Los Fines de Semana Más Taquilleros de Febrero

Ahora que la temporada de Oscares ha finalizado, podemos enfocarnos hacia las aperturas más taquilleras del mes de febrero. Desafortunadamente las primeras cinco posiciones siguieron inmóviles mientras un nuevo estreno se conformó en sexto. Es cierto que es un mes impredecible porque muy de vez en cuando tiende a asombrarnos, pero usualmente ha andado por una racha común como lo podrán ver a continuación:

1) La Pasión de Cristo (The Passion of the Christ)

Antes de que la borrachera opacara su magnifico currículo, Mel Gibson se encabezó a producir y dirigir una de las adaptaciones más controversiales de nuestros tiempos. La crucifixión de Jesús era un acto limitado a lo descrito en la biblia, en otras palabras, era una representación pura. En cuanto Gibson tomó las riendas, la convirtió en una obra intensa y sangrienta. Hubo exceso de sufrimiento para los creyentes e inevitablemente, las lágrimas corrieron durante las dos horas de su presentación. Considerando las escenas de torturas en los avances, esta producción de $ 25 millones rompió el record del mes al debutar con $ 83.8 millones de dólares. Desde ese 2004, no ha existido otro filme capaz de hacer esta clase de historia.

2) Hannibal

La secuela a El Silencio de los Inocentes, la aclamada producción de suspenso y ganadora de Mejor Película, Director, Actor Principal y Actriz Principal, superó a la primera al capturar $ 58 millones en sus primeros tres días. Record que duró por lo menos 3 años en el tope. Bajo la dirección de Ridley Scott, se sintió un poco decepcionante no por la ausencia de Jodie Foster sino porque la trama carecía de innovación. No obstante, los aspectos psicológicos permanecen y las escenas fuertes son más grotescas. Es imposible no sentir nauseas especialmente en la escena donde Lecter le abre la cabeza a un detective y le da a comer su propios sesos. Si no mal recuerdo, me encontraba comiendo. Evidentemente no fue una buena idea.

3) Día de los Enamorados (Valentine’s Day)

Ni con todo el poder estelar más la festividad titular, pudieron ser eficaces para conquistar el primer lugar a principios de 2010. Es más, se quedó a $ 2 millones de posicionarse en el segundo lugar. Aun así no cualquier comedia romántica logra abrir con $ 56.2 millones y mucho menos si cuenta con malas críticas. Actualmente Votos de Amor se habrá quedado distante pero en aspectos totales, esta próximamente a sobrepasarla. Como agregado personal, la considero bastante entretenida y humorística.

4) El Vengador Fantasma (Ghost Rider)

Es una vergüenza que los $ 22.1 millones iniciales de la segunda entrega hayan sido terriblemente inferiores a los $ 45.3 millones de la versión de 2007. Curiosamente es la penúltima producción que alcanzó esa frontera sin contar Tesoro Nacional 2. Nicolas Cage se equivocó de franquicia si su propósito era obtener su tercer aire como Tom Cruise en Misión Imposible IV.

5) Hitch: Especialista en Seducción

Inmediatamente Will Smith demostró que la acción no era el único género que podía conquistar. Durante el 2005, sorpresivamente llamó la atención cuando su comedia romántica se estrenó dichosamente con $ 43.1 millones. Habrá sido desplazada dos veces, pero su taquilla total la coloca en la segunda posición de las seis listadas. Es raro que Smith no haya buscado retomar este estilo.

6) Votos de Amor (The Vow)

Por último, la combinación de Rachel McAdams (Diario de Una Pasión) y Channing Tatum (Querido John) impulsaron este relato inspirado en hechos reales a sobresalir con un primer fin de semana de $ 41.2 millones. No es de esperarse su mala recepción proveniente de la comunidad crítica, pero realmente nadie anticipaba que este romance cruzaría los $ 100 millones. Ni siquiera el estudio por ser realizador de éxitos medianos como Inframundo y Resident Evil.

 

Fuente oficial:

www.boxofficemojo.com

Análisis de la 84a Entrega de los Premios de la Academia (Oscars Winners 2012)

Tras un impresionante video de introducción con los actores George Clooney y Tom Cruise, Billy Crystal regresó a conducir por novena vez los Oscares. Inmediatamente se puede sentir la emoción y la gran vibra que este comediante transmite. Sus diálogos fueron hilarantes, especialmente la de abrazar a una mujer de color después de ver Historias Cruzadas, lo curioso fue que tenía que tardar 45 minutos en hacerlo debido a que se tomaba tiempo encontrarla saliendo de Beverly Hills.

Otros de los segmentos icónicos sería narrando los pensamientos de los actores presentes: lo de las conferencias con los seis maestros de sus hijos en Brad Pitt y esa idea me gusta en Angelina Jolie sacó buenas risas; inclusive lo del beso con Clooney. Muchas divas de la WWE deben estar celosas con Stacy Keebler para que haya sido la acompañante. Lo de las cámaras en Martin Scorsese no tiene precio al igual que los ladridos del perro y el coraje de Nick Nolte. A diferencia de otros, Crystal no necesito de severas críticas a sus compañeros ni de expresiones vulgares.

Desde el primer momento en que apareció en el video hasta su entrada, Crystal fue acogido con gran aclamación. Es lamentable que el destino de todos los anfitriones o conductores terminé en un cierre abrupto. Esperemos y no sea la última vez que nos lo topemos en el gran escenario ya que pocos son los verdaderos maestros de ceremonia que logran transmitir esa magia de entretenimiento. Desafortunadamente se debió haber reducido el volumen de la orquesta por causa de que la letra cantada no se comprendía con claridad.

Por primera vez, cada uno de los presentadores se desarrollaron con ingenuidad y carisma: Jenifer Lopez y Cameron Diaz robaron pantalla al colocarse de espaldas, la hermosa Angelina Jolie hizo su pose mostrando la pierna, Robert Downey Jr. estuvo para morirse de la risa en compañía de Gwyneth Paltrow con lo del documental ficticio de El Presentador, Will Ferrell y Zach Galiafanakis en trajes blancos sujetando los platos de la batería brindaron un buen aire de dicha por su desfachatez.

Emma Stone hace su primera aparición con una simpatía espontanea y contagiosa. Estoy seguro la volverán a invitar ya que nos hacía mucho reír y ello que estaba con Ben Stiller. Por otra parte, Tina Fey como siempre fue estable e hizo adecuada química con Bradley Cooper. El reparto de Damas en Guerra no pudo faltar y en su proceso, realizaron sus bromas con comentarios y acciones atrevidas. Tampoco podemos olvidarnos del surreal espectáculo de Cirque Du Soleil, parecía de otro mundo porque las acrobacias eran intensamente innovadoras.

Enfocándonos a los grandes ganadores de la noche, El Artista y La Invención de Hugo Cabret lideraron con 5 Estatuillas cada una. No obstante, El Artista sobresalió con las sustanciales categorías de: Mejor Película, Director, Actor Principal, Vestuario y Música. No me importa el recién prestigio adquirido, simplemente no iré al cine y mucho menos me atreveré a rentarla en video aunque esté a sólo 15 pesos. Sólo porque los críticos dicen tratarse de una obra maestra, yo opino que se trata de un retroceso en la industria del cine.

Recortar la pantalla a un cuadrado, adoptar el blanco y negro, eliminar la voz por los cartelones de letras y acudir a la exageración de los gestos, era el estilo de aquella época mas no representa un homenaje en la actualidad. Ello se comprueba debido que la mayoría de sus competidores han conseguido más impacto tanto en taquilla como en la recepción. Posteriormente de Zona Miedo y El Discurso del Rey, la Academia dio un rotundo bajón.

Inclusive es el hazme reír de algunos porque el actor principal Jean Dujardin sólo requirió de dos palabras para vencer a los talentosos actores como George Clooney, Brad Pitt, Gary Oldman y hasta Demian Bichir. Concuerdo en que la dirección de Michael Hazanavicius es mejor que la de Terrence Malick en la drogada producción de El Árbol de la Vida, pero prevaleciendo sobre Woody Allen, Alexander Payne y Martin Scorsese, se conforma como un gravísimo horror. Gracias por las pesadillas.

En cuanto al vestuario y música, no puedo sentirme tan mal. Esa clase de película se requiere de sentimiento e inteligencia para lucir y creo que esos premios técnicos están en cierto modo justificados. Sin embargo, sigo prefiriendo la melodía de Caballo de Guerra, aprovechando su mención, es una decepción no haber recibido ningún premio al lado de El Juego de la Fortuna.

Cabe señalar que los ganadores de El Artista dieron los peores discursos de la noche porque no parecían sorprendidos en su totalidad. No me sorprendería que hayan sido comprados considerando que El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey conquistó 11 inexplicables Oscares mientras que ninguna de las ocho producciones de Harry Potter pudo siquiera ganar Efectos Visuales en su década de participación.

La sorpresa de la noche va indiscutiblemente para La Invención de Hugo Cabret la cual se llevó las estatuillas de: Cinematografía, Dirección de Arte, Efectos Visuales, Sonido, Edición de Sonido. En cuestiones de sonido, hubiera optado por darle al menos una a Caballo de Guerra. En referencia a Efectos Visuales, debemos admitir que es una sorpresa que El Planeta de los Simios no haya ganado. Quizá y se deba al antecedente de Avatar. En cuanto a Harry Potter y Las Reliquias de las Muerte Parte 2, debemos admitir que la Academia tiende a posicionar la original por encima de la secuela. Sin importar que los $ 115 millones globales de Hugo sean destrozados por el $ 1 billón 300 millones de dólares de Harry.

Los agradecimientos de los ganadores de Hugo fueron decentes pero no a la magnifica altura de Meryl Streep quien ser robó la velada con su buen humor mezclado con momentos emotivos. No la he visto en La Dama de Hierro pero conociendo sus trabajos anteriores, estoy seguro que este tercer Oscar fue bien merecido. Verla en ese escenario simplemente fue grandioso y más por la gran ovación de los presentes. De ahí le siguió Christopher Plummer con su elegancia y clásico humor al tomar su estatuilla de Actor de Reparto. Fue agradable de su parte promover a su compañero Ewan McGregor. Otro momento de lágrimas se dio cuando Octavia Spender fue recibida por una ola de aplausos continuos tras ganar la Actriz de Reparto. Conmovedor y cómico gracias a su buena nerviosidad.

Fue completamente inesperado que Woody Allen haya ganado el guion original por Medianoche en Paris ya que la favorita era El Artista. Asimismo se dio con la Mejor Edición en La Chica del Dragón Tatuado. Los editores estaban tan anonadados de ganar esta categoría por segunda vez consecutiva que decidieron resumir sus agradecimientos a una simple frase genial: “Somos los editores”. Era seguro que Los Descendientes ganarían el Guion Adaptado, pero ello estuvo en duda por la presencia y dominio de Hugo. Sumándole un segundo premio a La Dama de Hierro, el maquillador se llenó de orgullo al recibir ese reconocimiento después de trabajar con Meryl Streep desde La Decisión de Sofía. A pesar de ganar la nominación por ser la única Animación decentemente original, sigo inseguro de rentarla. Me dio tanta risa que Los Muppets hayan ganado la canción Hombre o Muppet. Como era de esperarse, Una Separación obtuvo la película extranjera.

 

En conclusión, un poco desproporcional al año pasado en cuanto a la repartición de premios. Ignorando a El Artista, siento que esta es una de las mejores ceremonias principalmente por el retorno de Billy Crystal y el dinamismo de los presentadores. Sin embargo, muchos miembros de la Academia se arrepentirán de haber optado por esa dirección.

P.D: Bradgelina rifan!!!

Tan Fuerte y Tan Cerca (Extremely Loud and Incredibly Close)

La conmovedora adaptación de la novela de Jonathan Safran es una excelente pieza de entretenimiento para toda la familia. Inusualmente los relatos situados desde la perspectiva de un niño no tienden a generar el suficiente interés taquillero como lo hacen las animaciones, pero no cabe duda que se ha buscado la excepción considerando el reparto estelar y su nominación a Mejor Película.

La historia en sí consiste en la búsqueda del sentido de la vida y en cómo tratar a las personas que han perdido algo importante. Básicamente se concentra en lidiar el dolor, controlar las emociones y en superar nuestros grandes miedos. Durante esta expedición comprendemos el comportamiento humano y ello es esencial tomando en cuenta que nos hemos vuelto una sociedad fría.

Me impresiona observar el alto grado de contenido intelectual que se maneja. Tantas estadísticas, hechos, domicilios y estilos de personalidad. Ingenioso es el sistema de mentiras como su modo narrativo. Dicho esto, la constante narración en momentos puede cansar por el exceso de información, lo cual es parte de la edición. No obstante, cada palabra, oración y acción emitida del protagonista es de alto interés para el espectador.

Para apoyarse en el atentado terrorista de las Torres Gemelas, debo admitir que se logró de la mejor forma. Nada de controversia, cero política, no melodrama… simplemente un niño intentado acercarse a su padre a través de una búsqueda pendiente. Dichosamente esta carga emocional cae en el descubrimiento de la llave, elemento primordial que al instante nos engancha tras descubrirse de una innovadora cualidad.

Es difícil no conmoverse con las escenas sensitivas, después de todo somos seres humanos y ahí existe mucho con que identificarse. Aunque no lo crean, la ciudad de Nueva York constituye un enorme y diverso contexto. Realmente no se trata de una multitud violenta. No es de extrañarse que el escritor Erich Roth haya sostenido el carisma, la inocencia y el sentimentalismo de la novela. Después de todo, es responsable de magníficos guiones como Forrest Gump, El Señor de los Caballos, Munich y El Caso Curioso de Benjamin Button.

Por otro lado, dirigir a un niño nunca es tarea fácil. Inclusive no muchos se lanzan a esa tarea por la necesidad de paciencia. Requisito que no asustó a Stephen Daldry puesto que cuenta con esa experiencia gracias a Billy Elliot y The Reader. En el mismo plano de Clint Eastwood, este director consiguió fuertes emociones en el protagonista, su dolor es tan contagioso que le parte el corazón a cada uno de los presentes. Honestamente ver a un niño llorar de ese modo es trágico por el simple idealismo de que ellos representan la incuestionable felicidad.

Daldry habrá sido criticado como pretensioso y su material puesto como una excusa para competir en los Oscares, pero este filme no se dirigió con esa finalidad. Al contrario, contiene mucho respeto especialmente sobre las víctimas del 911. Trata de abrir nuestras mentes sobre nuestras maneras de actuar y nos pone a analizar sobre lo que sucede a nuestro alrededor. Eventos como tales nos marcan para siempre, pero también nos motivan a ser mejores personas y esa es la razón por la cual Daldry y Roth trabajaron arduamente durante cinco años para compartirla con el mundo.

El peso recae exclusivamente en Thomas Horn y no en los veteranos como solíamos creer. Les parecerá inusual, pero este niño de 12 años nunca había actuado en su joven vida, y lo hace como si ya contará con años en el cine. En aspectos de comedia, es espontaneo por la naturalidad en que se desenvuelven sus actos. En cuanto a la exploración, le da buen uso a sus herramientas y distribuye adecuadamente su energía. Más su grande talento se concentra en sus escenas dramáticas.

Ya sea al lado de Hanks, Bullock, Sydow o el resto, Horn es excepcional que indudablemente debió encontrarse entre los cinco nominados. Es más, su participación era más apropiada que la del El Artista. Hasta la mudez deVon Sydow es más notoria por sus encuadres directos. Bueno, tratándose de su primera obra, está justificada su ausencia pero presiento un gran futuro en su carrera. Sinceramente esas expresiones son de increíble calidad.

Manteniendo su status de Oscar, Sandra Bullock continúa con una emocional y elocuente interpretación. Ese rostro justifica el dolor y a la vez establece el desarrollo de su personaje. Sin embargo, su distanciamiento es un detalle inquietante pero fácilmente se compensa con el dinamismo de Tom Hanks. Usualmente alegre y vivo, su forma de motivar o aconsejar es fascinante. Es una lástima que estos dos grandes actores solo hayan compartido una escena juntos. No se puede negar la presencia y credibilidad invertidas principalmente cuando están hablando en el celular.

Mis respetos para Max von Sydow, si no fuera por Christopher Plummer, estaría seguro que ganaría el Oscar porque el señor no necesitó decir ninguna palabra. Sólo requirió de gestos y señas para ganarnos nuestra confianza, risa y conmoción. Como era de esperarse, Viola Davis ha resultado una figura artística que merece todo el crédito que está recibiendo. Se le agradece a John Goodman por seguir liberándonos de nuestras tensiones con su buen humor. Lo mismo va para Zoe Caldwell quien es extraordinaria como la abuela. Por último, Jeffrey Wright nos demuestra su fortaleza en la sola escena que tiene con Horn.

Encuentro un poco irritante la edición, desequilibrada para ser exacto. El detalle es la representación de las crisis nerviosas. Es ingenioso pero a la vez prefiero ver la expresión física de las personas y no los elementos narrados. No obstante, sabe detallar la familiar cinematografía y además innovarla al mostrarnos otras partes semi-desconocidas, suelen causar buena atención. Tampoco está de más la edición del sonido y la composición musical.

Creo que las dos nominaciones no eran suficientes, este drama merecía también la dirección, guion adaptado y la actuación principal. En Conclusión, es una obra recomendable, te cuestionarás duramente los primeros veinte minutos pero sin darte cuenta, te engancharás con los sucesos y terminarás amándola. Esta historia de valor es maravillosamente conmovedora por lo que se recomienda vayas con una caja de pañuelos. Como diría un compañero del trabajo: “pura lloradera”.

  

 

Hablemos de Cine

Por segunda ocasión, Viaje 2: La Isla Misteriosa se mantuvo en primer lugar con $ 27.5 millones de dólares. Su taquilla foránea en 43 mercados ha alcanzado $ 130 millones de dólares y próximamente vencerá los $ 140 millones de su predecesora. Realmente es inusual contar con esta clase de éxito cuando apenas vamos en febrero. En segundo lugar, Star Wars: La Amenaza Fantasma en 3D declinó 49% para conseguir $ 10.4 millones. Agregando las entradas diarias, hace un par de día la precuela se convirtió en la onceava producción en la historia en cruzar el billón de dólares. Actualmente radica como #1 de la saga hasta el posible re-estreno de Una Nueva Esperanza. La contendiente al Oscar, Los Descendientes ascendieron a tercer lugar añadiendo $ 7.9 millones para una suma de $ 68.7 millones. Entre otras menciones: Votos de Amor yace en $ 25.2 millones seguido de Protegiendo al Enemigo con $ 20 millones.

En la Taquilla Mexicana, La Dama de Negro continúo en primer lugar gracias a $ 1 millón y 608 mil dólares. El total de $ 4.8 millones demuestra potencial para el joven Radcliffe. Desafortunadamente Nicolas Cage no contó con carisma en El Vengador Fantasma 2 la cual debutó en segundo lugar con $ 1.5 millones. En tercer lugar, Viaje 2: La Isla Misteriosa lució con $ 1.3 millones para acumular un total fuerte de $ 9.2 millones. Hasta el momento, se conforma como el título más taquillero en México.

Las ventas en DVD se alzaron principalmente por el debut de La Saga de Crepúsculo: Amanecer Parte 1. La cuarta entrega vendió 2.3 millones de unidades equivalentes a $ 42.7 millones de dólares. No cabe duda que es un tremendo comienzo y ello la pondrá en rumbo a concluir en el Top 5 de 2012. Inesperadamente fue una decepción en Blu-ray que terminó en segundo lugar con solamente 788 mil unidades de alta definición proporcionales a $ 18.1 millones. Esto es un factor inusual porque en cierto modo perjudica el futuro de este formato.

Entre las noticias relevantes:

El ganador del Oscar Christian Bale protagonizará Out of the Furnace del director Scott Cooper, reconocido por su labor en Loco Corazón. Su papel consiste en un nativo de Indiana que recientemente ha sido puesto en libertad en 1986. Su propósito consiste en casarse con su novia pero ese plan se interrumpe cuando su hermano es brutalmente asesinado por una apuesta. Suena interesante y perfecto para su estilo.

Darth Maul, el famoso Sith de La Amenaza Fantasma, está por hacer su debut en la aclamada serie animada The Clone Wars. Hoy en día existe un poderoso avance donde se nos muestra en su nuevo estado después de 10 años de estar en ausencia de ese universo. El primer capítulo resultó un logro y se anticipa que este controversial retorno sea de excelente calidad. Entretanto, ello ha ayudado a posicionar al Episodio I en el billón de dólares.

DreamWorks Animation SKG tiene en mente producir Turbo con el siguiente repertorio de voces: Ryan Reynolds, Paul Giamatti, Michael Pena, Luis Guzman, Ken Jeong, Michelle Rodríguez, Maya Rudolph, Snoop Dogg y Samuel L. Jackson. Veamos si ellos pueden hacer un mejor trabajo que Cars y Cars 2 de Pixar ya que necesitaran más que los nombres para establecer un mega-éxito considerando que es un género difícil de vender.

Cuidado Crepúsculo, no eres la única novela exitosamente taquillera en pantalla ya que Los Juegos del Hambre vendieron todos sus boletos para la función de estreno en marzo 23. De hecho rompió el record de La Saga de Crepúsculo: Eclipse de Mayo 14,2010. Y ello le tomó menos de 24 horas. Impresionante y dado los avances, una trilogía es casi una garantía.

El hijo de John McClane es nada menos que Jai Courtney. Interesantemente le ganó a Liam Hemsworth quien próximamente obtendrá reconocimiento en Los Juegos del Hambre. Tal parece su papel al lado de Bruce Willis será épico porque trabajaran juntos en Moscú con el motivo de sobrevivir como suelen trata la franquicia Duro de Matar.

Para quienes no tuvieron oportunidad de verla, Misión Imposible: Protocolo Fantasma llegará a la venta y renta en DVD + Blu-ray en abril 17 de 2012. Habrá tres versiones y cada una de ellas contendrá documentales durante su filmación. Sin duda será un título a venderse tras recaudar $ 670 millones mundialmente. Hasta la fecha, la mejor de la franquicia incluyendo la recepción.

Fuentes:

www.boxofficemojo.com

www.the-numbers.com 

www.ign.com

Crítica de La Dama de Negro (The Woman In Black)

El joven notario Arthur Kipps es enviado a la casa Eel Marsh donde requiere de un documento específico para resolver el estado de la difunta Alice Drablow. Debido a la crisis económica en que se encuentra, decide realizar el trabajo dejando temporalmente a su hijo de cuatro años con la niñera ya que su esposa no se encuentra con vida. Una vez llegando al pueblo, descubrirá que el terror, la superstición y la desdicha están presentes en cada rincón por la maldición de la Dama de Negro.

Por lo visto el horror tradicional está regresando a los cines considerando que Prometheus viene en camino. Para variar de las escenas grotescas, los baños de sangres, cuerpos mutilados y palabras vulgares, esta leyenda inglesa entrega una inmersa oleada de sustos basados en la diversidad de su contexto y su edición de sonido. No obstante, no se descartan sus efectos especiales ya que son de tremenda calidad por su alto grado de impacto que ocasiona en nuestras mentes y hasta corazón.

En primera instancia se trata de un guion sencillo pero efectivo; milagrosamente se desvía de la ley del horror y adopta por mostrarnos los antecedentes. Es una historia conmovedora por las circunstancias en que se encuentran tanto el protagonista como la antagonista. Inclusive los personajes de reparto contribuyen emocionalmente y en tragedia. Concentrarse en un solo individuo, es tarea difícil porque este personaje debe servir de modelo de identificación o debe poseer una caracterización de alto interés. Afortunadamente, Jane Goldman supo adaptarlo gracias a su conocimiento de la novela de Susan Hill.

Para quienes leyeron a la autora, se asegura que el tema coincide en algunos elementos mas su fuente es de inspiración. Honestamente esta versión conforma un excelente material que a los seguidores del género les sugestionará no sólo por su inquietante trama y desarrollo del suspenso, sino por su transición correcta a los distintos planos referidos en la cinematografía, arte, edición general, música, actuaciones y dirección.

La filmación principal en las afueras de Peterborough y en Layer Marney Tower, desprenden esa atmosfera intranquila necesaria para ponernos lo suficientemente nerviosos para dar el salto. El pueblo da miedo de sólo verlo y el mar cubriendo el camino hacia la mansión de Eel Marsh es fascinante. Obviamente es película porque nadie se atrevería a ir solo y menos si corres el riesgo de quedarte atrapado o morir ahogado por un tsunami. Visualmente impresionante, no cabe duda.

La dirección de arte es un triunfo en relación a los contornos de la mansión; estamos hablando de infinidades de detalles ilustrados en cada muro, pared, techo, sillas, velas, cuartos y compartimentos. Lo más interesante es que cada cuarto se va conociendo uno por uno conforme avanza la exploración del inquilino. Cada uno conserva su esencia y lleva consigo un simbolismo. Como breve mención, los vestuarios son una correcta adición de la época representada.

Quizás y unos de sus mejores aspectos yace en la edición: con ello resumo que el sonido cumple su propósito de sacarnos terrible sustos. Hasta el mismo silencio tensa en algunas escenas. La puntuación es la clave como su infinita duración. Añadiendo la composición musical y estoy seguro que llegas a sentir un dolor en el pecho porque estos elementos en conjunto conforman una fuerte catarsis que pocas de su género pueden lograr. Es indiscutible notar que existió mucha creatividad y dedicación este departamento porque supieron hacer las cosas bien.

Existía un gran riesgo en Daniel Radclifffe considerando que su currículo se resume en las ocho producciones de Harry Potter. Enhorabuena su aspecto físico es más maduro y parece mostrar buena presencia para habérsela aventado casi solo. Dudaba de su potencial en su futuro, pero si dominó este atormentado personaje, yo pienso que es capaz de interpretar toda clase de hombre. Escuché que antes de filmar, tomó sesiones con una psicóloga con el propósito de comprender a su personaje, y de hecho, es un reflejo notorio especialmente en sus gestos. Radcliffe comprende y se deja llevar por los sustos, por ello no nos separamos de él, sino nos quedamos a su lado hasta el final.

Entre otros del reparto cabe destacar a Ciarán Hinds, Janet McTeer, Sophie Stuckey, Liz White y Misha Handley. Ha de haber sido extraño no trabajar con sus amigos, pero ha de haber sido más inusual trabajar en momentos solos en la oscuridad. A pesar de su limitada involucración con el exterior, el reparto cumple con los requisitos de la atmosfera.

Es obvio que el director James Watkins mantiene una dinámica comprensión y respeto hacia el material. Se requiere mucho cuidado al enfocarse a lo sobrenatural. Existen segmentos prolongados de tensión que nos hacen desear su conclusión porque de plano sentimos haber tenido suficiente. El sufrimiento y el miedo van a la par conforme se avanza la trama y este modo es considerado una habilidad para Watkins quien al final de cuentas no necesitó del formato 3D como tenía considerado en un inicio.

Una vez vista, no se puede sentir nostalgia por el final, en cierto modo es lógico pero ello ocasiona un tropezón en los sentimientos. Se siente ese esfuerzo invertido esfumarse así nomás. He hecho se conserva la leyenda pero se pierde la catarsis. Probablemente otra clase de hecho hubiera sellado su destino pero mientras tanto podemos conformarnos con esta entretenida obra artística de suspenso.

Crítica de Contrabando (Contraband)

Chris Farraday es un ex contrabandista que actualmente trabaja como instalador de alarmas privadas y vive tranquilamente con su esposa Kate y sus dos hijos en Nueva Orleans. Desafortunadamente su cuñado se mete en serios problemas durante un contrabando, poniendo en peligro no sólo a él sino a toda su familia. Sin poseer otra alternativa, Farraday decide arreglar la cuenta inmiscuyéndose de nuevo en este mundo oscuro.

En sí la historia se desenvuelve a paso veloz, repleto de cambios y saturado de información. Una sola distracción y podrías descarrilarte ya que en cierto modo su ejecución está sujeta a confusión, pero descuiden, son cuestiones básicas al final de cuentas. Existe cierta brutalidad en las escenas de peleas y los diálogos tienden a ser vulgarmente repetitivos. Es disfrutable y divertida en momentos específicos, aunque mayormente es tensa por las circunstancias en que se encuentran los integrantes.

Me hubiera gustado una puntuación en el guion, es decir, se basa en la acción cuando había espacio para añadir un buen desarrollo de personajes. Asimismo se podría haber reducido ciertas secuencias para una mejor profundidad. Sinceramente es un estilo arriesgado que funcionó en cartelera por la buena publicidad. De lo contrario no sería actualmente un éxito moderado. Cabe destacar que cuando se trata de material nuevo, siempre se le recibe con anticipación.

Baltasar Kormákur introduce una dirección poco desordenada para mi gusto; los encuadres son borrosos por la agites en las tomas y como consecuencia no se pueden saborear los pequeños detalles. Sin embargo, intenta adoptar el estilo de Tony Scott pero todavía le hace falta más experiencia para generar ese impacto limpio y conmovedor. Curiosamente hay buena tensión pero por sus aspectos técnicos porque desde los actorales, he aquí su verdadero desafío. Tengo fe de que el director hallará una manera en un futuro no distante.

Debido a un guion concentrado primeramente en la velocidad de la acción y los cambios constantes de sus entornos, no se puede evitar sentir un aire de superficialidad en el reparto. Los villanos no son tomados en serio porque están escritos de un modo débil. El protagonista realmente no se luce como debería y la mayoría de las escenas recae en la violencia que en ocasiones se muestra exagerada. Más ello no significa que haya excepciones.

Mark Walhberg es estable pero no memorable, de hecho encuentro su intervención un poco inferior a The Italian Job y Los Infiltrados. Obviamente se detecta su inspiración en la creación de los robos perfectos y esparcir esa comedia con su expresión directa, pero lamentablemente es una combinación bastante reducida. En su lugar, debo señalar a Ben Foster como el verdadero protagonista ya que nos presenta a un personaje completamente desarrollado gracias a que sus únicas escenas son exclusivas del género drama.

Kate Beckinsale nos deja deseando ver más pero ni modo así es su papel. Enhorabuena contribuye con dos maniobras evasivas y un segmento intenso, lo cual se conforma como la esencia del suspenso. Añadiendo a su belleza: su cabello rubio le sienta bien. Por otra parte, Giovanni Ribishi compensa su credibilidad como mafioso con su brutalidad física. En cierto modo se justifica y merece atención. Brevemente Diego Luna hace una aparición pero presiento que una ligera extensión no hubiera causado daño.

La localización en Nueva Orleans sirvió de perfecto contexto para toda la situación. Inclusive la ciudad de Panamá contribuyó mucho a la persecución. No podría llamársele genérica pero es inquietante notar que la edición intenta compensar mucho la falta de un desarrollo temático. Sin duda fue un gran riesgo sacarla al mercado, pero funcionó y a su propia manera. A diferencia de otras, esta ha sido la excepción con $ 65 millones de dólares en los Estados Unidos.

En conclusión, es una obra inmersa de adrenalina. Desde principio a fin va a exceso de velocidad y llevándose a cada obstáculo que está en su camino. En momentos se siente irreal, el sufrimiento es imparable y el suspenso se pierde con los giros eternos en las circunstancias. El detalle fue la ausencia de un freno porque para comprender y engancharse con el conductor, es necesaria la inserción de una pausa. Sin más por agregar, Contrabando es puro entretenimiento.

Lo Más Taquillero del Género: Caballos

Este género no tiende a crear tanta sensación como los vampiros, deportes o las biografías. Quizás y un caballo en el papel protagónico ocasioné cierta distancia al momento de atender la cartelera. Sin embargo, pocas han sido la excepción. Afortunadamente los estudios manejan un presupuesto bajo y por ende terminan generando ganancias y reconocimiento popular como lo han hecho las siguientes producciones:

1) Seabiscuit

Nominada a siete premios de la Academia por: Mejor Película, Guion Adaptado, Dirección de Arte, Cinematografía, Vestuario, Edición y Sonido. Es desafortunado el fracaso en todas estas categorías; en lo respecto a mí, El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey fue sobrevalorado. Sin importar lo anterior, la buena trama en conjunto con Jeff Bridges, Chris Cooper, Elizabeth Banks, William H. Macy y Tobey McGuire (quien recientemente había adquirido popularidad como el Hombre Araña), convirtieron esta adaptación en la primera película de su género en alcanzar los $ 120.2 millones en los Estados Unidos. Desde el 2003, ninguna otra ha podido competir a su nivel. A pesar de haberse alterado algunos hechos, sigue conservando esa poderosa emoción por su contexto en la gran depresión.

2) Caballo de Guerra (War Horse)

Desde la guerra en Irak, se vuelto complicado la venta de producciones relacionados con este estrago. Al menos que poseas a un superhéroe involucrado como el Capitán América para alcanzar dichosas alturas. Por fortuna, Steven Spielberg es el maestro de las dramas situadas en guerra, considerando los mega-éxitos de Rescatando al Soldado Ryan y La Lista de Schindler. Por este motivo radica en $ 78.6 millones en los Estados Unidos y $ 126.3 millones globalmente. Además compite en seis categorías de la Academia: Mejor Película, Dirección de Arte, Cinematografía, Música, Edición de Sonido y Mezcla de Sonido. Cada una de estas justificadas aunque hizo falta alguna actuación de reparto y por supuesto la dirección de Spielberg. Es curioso notar la ausencia de esta participación, es cómo si la Academia no apreciará el esfuerzo invertido en los animales.

3) El Señor de los Caballos (The Horse Whisperer)

Basada en la novela de Nicholas Evans, Robert Redford posee un gran talento para adiestrar a los caballos. Después de un trágico accidente, es contratado para ayudarle al caballo de una adolescente (Scarlett Johansson). En 1998 se convirtió en un triunfo al concluir con $ 75.3 millones en los Estados Unidos y ascender a $ 186.8 millones mundialmente. En la nominación a la Canción original, fue derrotado por El Príncipe de Egipto. Hubo algunas controversias sobre la psicología y los métodos de entrenamiento aunque hoy en día varias películas o programas de TV siguen dándole uso a la palabra Susurrador.

4) Espíritu (Spirit: Stallion of the Cimarron)

La caricatura producida y narrada por Matt Damon tuvo el honor de participar en la categoría a la Mejor Animación de 2002. Debido a los estrenos de El Hombre Araña y Star Wars: El Ataque de los Clones, su debut fue de $ 17 millones. No obstante mostró resistencia en las siguientes semanas hasta posicionarse como un éxito moderado de $ 73.2 millones domésticamente y $ 122 millones mundialmente. Es una aventura entretenida y con mensaje, pero honestamente no se compara con la esencia transmitida de los personajes y animales en vida.

5) Hidalgo

Después de que El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey se robará las 13 estatuillas e hiciera un billón de dólares mundialmente, muchos analistas y productores anticipaban que Viggo Mortenson lograría la mitad de esta cifra impresionante. La respuesta sólo fue amarga para todos los involucrados. La historia requirió más profundidad y la aventura fue decente, pero no se puede evitar sentirse el efecto genérico. Domésticamente se esfumó con $ 67.3 millones y mundialmente generó $ 108 millones. Considerando su presupuesto de $ 100 millones, yo diría que algunas cuentas no se saldaron.

Como menciones especiales: Diane Lane y John Malkovich protagonizaron el vigorizante drama de Secretariat la cual obtuvo un total decente de $ 59.7 millones. En cierto modo su interés fallido se debió a que su mercadotecnia se concentró arduamente en compararla con Un Sueño Posible. Por otra parte, Soñadora (Dreamer) sólo consiguió $ $ 32.7 millones. Esto es una lástima ya que Kurt Russell y Dakota Fanning le metieron muchas ganas.

Crítica de Caballo de Guerra (War Horse)

Posteriormente de ver esta película, me sorprendió la ausencia en la nominación a Mejor Director en los Oscares e inclusive ¿por qué en las entregas pasadas no recibió premiaciones en sus diversas categorías? Bien se sabe que Spielberg es dos veces ganador de este prestigioso premio gracias a La Lista de Schindler y Rescatando al Soldado Ryan, pero no es excusa puesto que este drama resultó una obra maestra contada desde la perspectiva de un caballo y sus diferentes encargados.

Es cierto que algunos críticos dirán que no es la gran cosa, seguramente no son amantes del género o desprecian la sola idea de que un animal no pueda hacerse cargo de un papel protagónico. De hecho lo hacen todo el tiempo, y con ello me refiero a un crítico en especial que debería informarse primeramente antes de salir a cuadro a arruinar la esencia de películas, sobretodo de estas en especial.

La historia abarca un promedio de 2 horas 15 minutos de los cuales lo valen. No se trata de un guion difícil de seguir, es cuestión de dejarse llevar por el ritmo del caballo y en su proceso, sorprenderse. Lo fascinante está en la interacción de los distintos personajes dentro del contexto de la Primera Guerra Mundial. A pesar de tratarse de participaciones limitadas, el desarrollo es bastante completo.

La introducción cumple su propósito de engancharnos y de ahí en adelante, es imposible no conmoverse por la crueldad no sólo hacia estos caballos de guerra sino también hacia los humanos. La inocencia y los buenos actos están marcados del mismo modo que la negligencia y lo autoritario. Así que da mucho de qué hablar en estás sensitiva área contrastante. Curiosamente la estructura está determinada en bloques cuyo cierre se da con una transición a negros que dura unos cuantos segundos. Este modelo adoptado sirve para relajarnos y prepararnos hacia la siguiente fase.

Casi a nadie le gusta la guerra, mas la autodestrucción esta dentro de nuestra naturaleza humana. Es lo que somos, es lo que nos complementa aunque también contamos con el respeto hacia la vida. Muchos tachan a los alemanes como personas frías, crueles y capaces de actividades inhumanas; concuerdo en que esas eran sus doctrinas, pero no todos los soldados las cumplían. Claramente tengo en mente la novela de Sin Novedad en el Frente por Erich María Remarque que narra su travesía en el frente alemán y como todo ser humano, su deseo era la conclusión de la guerra.

Ingeniosamente detecto elementos de La Conquista del Honor y Cartas desde Iwo Jima, fundamentalmente en las escenas donde dos enemigos se ayudan con la finalidad de hacer un bien. Es interesante la desconfianza, la tranquilidad y el humor que se da. Una línea trazada en la mente de los hombres porque sus líderes no pudieron coexistir. Ahora la adición del caballo le da una frescura al género desviando la emotividad entorno a él en lugar de mostrar la clásica crueldad en las batallas. Afortunadamente este material es limpio e inocente, por tanto familias con niños pueden formar parte de esta experiencia sin riesgo alguno.

Enfocándonos a los hechos, la venta de caballos como su uso en la guerra conforman material verídico. Los suertudos cargaban las carrozas de los heridos mientras que los pocos suertudos, morían cargando las armas u otros vehículos. El novelista Michael Morpungo se inspiró al ver la relación cercana entre un joven granjero y su caballo y por ende a través de anécdotas ideó esta gran aventura adaptada espléndidamente por Richard Curtis y Lee Hall. Morpungo debe sentirse orgullo que su obra esté nominada al Oscar por Mejor Película.

El joven Jeremy Irvine carga un buen peso visual porque de él y del caballo depende nuestro enganche emocional. Su relación es tan natural y en cierto modo, se sufre por esta conexión. Por más predecible que se diga ser, sigue siendo sólo una corazonada ya que el destino lo rige el suspenso de estos verdaderos protagonistas. Otra de las mejores escenas se lleva a cabo entre Emily Watson y Peter Mullan, sus diálogos suelen ser cómicos por sus comportamientos al igual que Niels Arestrup y Celine Buckens. No obstante, la tensión es tan evidente. Cabe destacar a Tom Hiddleston, David Thewlis y al resto del reparto.

Una de las mejores secuencias de efectos especiales se da cuando el caballo empieza a correr por los campos de batalla hasta ser detenido abruptamente por el peor accidente que podría sucederle a un animal. Visualmente es impresionante ver las explosiones, los soldados combatiendo el terreno marchitado y el gran cielo gris. Yo antes suponía a La Invención de Hugo Cabret como la segura favorita, pero ahora no descarto las posibilidades de Caballo de Guerra en este departamento.

Obviamente si un elemento está bien, el resto le sigue el curso y es por ello que la edición de sonido junto con la mezcla son componentes de profundad calidad. Sí de por sí la melodía temática de John Williams es grandiosamente desgarradora, ahora en conjunto con las actuaciones y recorridos cinematográficos del caballo, es indudablemente el perfecto modelo a inspirarse cuando se trata de establecer una ambientación correcta.

Tantas localizaciones son mostradas a cuadro de la forma más bella. La granja en Devon Inglaterra no será tan atractiva al principio pero no se puede evitar sentirse un aire artístico por la sencillez en los encuadres directos. Algunas localidades de Francia están presentes aunque no se especifican ya que son sugeridas dentro de ese periodo de cuatro años que duró la guerra.

El director Steven Spielberg no es extraño de este género y de nueva cuenta demuestra su dominio al emplear su estilo personal acompañado de elementos reforzados que conforme va avanzando la trama, se refuerzan las temáticas y a la vez se nos incrustan en nuestros sentimientos experimentando el mismo dolor y sufrimiento del caballo y demás personajes. Contextualmente es enriquecedora e histórica, no tan brutal en el sentido explicito pero en el emotivo, hasta los corazones fríos se pondrán a prueba.

En conclusión, Spielberg sabe como contar una historia y por ende este drama histórico debe verse por su gran corazón impregnado en un terrible pasado.

Hablemos de Cine

En el panorama internacional, Viaje 2: La Isla Misteriosa fácilmente obtuvo el primer lugar al ingresar con $ 30 millones de dólares gracias a su expansión hacia los 30 mercados. En total ha recaudado $ 79.2 millones mostrando una ventaja del 79% sobre su antecesora. Sin duda Dwayne Johnson se encuentra en una buena racha. En segundo lugar debutó Star Wars Episodio I: La Amenaza Fantasma con $ 20.5 millones. De igual forma se considera una cifra estable para tratarse de un restreno en 3D. En total ha recaudado $ 968 millones mundialmente colocándose en la posición 12 de las películas más taquilleras mundialmente. Cediendo de nueva cuenta su dominio, Misión Imposible: Protocolo Fantasma desciende a tercer lugar reuniendo $ 11.8 millones para un gloriosa suma de $ 446.9 millones. Globalmente sobresale con $ 653 millones y no me sorprendería verla concluir cerca de los $ 700 millones. Por otra parte, Votos de Amor se estrenó en cuarto lugar con $ 10.3 millones mientras su competencia Protegiendo al Enemigo se conformó en quinto con $ 10.1 millones. Entre otras menciones: Inframundo: El Despertar ascendió a $ 70 millones, La Chica del Dragón Tatuado cruzó los $ 110 millones, Los Descendientes muestran su presencia con $ 57.1 millones y La Dama de Negro debutó con $ 7.5 millones en tan sólo siete mercados.

Inesperadamente, la secuela de Viaje al Centro de la Tierra continúo en primer lugar con $ 2 millones en la Taquilla de México. Ninguno de los tres nuevos estrenos pudo sacarla de sus casillas. En dos semanas ha demostrado su potencial con $ 6.8 millones de dólares. En segundo lugar, La Dama de Negro sorprendió con $ 1.8 millones. Star Wars: La Amenaza Fantasma causó interés con $ 941 mil mientras Votos de Amor escaseó con $ 684 mil. Cabe destacar que Inframundo: El Despertar lleva una suma espléndida de $ 6 millones en tres semanas.

Las ventas de los DVDs siguieron declinando debido a que el nuevo estreno Treasure Budies sólo vendió 381 mil unidades equivalentes a $ 6.4 millones de dólares. Muy cercano se encontró Drive: El Escape el cual condujo 313 mil unidades sinónimo de $ 4.8 millones en ganancias. Gigantes de Acero se desplazaron a tercero con 264 mil unidades para una venta total de 961 mil con valor de $ 17.4 millones de dólares.

El Blu-ray contó con más vida porque Drive: El Escape demostró más popularidad con 419 mil unidades de alta definición que representaron $ 8.3 millones de dólares. Nada mal para una película que no recibió el reconocimiento de la Academia. En segunda posición, El Precio del Mañana fue decente con 306 mil unidades equivalentes a $ 6.1 millones de dólares. Regresando al tercer lugar, Transformers: El Lado Oscuro de la Luna distribuyó 190 mil unidades para un total de 3.1 millones con valor monetario de $ 68 millones.

Las noticias relevantes de la semana son:

El director de Imparable, Tony Scott, tiene en mente un nuevo filme de acción basado en la historia de un agente de la DEA quien se asocia con un narcotraficante para tumbar a un cartel de droga. Sorpresivamente Vince Vaughn se encuentra en pláticas para protagonizar, en cierto modo, es una perfecta movida para su carrera. Si todo sale acorde al plan, 20th Century Fox financiará Lucky Strike con un presupuesto de $ 80 millones.

Es oficial, Peter Jackson dirigirá Las Aventuras de Tintin 2 en cuanto termine su trabajo en las precuelas de The Hobbit. Steven Spielberg reveló que el plan consistía en que el mismo dirigiría la primera mientras Jackson se encargaría de la segunda la cual se desconoce en que libro estará basado. No habrá sido el gran éxito comercial en los Estados Unidos pero internacionalmente podría tratarse de una fuerte franquicia.

Jonathan Liebesman, el director notable detrás de Furia de Titanes 2, La Masacre de Texas y Batalla: Los Ángeles, está en negociaciones para hacerse cargo del nuevo reinicio de la Tortugas Ninjas. La producción será en conjunto con la compañía de Michael Bay y no se tratará de otra animación sino de una película en vivo.

Otro videojuego recibirá el tratamiento en el cine y se trata Twisted Metal. La trama se mantendrá fiel a su material el cual consiste en eventos subterráneos donde un grupo de combatientes (conductores) apuestan sus vidas en un juego hasta la muerte. Esto suena interesante y sin duda tiene potencial si se decide el formato 3D. Aunque se necesitará de buena mercadotecnia y efectos especiales para romper la maldición en la taquilla.

Nunca digas nunca… el productor Lorenzo di Bonaventura confirmó Transformers 4 bajo la dirección de nada menos que Michael Bay. A ver si Shia Labeuf también cambia de opinión tras asegurar que tanto como el director no regresarían para otra aventura. Es una movida lógica considerando el billón de dólares que consiguió El Lado Oscuro de la Luna pero aun así es un gran riesgo.

Angelina Jolie confirmó que su siguiente trabajo actoral consistirá en la interpretación de la villana de La Bella Durmiente en un nuevo estilo y enfoque por el director Robert Stromberg reconocido por su diseño de producción en Avatar y Alicia en el País de las Maravillas. Maleficiente entrará a filmarse próximamente por lo que quizás la tengamos para el verano de 2013.

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Crítica de Star Wars: Episodio I: La Amenaza Fantasma en 4DX (SW: The Phantom Menace 3D)

¿Cuántas veces no he hablado de Star Wars? Es más ¿Cuántas veces la he visto en los cines y en mi reproductor DVD? Han de ser miles, las únicas respuestas que tengo entorno al Episodio I es que cuatro veces fueron las veces que fui al cine durante el verano de 1999 y una vez en Blu-ray. Orgullosamente le sumó más uno a las idas, mas como verdadero fanático de esta espectacular saga no podía conformarme solamente con el formato 3D, así que decidí darme la oportunidad de volverla a experimentar pero en 4DX.

Esta crítica adoptará un modelo de crónica con algunas reflexiones puesto que anteriormente ya analicé su contexto e importancia en las entradas dedicadas a revisar su conversión en alta definición, en palabras más simples, me refiero a su Blu-ray Review que publiqué en septiembre 2011. De hecho cabe señalar que desde esa vez no he vuelto a ver este episodio hasta ahora. El tratamiento del guion lo veré de este modo, lo defiendo porque es coherente al lado de las buenas actuaciones de este ya estelar elenco. Todo encaja perfectamente dentro de la saga y sirve de introducción a este gran e innovador universo que George Lucas nos compartió.

La conversión 3D es impresionante, Star Wars nunca se ha visto mejor en la pantalla grande como ahora. La nitidez en la imagen es de alta definición al igual que los tonos y las cinematografías detalladas. Sin duda localizas detalles que no habías notados en las otras versiones, incluyendo la de 1999. Es cierto que no está enteramente presente este formato debido a que es una película con contenido dramático, pero las secuencias de acción son espectacularmente gloriosas y luego más con la disposición del 4DX.

Pagar extra para ingresar a la sala 4DX suele ocasionar un dolor en el codo, pero créanme cuando lo digo que lo vale. El movimiento con los paneos es ingenioso y realmente nos hace meternos dentro de la película. El efecto de las sables de luz es suave y ni hablar de las batallas en el espacio. Eso sí, la secuencia de la carrera de pod es el verdadero resalte de las dos horas porque tenemos el viento y el movimiento del asiento en su máxima capacidad. No bromeo, es un desprender de adrenalina que en ese momento sabes que estas formando de una aventura totalmente especial e inigualable. Casi es como si estuviera en uno de los juegos de Universal Studios o Disney, la diferencia es que aquí obtiene mucho más que un paseo de tres o cinco minutos.

Entre otro aspecto a destacar es que te diviertes como no tienes una idea y más si nunca has ido a esta clase de función. Con o sin haberla visto, no podrás evitar reírte de las distintas sensaciones que te otorgan la silla y el ambiente. Me encuentro hablando desde el viento frío de los abanicos hasta los ligeros golpes y soplones de aire repentinos. Desde tu asiento puedes observar como brincan algunas personas, como se quejan de los sustos ocasionados por efectos ocultos en el asiento o incluso no puede faltar uno que se vaya de paso al agacharse cuando el asiento por efecto de computadora se declina. Como lo dije anteriormente, este cariñoso y épico recorrido vale la pena experimentarse.

Por último debo reflexionar que tenía 12 años cuando vi por primera La Amenaza Fantasma y en ese entonces me emocioné tanto que mis nervios se mantuvieron a flote debido a la larga espera del siguiente episodio, motivo curioso que tendré que volver a experimentar con la conversión del Ataque de los Clones. Por fortuna esta vez será de sólo un año, eso espero. Me sorprendió mucho ver en el cine a familias, jóvenes y niños tan tranquilos y atentos. No esperaba mucha audiencia y menos a la hora que acudí. Sin duda, Star Wars todavía sigue conservando su fuerza bien presente.

 

No lo negaré, la emoción que sentí hace 13 años en esta ocasión se triplicó como nunca me lo hubiera esperado. Es una experiencia que no puedes dejar pasar a pesar de haberla vista. En caso de no tener ni la menor idea, estás por llevarte una gran sorpresa.

Franquicia Inframundo (Underworld)

Consiste en cuatro películas concentradas en la guerra entre los vampiros y los Lycans (hombres-lobos) a través de diversos contextos. Cada una de estas producciones se ha estrenado entre un espacio de 3 años (2003-2012) y en total ha conseguido una espléndida recaudación de $ 298.3 millones de dólares a nivel global.

Inframundo narra la historia de Selene (Kate Beckinsale), una cazadora de lobos, cuyo oficio inició al momento de descubrir que estos seres masacraron a su familia. Durante uno de sus recorridos, descubre que los lycans andan detrás de Michael Corvin, un hombre sencillo a simple vista. Tras investigar el caso y dejarse llevar por los sucesos alusivos, descubre que las cosas no son lo que parecen.

La recepción ha sido generalmente negativa entre los críticos debido a su vacío en el desarrollo de personajes, pero algunos de sus elementos góticos en su cinematografía y vestuarios han sido aclamados como la adrenalina y suspenso en la visualización. Tampoco se descarta el posicionamiento de una heroína como el contexto histórico que rodea a ambas especies.

En su disponibilidad en cartelera, existió una controversia legal debido a que el estilo y la ejecución eran similares a dos obras novelísticas de la escritora Nancy A. Collins de White Wolf Inc. Se desconoce el factor conclusivo ya que el caso quedó confidencial. Probablemente hayan llegado a un buen acuerdo.

Debido a que la primera parte consiguió $ 50 millones de dólares en los Estados Unidos y $ 95 millones mundiales, se optó por realizarse una secuela ya que se había adquirido ganancias por su presupuesto bajo de $ 20 millones. Inframundo: La Evolución comienza exactamente donde termina la anterior y se concentra nuevamente en Selene cuyo objetivo consiste en detener a Marcus, el último de los ancianos quien va a buscar a su hermano encarcelado.

La primera secuencia es una de las más épicas por tratarse de la lucha de Viktor, Amelia y Marcus contra la amenaza de William. Nos damos una idea clara de las intenciones de los personajes, comprendemos el origen de esta mitología y a la vez le da un buen giro a la situación actual. Como siempre, Kate Beckinsale continúa magnifica mientras que Scott Speedman contribuye más en la acción.

Las críticas sólo disminuyeron de calibre por su concentración en el color azul, para algunos resultó una obra artística y más personal mientras para otros, cayeron en la confusión. Sin importar lo anterior, superó a la original con $ 62.3 millones de dólares en los Estados Unidos y $ 111.3 millones globalmente.

En ese tiempo, el director Len Wiseman explicó que la franquicia Inframundo estaba originalmente concebida como una trilogía, pero ello dependería de su éxito comercial. Por esta razón Inframundo: La Rebelión de los Lycans recibió luz verde y lo curioso de todo, se trataba de una precuela basada principalmente en la creación de los Lycans y el origen de la guerra. Además se detallaría la relación entre Lucian y Sonja, la hija de Viktor.

Por ese motivo, Bill Nighy y Michael Sheen regresaron a sus respectivos papeles mientras Kate Beckinsale sólo hace un cameo en base de material filmado. Debido a que era mucho antes de su conversión. Hubiera sido entretenido haber visto más de ese periodo porque ya teníamos una clara noción de los eventos sucedidos. No obstante, las secuencias de acción y el contexto son el resalte principal.

En esta ocasión, Wiseman prefirió concentrarse en el guion junto con Danny McBride y en su lugar, Patrick Tatopoulos se encargo de la dirección. Esto con la intención de darle otro estilo y diseño visual a la franquicia. Las localizaciones seleccionadas fueron Nueva Zelanda, Carolina del Norte y el Parque Nacional de Yosemite.

Las críticas favorecieron a Michael Sheen y Bill Nighy; en cuanto al resto, siguieron un poco por debajo de la media. Desafortunadamente la taquilla doméstica disminuyó a $ 45.8 millones y $ 91 millones mundialmente. La excusa utilizada fue la ausencia de Kate Beckinsale ya que Rhona Mitra no logró cubrir su lugar. Por otra parte, ha vendido 2.2 millones de DVDs proporcionales a $ 43.4 millones de dólares.

Finalmente hemos llegado a Inframundo: El Despertar, situada 12 años después de Evolución. Contamos con una brutal introducción realizada por el retorno de Kate Beckinsale en su papel de Selene. De ahí los aspectos se vuelven más tecnológicos pero lo artístico se mantiene a flote. En cuanto a Scott Speedman, el actor no regresó y en su lugar fue colocado por animación por computadora y un doble. Uno de los productores aseguró que si existe una quinta entrega, probablemente Speedman retomaría el papel de Michael.

Por primera vez se filmó con cámara digital en 3D y aun así recibió malas críticas. Hoy en día ha conseguido $ 58 millones en los Estados Unidos y se anticipa se convierta en la más taquillera de la franquicia a pesar de tratarse una ligera ventaja. Mundialmente superó a la segunda con $ 112 millones. El anuncio de una secuela no debe estar lejos de suceder. Entretanto, esta es una franquicia estable gracias a sus seguidores quienes han estado recomendado la versión 3D.

Franquicia Star Wars: Detrás de La Amenaza Fantasma

Hace 13 años llegó en los cines Star Wars: Episodio I: La Amenaza Fantasma, el episodio que narra el origen de toda una mitología. Como era de esperarse, la reacción fue mixta debido a la apreciación de los nuevos reclutas y el rechazo de los veteranos. En cuestiones de cronología nos encontramos frente a la cuarta producción la cual recaudó unos impactantes $ 924.3 millones de dólares globalmente. Con su retorno en salas 3D y 4DX en algunas partes, podría finalmente cruzar el billón de dólares y a la vez recuperar su título de la franquicia más taquillera ya que Harry Potter lo posee desde hace un par de meses.

Toda saga tiene un inicio y por esa razón, comenzaremos con una breve retrospección de su proceso de producción. En 1974, George Lucas se dio cuenta que la historia era demasiado grande para caber en una sola película, por lo que se concentró en dividir e guion dando como resultado el episodio IV, en otras palabras, la primera parte de la segunda trilogía. Fue en El Imperio Contrataca donde Lucas decidió escribir una retrospección sobre la identidad de Anakin Skywalker y lo mantuvo resguardado debido a que se sentía exhausto tras concluir con El Retorno del Jedi.

Posteriormente perdió mucha de su fortuna en su divorcio de 1987 y por ende canceló su planeadas precuelas. Al descubrir que la saga todavía conservaba interés con el estreno de un comic de la serie Dark Horse, decidió concentrarse en la travesía de Anakin Skywalker que abarcaba desde su niñez hasta su caída en el lado oscuro de la fuerza. Oficialmente inició a elaborar el guion por noviembre de 1994. Para ello se apoyó con las 15 páginas que había escrito en 1976 que describían los eventos de aquél terrible pasado.

El Comienzo era el título con el que se le describía a esta mega-producción, eventualmente cambió a La Amenaza Fantasma haciendo referencia a Palpatine, el Sith Lord más poderoso de la Galaxia. Cuatro meses después, el equipo de Doug Chiang comenzó a revisar los miles de diseños disponibles mientras que Nick Gillard fue contratado para idear nuevas batallas con las sables de luz. Debido a la gran variedad de armas, Ewan McGregor y Liam Nelson fueron instruidos en diversas técnicas y estilos de combate. Lucas decidió mostrar a los jedi como negociadores de paz en lugar de soldados de guerra. Asimismo decidió darle más color a los vestuarios debido a que era una sociedad más sofisticada a la decadente en la trilogía clásica.

Para lo anterior, la diseñadora Trisha Biggar y su personal crearon más de mil atuendos inspirándose en diversas culturas alrededor del mundo. Estando el material en orden, la filmación tuvo lugar el 26 de junio de 1997. Las localizaciones fueron en Leavesden Film Studios en Inglaterra, el desierto de Tunisian y el Palacio Caserta. La grabación en el desierto de Tozeur fue interrumpida debido a una inesperada tormenta de arena. Aun así, lograron concluir en el exacto día planeado gracias a que todos los involucrados ayudaron a reparar el daño.

Los efectos especiales de nueva cuenta aumentaron de innovación debido a que nos es difícil identificar cuáles fueron los métodos aplicados o si se trató de animación por computadora o por cámara. El supervisor John Knoll lo tomó como una tarea imposible pero al final de cuenta, Lucasfilm logró posicionar el CGI. Esa misma tecnología que James Cameron presume haber inventado con Avatar. El Episodio I cuenta con 1,950 tomas que utilizaron efectos especiales, sólo la escena con la cámara de gas es la única que no recibió alteración digital. Esta vez las compañías de Industrial Light & Magic y el Departamento Británico de Efectos Especiales, contribuyeron en la creación de la unidades R2D2. Nueve fueron los modelos proporcionados: una para el actor Kenny Baker, siete con un motor capaz de cargar 440 libras de peso y uno con la capacidad de trasladarse en el desierto. La búsqueda de los Pods se dio en un basurero en las afuera de Phoenix. Adicionalmente se armaron varias turbinas para servir de apoyo en la creación de la carrera.

John Williams no pudo resistirse y se involucró con la música dándole un modo más clásico, religioso y menos militar comparado con las clásicas. Su canción Duel of Fates se convirtió en un éxito instantáneo que consiguió su propio video musical. El empleo de coro le dio más emoción, misterio y magia. La melodía de Anakin es básicamente inocente pero en el fondo hay notas de la marcha imperial como un sello de su trágico destino.

Se dice que en su fecha de estreno, alrededor de 2.2 millones de empleados faltaron a su trabajo y eso sin mencionar la gran multitud que acampó. La pérdida en producción se calculó de $ 293 millones de dólares. En la estrategia de promoción, Lucasfilm gastó $ 20 millones en propaganda y publicidad. Además hizo un convenio con Hasbro, Lego y PepsiCo. En el mercado del video, vendió 4.5 millones de VHS y durante su primer semana en DVD consiguió vender 2.2 millones convirtiéndose en el más taquillero de su formato. Hoy en día se encuentra disponible en Blu-ray a través de dos paquetes especiales.

Como es bien de saberse, es la película más débil de la saga en cuestiones de recepción, sin embargo contar con un 60% de aprobación y 58% con la versión 3D es más que suficiente para llamarse un éxito. En su estreno de mayo de 1999 rompió diversos records entre los cuales destacaron: día más taquillero, fin de semana más alto y cinco días en cruzar los $ 100 millones. Honestamente no cualquiera llega a $ 431 millones en los Estados Unidos si de verdad se trata de una pésima producción como algunos la hacen llamar.

En cuanto a su participación en la Academia, estuvo nominada a Edición de Sonido, Efectos Especiales y Mezcla de Sonido. En el 2008, la revista Empire la posicionó en el número 449 de las mejores 500 películas de todos los tiempos. Así que amémosla u odiémosla, La Amenaza Fantasma ha regresado a darle un segundo aire a esta magnifica e inigualable franquicia.

Hablemos de Cine

Misión Imposible: Protocolo Fantasma dominó por segunda semana consecutiva en la Taquilla Internacional con $ 24.3 millones de dólares para una suma impresionante de $ 424.3 millones. En su proceso ha vencido a Rápidos y Furiosos 5in Control con $ 629.6 millones mundialmente. Asimismo se convirtió en la más taquillera de la carrera de Tom Cruise posteriormente de haber durado un buen rato con Guerra de los Mundos. Viaje 2: La Isla Misteriosa agregó $ 14 millones ascendiendo a $ 41.5 millones. Esto representa una ventaja del 50% por lo que podría estar en camino a vencer a la antecesora por mucho más. Poder Sin Límites también se benefició internacionalmente al estrenarse con $ 12.7 millones. Inframundo: El Despertar se convirtió en la más exitosa de la franquicia tras recibir $ 11.6 millones para un total de $ 58 millones. No en la liga de Resident Evil: La Resurrección pero al menos se defiende. Como mención, Sherlock Holmes 2 ingresó a los $ 300 millones mientras La Chica del Dragón Tatuado se encuentra a $ 1 millón de cruzar los $ 100 millones.

Las ventas en DVDs se enderezaron esta semana en gran parte gracias a las 690 mil unidades proporcionadas por Gigantes de Acero. En su primera semana de disponibilidad recaudó un equivalente a $ 12 millones de dólares. Muy distanciados en segundo y tercera posición, Courageous se conformó con 188 mil unidades ($ 3.1 millones de dólares) y 50/50 con 164 mil ($ 2.4 millones).

En referencia al formato Alta Definición, Gigante de Acero se desenvolvió con más superioridad al comprobar su distribución de 798 mil blu-rays proporcionales a $ 22.3 millones de dólares. Esto no es está nada mal ya que le da otra necesitada victoria a la película y su formato. En segunda posición, Actividad Paranormal 3 sólo debutó con 201 mil unidades simbólicas a $ 4 millones de ganancias. 50/50 estuvo más deprimente en tercera posición ya que 133 mil unidades / $ 2.3 millones de dólares, no son indicio de buena fortuna.

Entre las noticias más relevantes de la semana:

Star Wars La Amenaza Fantasma disfrutó de un estreno de medianoche de $ 1.1 millones de dólares. Obviamente está distante de su apertura original en 1999 pero analizando su espacio de 13 años es inevitable no sentirse asombrado de ver que todavía tiene potencial. Fox estima un fin de semana de $ 20 millones los cuales podrían ser posibles al igual que su pronóstico de $ 50 millones como cifra final de su trayectoria. Los nervios deben estar al máximo entre los fanáticos ya que esta es una gran oportunidad de volverla a ver esta aventura en la gran pantalla.

Russell Crowe se encuentra en pláticas para interpretar a Jonathan Harker, ahora un detective escocés que debe investigar una ola repentina de asesinatos en Inglaterra. Se debe señalar que este proyecto producido por Leonardo Dicaprio, trata de darle otro punto de vista a la versión aclamada de Bram Stoker’s Dracula. Por el momento Crowe se encuentra grabando Les Miserables y después optará por Noah. Entretanto, Warner Bros tiene competencia porque Universal Studios anunció la resurrección de Dracula Año Cero.

El director de Silent Hill, Christophe Gans regresará a su oficio tras anunciar su participación oficial en la adaptación en vivo de la Bella y La Bestia. Los actores principales son: Vincet Cassel (Cisne Negro) y Lea Seydoux (Misión Imposible: Protocolo Fantasma). El director prometió que sería una distinta y fascinante experiencia a las recientemente vistas en la televisión y en comparación con la animación de Disney. Esta visualización suena a Alicia en el País de la Maravillas de Tim Burton.

El dúo popular de Vince Vaughn y Owen Wilson se reunirán en otra comedia bajo la misma dirección de Shawn Levy. La nueva historia consiste en dos hombres en sus cuarenta que deciden empezar desde cero cuando renuncian a su empresa para laborar como internistas. El detalle radica en que su competencia trata de jóvenes frescos de 22 años. En cierto modo siento la inspiración en uno de los episodios de la serie de tv Friends, basado en la situación laboral del personaje Chandler. No cabe duda que los papeles le quedaran perfectamente pero recientemente sus taquillas han decaído por su encasillamiento.

Morgan Freeman (RED) se une al elenco estelar de Tom Cruise (Misión Imposible) y Olga Kurylenko (007: Quantum) en la siguiente adaptación de Oblivion. Una novela gráfica cuya sinopsis se basa en un soldado y último hombre de un apocalíptico e inhabitable planeta Tierra. Cabe destacar que el director es Joseph Kosinski quien es reconocido por su magnifico trabajo en Tron: El Legado. Sin duda hay un excelente equipo detrás capaz de convertirla en un rotundo éxito cuando se estrené en la taquilla.

Brian Grazer y Ron Howard han decido adaptar la novela Tale of the Body Thief de Anne Rice, la cuarta en la serie que se dio a conocer con Entrevista con El Vampiro. Lo más curioso de todo es el retorno del vampiro Lestat originalmente interpretado por Tom Cruise. Ello despierta interés sobre si posiblemente Cruise se animé o alguien del estudio lo proponga posteriormente de posicionar la franquicia de Misión Imposible en grandes alturas. De igual forma, la sinopsis es novedosa y el género de vampiros ha estado de moda gracias a Inframundo y Crepúsculo.

Es oficial, Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone se reunirán por tercera ocasión en la película La Tumba. El guión se apoya en Ray Breslin quien es una figura de autoridad y de estructura de seguridad. Conoce cada centímetro de los sistemas de prisión pero ello no lo salvará de experimentar uno de sus más grandes desafíos. El éxito de este filme depende mucho de Los Indestructibles 2.

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Crítica de Los Descendientes (The Descendants)

El abogado Matt King es un arduo trabajador en la ciudad de Honolulu y a la vez es el único fideicomisario de una herencia familiar la cual consiste en 25,000 hectáreas de una isla que debe venderse debido a una nueva ley. Esta negociación tiende a complicarse cuando la esposa de King sufre un trágico accidente que la deja en coma. Por lo tanto, King debe hacerse cargo de sus dos hijas y resolver las situaciones personales que rodean a esta familia disfuncional. Sin embargo, este proceso le llevará al descubrimiento de un terrible secreto que tendrá que lidiar con toda la pena del mundo.

Este drama tiene justificado sus cinco nominaciones, no cabe duda al respecto. El estilo radica en la tradición de Pequeña Miss Sunshine, Juno y Los Niños Están Bien. Los factores en común es el empleo de palabras vulgares que eventualmente terminan ocasionando risas, los personajes son inusualmente simpáticos, te muestran la cruda realidad del contexto a pesar de su bella cinematografía, los valores están presentes, el material es actual y su historia está concentrada en el alma del ser humano y su corazón.

La dirección de Alexander Payne es mayormente artística y cultural debido a que se apoya fuertemente en el contexto histórico como panorámico. El director conoce la descendencia de los personajes y lo mejor de todo, conoce a los actores y por ello logra sacar lo mejor de ellos en calidad de comedia y emoción. El melodrama nunca está presente, sólo el sarcasmo y nuestras relaciones modernas. Hoy en día, existen muchas formas de lidiar el dolor y maldecir es una de ellas.

Lo glorioso de Payne es que las vulgaridades nunca llegan a ser ofensivas, al contrario, son brotes hilarantes por su respaldo inocentemente sensitivos. Mostrar lo no cotidiano de Hawái fue impactante, curiosamente se optó durante la introducción pero ello fue de acorde para centrarnos en un mundo que no es el paraíso como suelen disfrazarnos las agencias de turismo o la mercadotecnia en la televisión o cine. Aun así, contamos con preciosos escenarios que son utilizados espontáneamente.

Por ende el guion de Payne en conjunto con Nat Faxon y Jim Rash es innovador como lo hemos estado describiendo. Diálogos intensos, frases nuevas, personajes interactuando directamente en situaciones inusuales, juicios, prejuicios, problemas inconclusos, grandes decisiones y el perdón. La temática de la herencia familiar es el eje central de la historia junto con el estado de coma de la madre; alrededor giran los personajes hacia un rumbo entretenido e impredecible.

Realmente la dirección y el guion están cargados de actos humanos y sus consecuencias. Es duramente analítica y podría causar una transformación en la vida de otros porque tanto como adultos, jóvenes y niños, pueden sentirse relacionados desde alguna de sus perspectivas o ya sea directamente con un personaje en especial. También sirve como una guía para todos aquellos que han llegado a sufrir esta clase de situaciones enredosas y trágicas. Yo sé que previamente Payne ganó el premio al mejor guion adaptado por Entre Copas (Sideways), por lo que volverlo a ganar no está fuera de lo posible, ya que es una adaptación extraordinaria.

El elenco en su totalidad es la razón principal por la cual está película sigue recaudando dinero en la taquilla cada semana que pasa. Se me es inusual ver a George Clooney llorar, sé que lo ha hecho con anterioridad pero no expresado con profundidad. Su paso veloz es divertido y no sé si se deba a las chanclas. Si debo señalar la mejor escena, me quedaría corto. Su sello actoral está impregnado desde el principio hasta el fin de cada toma ya sea dentro de la habitación de un hospital, en las afueras de su casa o durante sus recorridos a las isla. No cabe duda que Clooney entrega una actuación digna de ser reconocida y hasta premiada por la Academia.

Del mismo modo, Clooney se acopla al resto de sus compañeros y los hace brillar. No obstante, el crédito se comparte con la carismática Shailene Woodley y la extrovertida Amara Miller. En otras palabras, las hijas de Matt King. La interacción es compleja dentro del trio por su fuerza conflictiva, pero cabe destacar que la incorporación de Nick Krause otorga humor negro, pero todo tiene su razón. Asimismo, Robert Forster y Judy Greer entregan poderosas participaciones en sus escenas con la paciente en coma. En cuanto a Matthew Lillard, sus gestos son satisfactorios y es raro verlo tan serio.

La narración del protagonista se sentía peligrosa al principio por su constante uso. Inevitablemente nos cuestiona si estamos frente a una clase de documental pero conforme avanza la trama, ésta se desvanece una vez situada la problemática. La edición es tranquila, no enfoques fuera de cuadro, libre de saltos y una composición musical un poco mediocre. Necesitaba más vibra o ritmo, comprendo el tono pero si el estilo abarcaba lo sarcástico y lo bello ¿por qué no la misma inversión en la canción?

En conclusión, es un drama con buenas posibilidades de ganarse el máximo premio gracias a su intrigante dirección, esplendida cinematografía, sobresalientes actuaciones, novedoso contexto y circunstancias únicas descritas en un su excedente guion. Se recomienda no sólo para los conocedores del cine sino para toda persona en general y su familia.