Crítica de Mamma Mía: Una y Otra Vez (Here We Go Again)

Después de haberse separado de su esposo, Sophie se prepara para la reapertura del Hotel turístico lo cual la hace recordar sobre su madre a quien vemos iniciar su travesía por el mundo en 1979. Conforme presente y pasado se fusionan en esta secuela, nos damos cuenta del amor poderoso que comparten tanto una madre como una hija.

Nunca se ha sabido de una secuela a una adaptación musical que haya triunfado, de hecho son inexistentes pero he aquí nadie la pidió y de igual forma Mamma Mía 2 culminó siendo mejor que la original por aprovechar al máximo su cinematografía con una coreografía más ingeniosa, un vestuario colorido, un elenco diverso y juvenilmente fresco.

Sirvió de mucho que el director Ol Parker se haya ido a la nostalgia enalteciendo el vínculo entre una madre e hija porque eso es lo que resulta ser el aspecto esencial de esta segunda parte. Además la selección de canciones encajó a la perfección con la historia cuyo guión supo aprovechar el contexto en el que se desenvolvió la joven Donna.

De las canciones de ABBA, sólo 3 se repiten y creo que fueron aceptables y necesarias considerando como el significado de ello cambia en contraste con la primera. El mismo director estuvo a cargo del guión y tras conocer a los personajes, tomó el gran riesgo de remover al corazón de la película para darle la oportunidad a las jovencitas, por así expresarse.  

Riesgoso y en efecto la mejor decisión porque funciona al ver las similitudes y las diferencias entre las protagonistas lo cual es parte de la buena dirección de Hollywood por mostrar a mujeres fuertes. Así que en ausencia de Meryl Streep, Amanda Seyfried y Lily James hacen un espléndido trabajo en cargar con el peso de la función.

Amanda ya contaba con la experiencia y como era de esperarse, su sensibilidad termina desgarrándonos el corazón en compañía de la gran Meryl. La presión quizás pudo haberla sentido Lily pero bajo ningún momento pareció dejarse intimidar porque desde que entra al ruedo, nos demuestra de lo que es capaz de hacer con tal de dejar su nombre en alto.

Es un gusto contar con los retornos de Pierce Brosnan, Christine Baranski, Julie Walters, Colin Firth y Stellan Skarsgad, y mejor aún ver como las versiones de jóvenes les da una frescura al reinterpretarlos en las escenas del pasado. Realmente parecen idénticos y funciona bastante que se hayan permitido explorar un poco su personalidad a través de sus números musicales.

Darle más peso emocional al presente y refrescarlo con la diversidad musical del pasado es lo que impulsa a Mamma Mía 2 a volverse en esa gran sensacional que no puedes dejar de disfrutar no sólo por las inolvidables canciones sino por cada uno de los personajes que las interpreta. El mensaje de soñar en grande, amar y el valor de la familia es lo que nos impulsa a apreciarla.

El sonido, la edición y los encuadres cuentan con la misma calidad mientras los números musicales adquieren mejor coordinación y espontaneidad. Quizás el aspecto negativo sea la ausencia de Streep y la reducción de tiempo de los veteranos pero con Cher, Andy Garcia y la inclusión de los jóvenes, simplemente terminan por recompensárnoslo en grande.

Calificación: 4 ½ de 5 estrellas

Crítica de Misión Imposible: Repercusión (MI – Fallout)

2 años después de la captura de Solomon Lane, El Sindicato se ha reformado en un grupo terrorista referido como Los Apóstoles que bajo el liderazgo del misterioso John Lark, buscan desencadenar un mayor sufrimiento para obtener una mayor paz en el mundo. Ante la petición de IMF, Ethan Hunt acepta la misión aunque esta vez las cosas se tornen personales.

Difícil de creer que se trate de la sexta entrega y a diferencia de Rápidos y Furiosos, la franquicia de Misión Imposible no sólo ha logrado mantenerse grandiosamente entretenida sino incluso realista en sus efectos especiales y todo gracias a que el director Christopher McQuarrie mantuvo la continuidad y credibilidad originada en Nación Secreta.

McQuarrie es muy limpio en la edición de las secuencias de acción, directo y veloz ya que no recurre al uso de la cámara de lenta haciendo que la tensión se nos acumule por ver a nuestros héroes al borde de fracaso. Del mismo modo me encanta esos imprevistos espontáneos donde las cosas simples fallan, le dan un aire de realismo, lo cual refresca al género.

Ahora comprendo porque Tom Cruise lo ha mantenido como director siendo el primero en repetir. Es evidente que ambos comparten la misma visión de no sólo mejorar sino presentar distintos escenarios con distintos resultados. No cabe duda que los stunts de Cruise resultaron los mejores de su carrera y con mucha razón le costaron unas fracturas.

De nueva cuenta la cinematografía jugó un papel fenomenal, muy en especial cuando Cruise está abordando un helicóptero en pleno aire. También la persecución en las calles de Roma, la pelea en el baño y ni se diga de la maratón en las terrazas. Un gusto que haya vuelto a escalar al igual que verlo reunido con Michelle Monaghan en una escena nostálgica.

Era de esperarse el papel que juega Henry Cavill, no obstante es quizás una fuerte adición al lado de Sean Harris. Rebecca Fergusson me dejó enganchado desde la anterior que me dio un gusto volverla a ver en acción y con un propósito más desarrollado ¿Qué puedo decir de Simon Pegg? Una bienvenida como siempre al lado de Ving Rhames y hasta Alec Baldwin.   

Siempre he dicho que desde J.J. Abrams se volvió en el productor, cada Misión Imposible se ha tornado en un evento que uno no puede perderse por su suspenso, extremos stunts, persecuciones, bellísima cinematografía, dinamismo en el elenco y la tecnología. No puedo evitar sentir que Jason Bourne y Spectre siguen estando por debajo de esta también.  

Se siente como un cierre dado que elementos de la tercera hasta la quinta entran en juego de nuevo. A la vez se abre la oportunidad de quedar libre porque existen muchos caminos en los que se avanzar. Obvio que sigue manteniéndose bajo el mismo curso pero al menos los productores no tienen miedo en añadir un poco de drama para definir al protagonista.

Calificación: 4½ de 5 estrellas

Crítica de El Justiciero 2 (The Equalizer 2)

Ex Marine y espía de Inteligencia Defensiva Robert McCall continúa ayudando a las personas vulnerables y dándole palizas a los malos conforme conduce por la ciudad. De repente su mejor amiga Susan es puesta en peligro de lo cual ocasiona que McCall regresé a su vieja profesión destapándose un pasado que tendrá que enfrentar con tal de ponerle fin a la injusticia.

Debo confesar que los avances me la colocaban en la liga de Búsqueda Implacable 3 o Jack Reacher 2, pero tras verla me doy cuenta que en realidad se diferencia por seguir su propio camino aunque en una tonalidad más pausada. Dicho eso, la secuela es menos agresiva, menos violenta dándole gran lugar al desenvolvimiento contextual.

En cuestiones de narrativa, los diálogos juegan un papel fundamental aunque no se prioriza en el caso en sí. No es gran secreto que haya optado por irse directo al análisis y tratar de justificar cada acercamiento y seguimiento. Es lo bastante predecible haciendo que el protagonista sea la verdadera razón por la cual acudir a verla.

Se explora de lleno el pasado de Robert que en manos de Denzel Washigton sigue dando lo mejor de sí; pese a lanzar grandes ganchos, se enfocó más a lucir el aspecto sentimental y psicológico de su personaje. Simplemente me encanta como interactúa con el resto del elenco, en especial con Melissa Leo quien aprovecha la oportunidad para lucir en combate.

Tampoco podemos descartar a Pedro Pascal, se defiende en lo que cabe y vaya sorpresa de Ashton Sanders, Luz de Luna lo habrá puesto en escena pero aquí logra sobresalir por la forma en que se desenvuelve con el suspenso. Tuvimos un poco más de Bill Pullman aunque no lo suficiente como me gustaría. 

Ciertamente sigue estando superior la original y al final de cuentas resulta no sólo una buena secuela sino una inesperada por habernos dado un exquisito drama acompañado de un ingenioso misterio. Además las secuencias violentas siguen siendo explosivas y ni se diga del tercer acto que fácilmente la pone en el mapa.

Algo me dice que existirá una tercera, tanto Denzel como el director Antoine Fuqua están dispuestos y más al ver que se encuentra cerca de culminar en los $ 100 millones. Yo la recomendaría y aconsejaría fuesen pacientes porque en sí, su mensaje está bien fundamentado en el guión que se adaptó.  

Calificiación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Hombre Hormiga y La Avispa (Ant-Man and The Wasp)

Tras los eventos de Guerra Civil, Scott Lang se encuentra bajo arresto domiciliario cuando Hank llama a su puerta debido a un mensaje que contiene en su mente sobre el paradero de la madre de Hope. En orden de rescatarla, deberán abrir un puente al Reino Cuántico del cual atraerá nuevos enemigos que les harán la vida imposible con tal de adueñarse de esta nueva tecnología.

A simple vista no creo que esta secuela sea mejor sino simplemente es una buena continuación que retoma la formula para brindarnos toda clase de risas en conjunto de quizás las secuencias más creativas de acción porque no cabe la menor duda que el departamentos de efectos especiales se lució bastante con esta.

Difícil ha de ser para el  director Peyton Reed seguirle después de Pantera Negra y Vengadores 3, y más en víspera de sus monstruosas taquillas. Aún así su seguridad lo impulsó a mantenerse firme a su clásico humor sin perder la esencia familiar. Curioso que no desenvuelve al Hombre Hormiga, sino lo reduzca para poner en el mismo nivel a La Avispa.  

He aquí donde aplauso el gran riesgo del guionista, de darle su merecido lugar a la Avispa sin que Hormiga perdiese credibilidad. Los eventos subrayados en Guerra Civil son tomados con seriedad dándoles profundidad a su contexto narrativo. Cada vez se siente la comodidad al hacer referencias y resulta emocionante para quienes se han mantenido cerca.

Pese a no poderse quedar serio bajo ninguna circunstancia, el carisma de Paul Rudd es la razón por la cual el tiempo se te pasa volando. Imposible no divertirse ante sus locuras y comentarios. Además su química con los demás es demasiada buena como siempre. Claro que en ningún momento deja de lucirse.

Yo creo que la gran estrella es Evangeline Lilly, el potencial de introducir a La Avispa fue sensacional. Sus combates, la habilidad de volar y disparar son un extra que la hace igual de poderosa que el Hombre Hormiga. Además sus escenas con Michael Douglas y Michelle Pfeiffer se tornan en el corazón de la historia y por eso funciona.

Lo que me fascina de esta adaptación, es el lugar que le dan a Douglass porque no sólo se queda con los brazos cruzados sino se inserta en la acción en su forma limitada y a su vez su rivalidad con Laurence Fishbourne expanden ambos antecedentes de los personajes, un vínculo directo para la adición de Janet.

Entre el reparto: Michael Peña sigue haciéndonos reír, no le pudo faltar un par de momentos; Walton Goggings en un fastidioso antagonista que a la vez añade suspenso en el tercer acto y como encontré fascinante al Fantasma, no la caracterización que uno hubiese esperado considerado lo complejo que se torna al ir descubriendo sus orígenes.

En sintonía con el universo cinematográfico, no sólo te proporciona una directa respuesta a su ausencia en Infinity’s War sino te da una ligera idea de cómo el Reino Cuántico podría jugar un papel importante en la cuarta entrega. Entretanto, Marvel cierra el año con una producción fresca, liviana y de menor estrés.

Calificación: 4 de 5 estrelllas

Análisis de Sicario 2: Día del Soldado

Pese a su desafiante narrativa, constante acción, explosivo suspenso, política sucia, guerra y actuaciones estruendosas, no puedo evitar sentir que esta segunda entrega se quedó algo incompleta y eso que se tomó el tiempo suficiente para desenvolverlo de principio a fin. Posiblemente la tercera vaya a cerrar todo lo que comenzó desde la primera. Eso espero.

Un acto terrorista obliga al Gobierno Estadounidense a recurrir a una operación clandestina para poner en guerra a los carteles de México entre ellos mismos y asegurar su propia aniquilación. Sin embargo, la misión tendrá severas consecuencias para el mercenario Gillick y el agente Graver considerando lo mucho que hay en juego.

Sin duda se siente la ausencia de Emily Blunt, pese a no ser requerida, alguien de ese compás de moral era necesario considerando como Benicio del Toro tuvo que ocuparlo causando que su intensa imagen disminuyera. Yo que anticipaba una participación a la Jason Bourne, interesante verlo tornarse vulnerable en el tercer acto.

Como era de esperarse, Josh Brolin siguió en el mismo papel que justo cuando estaba por darle un giro, suceden los créditos. Su operativo e interacción con los demás se siente limitado, inseguro. Entiendo que esta no sea su película pero hace falta definir la integridad mediante un complejo desarrollo de personajes.

Comprendo la recurrencia de Taylor Sheridan al adoptar el estilo de 12 Strong donde la acción hable de por sí sola. Aún así como que era necesario invertirle al guión porque algunos épicos sucesos como el atentado, el secuestro, rescate y el nuevo sicario, les hizo falta profundidad. En sí todo se mantiene en la superficie.

Estarán de acuerdo en que Isabela Moner fue la sorpresa, ya que no necesitó de diálogos para articular su transición. Toda esta travesía psicológica se percibe en su rostro beneficiándose así el apego dinámico con Del Toro. Y como que Catherine Keener fue desaprovechada, su antagonismo también se cortó cuando recién empezaba.

Aún así Stefano Sollima hizo un buen papel al dirigir esta continuación considerando la eficacia de la violencia, pese a estar limitadas en cinematografía, las compensa con una real adrenalina que a su vez hace brillar al departamento de edición y sonido por presentarnos algo que excede su presupuesto de $ 35 millones.

Le habrá faltado más emoción pero tanto podría entretenerte como sugestionarte considerando su polémicas temáticas. Me hubiese gustado ver el absoluto potencial de Benicio o al menos una definitiva resolución. Al final del día, optó por tomar un ligero desvió para ir preparando el terreno para la tercera parte.

Calificación: 3½ de 5 estrellas

Crítica de A La Deriva (Adrift)

Basada en la travesía real de Tami Oldham y Richard Sharp, quienes a los pocos meses de conocerse deciden embarcarse en el yate Hazana sólo para verse envueltos por el huracán Raymund. Quedando a duras penas a flote, deberán hacer hasta lo imposible por buscar la forma de sobrevivir.  

Baltasar Kormákur es reconocido por haber dirigido Everest por lo que es de esperarse cierto sentimentalismo conforme se relata este suceso. Hace un excelente trabajo en mantenerte en el suspenso que hasta haber empleado secuencias en el pasado conforme se procedía en el presente, resultó en una nota favorable entorno a ese giro inesperado en el tercer acto.

Se podría decir que sales con el corazón roto  y con mucha razón gracias a Shailene Woodley quien se inspira en Bajo La Misma Estrella para emular esa fuerte interpretación. En su rol de Tami, no sólo es carismática sino lleva a cabo las maniobras con una intrigante esencia de sobrevivencia porque su ejecución de por sí demandante, cuenta con una profundidad expresiva.

Yo Antes que Tú podría ser la referencia principal para Sam Claiflin a pesar de aparecer en mega-producciones como Piratas del Caribe, Blanca Nieves y Los Juegos del Hambre. De nueva cuenta se mantiene lejos de la acción y con buena razón considerando como su contribución impacta a la edición por tornarse en el corazón de la trama.

Quizás el punto negativo es que ambos actores sigan en los mismos roles previamente  vistos; en sí no es de darle tanta importancia porque su química compartida es lo que hace que nos enganchemos hasta el grado de desear que ambos sobrevivan porque es imposible no contagiarse de las emociones expresadas. Aquella desesperación e impotencia fueron alcanzadas por los dos.

El guión sirve de guía, cumple con establecernos a los personajes aunque aquí el peso fueron los efectos especiales y la cinematografía porque la secuencia del huracán es devastadora y más por su significado cerca del final. Los encuadres brillaron gracias al trabajo de edición empleado que en conclusión, terminó por agradarme más de lo que hubiese anticipado.

Si crees que por algún momento te vas a aburrir, en lo absoluto. Quisiera decir que sus 90 minutos se te pasan volando pero estaría mintiendo porque tanto el sufrimiento como la tensión del momento te hacen refrenar el ritmo lo cual ocasiona que sientas ese hueco en el estomago al desatarse los créditos.

Si no tienes nada que hacer este fin de semana, yo la recomendaría pero vayas o no al cine, eventualmente tendrás que verla por lo que te hará sentir y pensar. En pocas palabras, si te gustó La Montaña Entre Nosotros, entonces esta sí podría gustarte.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Los Increíbles 2 (Incredibles 2)

Impresionante que hayan pasado 14 años desde el lanzamiento de la original y aunque haya sido un largo viaje, valió la pena la espera. La secuela mantiene la formula que ha definido a Pixar aunque le resta un poco el aspecto emocional para darnos una travesía acorde a nuestras problemáticas actuales y hasta políticas.

La paternidad toma el eje el central en compañía del protagonismo de la mujer para ofrecernos otro punto de vista. Estará a un punto inferior de la original pero esta segunda parte cumple con las expectativas de entretenernos sin importar la edad que se tenga, seas o no padre de familia, soltero o inclusive adolescente.

El director Brad Bird aprovecha para hacer unas observaciones directas porque su guión se torna complejo al desenvolver ciertas circunstancias que no podrían estar tan distantes de la realidad. Hasta se arriesga en criticar a la Sociedad y su apego obsesivo a través del antagonista del cual podría tornarse el punto débil de la trama.

No por desacreditarlo pero me gustó que se halla enfocado en la aventura de Chica Elástica, el detalle además de carecer de un buen desenvolvimiento de villano fue que esta búsqueda haya sido predecible y a su vez haya sido opacado por lo genial que era ver interactuar al Sr. Increíble con Dash, Violet y Jack-Jack.

Cualquiera podría estar de acuerdo que el pequeño Jack-Jack se robó la función, Pixar sabía que tenía un elemento potencial y lo aprovechó no sólo en humor sino en la perspectiva paternal. La verdad preferí mucho estas cuestiones familiares en casa que las típicas secuencias alocadas de acción, que coinciden en calidad gracias al estable trabajo por los editores.

Siendo más especifico, como que el exceso de superhéroes y las masivas destrucciones tienden a sentirse saturada ante la breve presencia de un villano. Es parte del paquete y siendo enfocada a los niños, realmente no es problema alguno. Sólo me hubiese preferido que su contexto haya sido más simplista.

Las voces selectas continuaron captando nuestra atención y gracias a que pude asistir a una función subtitulada, fue agradable escuchar a Craig T. Nelson perder la compostura, Holly Hunter contagiando con su dinamismo, Sarah Vowell luciendo con sus crisis de adolescente incomprendida y Huck Milner como el carismático e intrépido Dash.

Brad Bird como Edna Mode sigue siendo fantástico que hasta odio que su presencia sea a la brevedad, fácilmente comparte la mejor escena de la película con Eli Fucile como el bebé Jack-Jack. Además como que me hizo falta más del personaje Frozone de Samuel L. Jackson y lo mismo iba para Catherine Keener como Evelyn.

En una época donde se nos bombardean con tres a seis adaptaciones de superhéroes al año, Brad Bird sigue dándonos algo de qué hablar del género por mantenerse fiel al plano de la familia. No supera a la primera la cual se percibe que nunca fue su intención, pero sin duda avanza la historia hacía un punto donde una tercera podría suceder y en mucho menos tiempo, esperemos.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Las Estafadoras (Ocean’s 8)

Difícil de creer que han pasado 11 años desde el lanzamiento de Ocean’s Thirteen y aunque esta vez sólo contamos con dos retornos a la brevedad, la nueva estafa en sí es liderada por la propia hermana de Ocean que en compañía de siete mujeres, se ponen como propósito robar la máxima joya en la anual Met Gala.

En comparación con la trilogía pasada, porque es inevitable no hacerlo, Gary Ross mantiene la esencia y hasta el mismo ritmo. Sustituye el suspenso por un adecuado desenvolvimiento circunstancial que a su vez se puntualiza por la coordinada sincronía con las actrices. En ningún momento te aburres o pierdes en su trama, es lo adictivamente simple como para distraerte.

Producciones de esta clase son demasiado riesgosas por carecer de acción, dependen de los escenarios presentados y la creatividad en su ejecución; aunque de paso la tenía ganada no sólo por su elenco sino por lo modernamente contextualizada en la cual radica a diferencia de las anteriores.  

Innovaron por así decirse porque las referencias fueron muy a doc. Además de una estable dirección de Ross porque esos encuadres fueron enganchadores, su guión fue de los mejores por enfocarse a un elemento personal, un distractor y a un evento actualmente existente.

Pese a que Sandra Bullock y Cate Blanchett se consolidan como las principales, lo cual no es de extrañarse que tanto talento como belleza las haga sobresalir, lo hacen en conjunto con el resto porque la química percibida en pantalla es genial. Cada una se luce ya sea por sí sola o en grupo, es evidente que se la están pasando a todo dar y eso es un agradable contagio.

Bullock adopta el estilo de Clooney mientras Blanchett la hace de Pitt, claro que a su propio modo y vaya que les funcionó porque nomás estás pendiente de lo que se dicen entre sí. Creo que Anne Hathaway es una agradable sorpresa como la antagonista, su seguridad en su papel nos hace agradarla sin anticiparlo.  

Esperaba a otra actriz de renombre, en su lugar tuvimos a Helena Bonham Carter y para variar, su extrovertida personalidad y apariencia le sirvió bastante a dos escenas en especial. En general, debería estar haciendo esta clase de papeles.

No estoy tan familiarizado con Mindy Kaling, Sarah Paulson, Awkwafina y Rihanna, eso no le quita que no me haya divertido por su originalidad en dichos roles. Por otro lado, Richard Armitage y James Corden equilibraron el escenario con su espontaneidad y vinculo directo con Bullock. Todos sin excepción merecen crédito por darle énfasis a este ligeramente predecible guión.

En sí, esta estafa es mucho menos complicada ya que no se siente tan agrupada o saturada en su escenas, obvio que Bullock es la pieza fundamental pero eso no impide que las demás se acerquen a su nivel. Cualquiera pudiera verla y encontrarla lo necesariamente entretenida.

Calificación: 4 de 5 estrellas.

Crítica de Cuando Ellas Quieren (Book Club)

Cuatro mujeres se reúnen para discutir el libro del mes y tras treinta años deciden leer las Cincuenta Sombras de Grey.  Esto las inspira a volverse atrevidas y en el proceso recurren a algunos asuntos del pasado de los cuales finalmente harán algo al respecto sin que su edad las limite.  

Una comedia al estilo de El Descanso, lo cual se me hace inusual que le pertenezca a Bill Holderman quien hizo más que producirla, sino la escribió y dirigió con una gran simpatía acompañada a su vez de un mensaje para cualquier público o generación. Holderman supo cómo desenvolver a estas talentosas actrices y como tal, goza de una exitosa taquilla.   

Pareciese un trama sencillo pero contiene cierta complejidad gracias al desenvolvimientos de los personajes. Todas sin excepción comparten la misma importancia y puesta en escena, ya sea por su cuenta o en grupo. Estos personajes lucen porque fueron descritos de una forma que se permite la identificación, incluyendo a los hombres.

No importa que Diane Keaton siga en el mismo papel de siempre, así es ella y le funciona porque su espontaneidad sigue siendo exquisita y más en compañía de Jane Fonda, Candice Bergen y Mary Steenburgen. A su propia manera nos hacen reír y nos inquietan de inicio a fin, en sí una secuela estaría genial tomando en cuenta la asombrosa química del elenco.

Tampoco los hombres se quedan atrás: Andy Garcia, Don Johnson, Richard Dreyfuss y Craig T. Nelson juegan importantes roles secundarios donde a diferencia del Club de las Madres Rebeldes, no son un mero relleno sino son de vital importancia para la narrativa. Además las interacciones son bastante espontaneas y por ende divertidas.

No hay mucho qué decir aunque la película diga lo contrario ¿me captan? Hay muchas referencias sobre Las Cincuentas Sombras de Grey que nos sirve de algo haber leído la primera novela. Hasta me da curiosidad seguirle a las otras dos porque ni por mi mente me cruzó aquel mensaje de que hay algo más importante que el sexo brusco.

Es un gusto haberme topado con una comedia modernamente madura que además de reírte mucho a cada momento, se aprende a ver las circunstancias desde otro enfoque. Hollywood hace bien en seguir involucrando a estas talentosas veteranas porque esta película merece nuestra asistencia.

Calificación: 4½ de 5 estrellas

Análisis de El Informante (Mark Felt: The Man Who Brought Down the White House)

Ya tenía un buen rato esperando esta adaptación política situada en la autobiografía del agente de la FBI Mark Felt durante el controversial escándalo de Watergate que vinculó al ex presidente Nixon en su camino a la reelección. Y todo esto justamente tras la muerte de J. Edgar lo cual su contexto es bastante enganchador desde el primer minuto.

En cuanto Liam Neeson entra en escena con un notorio cambio físico gracias al maquillaje y a la vestimenta, Mark Felt cobra vida de una forma que nunca decepciona sino que no puedes despegarte de cada uno de sus diálogos como ha sido la destreza de este actor veterano que en cualquier situación cumple con la demanda interpretativa.

El director Peter Landesman sigue sin obtener un reconocimiento tanto en la Taquilla como en su comunidad más esa no es razón para descartar la confianza depositada de Ridley Scott porque la producción es poderosa en cuestiones de narrar una historia de justicia social, corrupción y abuso de poder. En México necesitamos a alguien desesperadamente con aquellos valores.

Inclusive su narrativa es fácil de entender, Landesman hace un excepcional trabajo en ser lo más directo a través del protagonista. Nada de ocultar ciertos elementos o jugar con la línea del tiempo, es directo en las acciones y va justo al objetivo que es mostrarnos lo que sucedió en aquella época que impactó a la Nación Estadounidense.

Escuché que varias escenas de Diane Lane no hicieron el corte final, escenas que le daban más importancia a su papel. Eso explicaría la corta duración, de ahí en fuera el guión te obsequia el detrás de escenas de lo que se originó en Watergate hasta la fachada que llegó a ser el FBI con la CIA a disposición de altos funcionarios de la Casa Blanca.

Continuando con su actitud, Tom Sizemore se convierte en una especie de antagonista a la par de Marton Csokas cuyas escenas con Neeson son de las mejores por su confrontación directa. Tampoco podemos descartar a Michael C. Hall y Bruce Greenwood, los rostros del buen periodismo por así decirlo, interesante dinámicas.

No hay mucho de qué hablar, a excepción de lo que comenté. Decir algo más sería revelar un hecho que sería mejor verlo y escuchar conforme se desenreda la trama la cual en cuestiones de suspenso te mantendrá sumergido aunque seas conocedor de tales referencias. Impactante podría llamarla por su feroz contenido y lo que se debe sacrificar al exponer la verdad. 

 Calificación: 4 de 5 estrellas