor.

Serkis es la razón del éxito que ha acumulado esta trilogía aunque las nuevas adiciones de Harrelson, Gabriel Chavarria, Steve Zahn, Amiah Miller, Karin Konoval y hasta Toby Kebbell como Koba, terminan enganchándonos por las nuevas aportaciones que nos entregan a través de la tecnología y también físicamente hablando.

La cinematografía sigue siendo impresionante, los contrastes entre las localizaciones, los colores, la oscuridad, la luz radicada en los contextos; los efectos especiales lucen no sólo en la escenas de guerra sino conforme se van explorando su contexto. También ayuda mucho la música de Michael Giacchino porque nos pone vulnerables por su contagiosa melodía.  

En conclusión, Confrontación sigue siendo mi favorita seguida de cerca por la primera y esta tercera entrega. No puedo evitar sentir que el factor humano perdió peso al igual que el antagonista. Obvio que está película le pertenece a César porque prácticamente es su travesía y una muy buena que no podemos dejar de apreciar.