Crítica de Los Siete Magníficos (The Magnificent Seven)

La reunión entre el trío estelar del Día de Entrenamiento brindó frutos en compañía de otros talentosos porque la readaptación de este clásico de 1960 resultó a la altura narrativa de Los Imperdonables y Pacto de Justicia. Dicho esto nos encontramos ante una ingeniosa fusión entre drama, acción e inesperado sentido del humor.

Como es de esperarse Chris Pratt es el responsable de brindar a la mesa una chispa de comicidad por sus trucos e infinita carisma. En cada escena que interactúa como el apostador Faraday, es imposible no dejar de reírse de sus ocurrencias y más cuando la dinámica con el resto es contagiosa pese a la falta de profundidad en los personajes.  

No que sea considerado un error, esta generalización de perfiles se compensa con su correctamente estructurado y equilibrado guión. No pude evitar sentir a Peter Sarsgaard en el mismo tono de Jason Isaacs en El Patriota. Sólo necesitó de una escena introductoria para hacernos anticipar el duelo climático.

Quizás Ethan Hawke sea el elemento enganchador, al que nos hubiese gustado conocer su pasado, en especial por su relación con Lee Byung-Hun quien al lado de Martin Sensmeier, le dan otra sazón a este conflicto. Tampoco nos podemos olvidar del mexicano Manuel García-Rulfo cuyo español resalta gracias a sus raíces, imposible no reírnos de nuestras expresiones.

Tampoco pude evitar ver lo mucho que se parece Haley Bennet a Jennifer Lawrence, esa pasión por luchar y hacer justicia brilla en sus ojos en conjunto con su vulnerabilidad. Sin duda se torna en el corazón al lado de la humilde participación de Vincent D’Onofrio. Claro está que Denzel Washigton sigue siendo la estrella de ese escenario por su gran presencia.

Antoine Fuqua luce su cinematografía como lo hizo en el Rey Arturo manteniendo la esencia de los duelos y sobre todo, el manejo de las armas. Adopta el tono oscuro de El Justiciero, el lado sensible de Lágrimas del Sol, la agresiva y sangrienta violencia de Olimpo Bajo Fuego y la corrupción del Día de Entrenamiento. Como tal, es una dirección exitosamente aplaudida.

En cuestiones de historia es básica, a lo que va. No decepciona en lo absoluto, siempre en movimiento e interacción gracias al respaldo de un elenco multifacético. Por ese aspecto, hay bastante dinamismo que es imposible no compartir la preocupación por este reparto que al final transicionan en una especie de hermandad de la cual son propensos a morir.

Y dicho esto último, aquí no hay excepciones, el peligro es inminente para cada uno y por lo tanto me temo que las cabezas ruedan aunque nos duela. Esta revelación la aleja del cliché y en el proceso, se posiciona entre las mejores de su género haciendo lo que Los Odiosos Ocho nunca pudo hacer.

  

Calificiación: 4½ de 5 estrellas

Crítica de Dr. Strange: Hechicero Supremo

Stephen Strange es un aclamado neurocirujano cuya arrogancia lo hace retirarse al rincón más lejano del mundo con tal de recuperar su estabilidad en sus dos manos lesionadas. Tras descubrir la verdad mística, Strange se ve obligado a dejar su ego  con el fin de librar una gran batalla contra el temible y oscuro ex aprendiz del Ancestro Uno.

Con tantas adaptaciones de superhéroes que hemos tenido este año por  recapitular a Batman Vs. Superman, Deadpool, Capitán América: Guerra Civil, Escuadrón Suicida y X-Men: Apocalipsis; consideraba a Dr. Strange como la más débil de la ecuación. Vaya sorpresa que me llevé al descubrir que la travesía resultó mucho mejor de lo anticipado.

No se dejen engañar por la propaganda la cual la colocaba a la par de El Origen, que a mí ver es un cumplido aunque para otros se torna de doble filo por la confusión que suelen causar los distintos niveles de sueños que en este caso, se optan por dimensiones o mundos, pero que no cunda el pánico, es tan fácil de entender gracias a un locuaz par de diálogos y visualizaciones.

No cabe duda que los guionistas Scott Derrickson, C. Robert Cargill y Jon Spaihts son unos genios porque no sólo complementaron este universo sino lo respaldaron con un gran personaje y un sugestivo e infinito contexto cinematográfico. Sin duda es una producción que merece verse en 3D porque la edición de sus secuencias vale el precio de las entradas.  

De por sí Benedict Cumberbatch pone en el mapa a Dr. Strange con su presencia y carácter ego centrista, superando quizás a Robert Downey Jr en el proceso. De hecho ambas travesías son similares principalmente por esa transformación personal que sufren debido a sus errores, aunque el estilo va más encaminado a Thor por el desenvolvimiento de la magia y la comedia.

Cabe señalar que Derrickson también dirige y lo hace con calidad considerado el gran riesgo de haberse perdido en esta sugestiva e infinita gama de realidades. Todos los encuadres seleccionados, escenarios, vestuarios, iluminación y música luce a gran escala por su efecto realístico, pero más que nada, uno termina pasándola a todo a dar por su contagioso humor.    

En sí es la espontaneidad de Rachel McAdams y en mayor parte al sarcasmo de Cumberbatch. Chiwetel Ejiofor y Benedict Wong contribuyen con estabilidad aunque al igual que McAdams, sus personajes no reciben el suficiente tiempo para dejar su huella, todavía. Por otro lado, Tilda Swinton y Mads Mikkelsen lo compensan con su profesionalismo y vasta experiencia.

Para mi asombro, esta historia  no sólo entretiene sino diversifica el universo de Marvel con una dosis de innovación que en conjunto con su buen sentido del humor, dudo que pase desapercibida. Las recomendaciones comenzaran a fluir poniendo en marcha una secuela y asimismo, creando anticipación para Thor: Ragnarok debido a su gran referencia en los créditos.

Ya para que yo lo diga, Bestias Fantásticas se las verá duras teniéndola de competencia y más considerando como se debilitó tras extenderse de tres a cinco producciones. Para cualquiera que le gusté dejarse llevar por la magia del cine, Dr. Strange es una gran elección que no puedes perderte en los cines por lo bien que está escrita, diseñada, editada, actuada  y dirigida.

Calificación: 4½ de 5 estrellas 

Crítica de Inferno

El Profesor Robert Langdon despierta en un hospital sin tener recolección de lo sucedido durante dos días excepto por unas inquietantes visiones que describen un infernal porvenir. Intrigada por el misterio, la Dra. Sienna Brooks decide ayudarlo a resolver lo que fácilmente se convertirá en una carrera por la salvación de la vida humana.

Haber filmado en las localizaciones históricas de Italia resultó sensacional en manos de Ron Howard porque la belleza cultural de aquella ciudad se ve reflejada en su dirección, especialmente en las referencias y su enriquecedor arte como se capta en su cinematografía la cual resplandece desde su primera toma.

Como lector de la novela, sabía que no sería una obra fácil de adaptar y por tanto se aprecia el esfuerzo de David Koepp por darle profundidad y credibilidad a la de por sí fantástica prosa de Dan Brown. Verse esos giros reducidos a la mitad no sólo implementó ritmo a la trama sino la bautizó con una intensa sugestión desatada por su conciencia.  

Y digo conciencia por atreverse a tocar el tema de la sobrepoblación lo cual tiene lógica si lo apegamos a nuestra actualidad. Debo confesar que la inclusión del romanticismo en el tercer acto en conjunto con el arrebato del futuro de otro de los protagonistas me sorprendieron por no haber estado presentes en la novela.

Desconozco si hayan sido del agrado del autor pero por esa misma razón, esta tercera entrega se convierte en la mejor de la trilogía independiente de las terribles críticas que ha sufrido. Admito que sus agregados no son perfectos pero funcionan en su edición por enfocarse a la realidad. Aunque no hubiese estado de más haber sido un poco fiel al propósito de Zobrist.

A excepción de Tom Hanks, el resto de los nuevos integrantes tuvieron que desviarse de las descripciones de Brown. Tiempo limitado pero aprovechado al máximo como podrán percibirlo en Omar Sy, Ben Foster, Sidse Babett Knudsem, Irrfan Khan, Ana Ularu y ni se diga de Felicity Jones la cual se convierte en la pieza fundamental por su definitiva personificación como Sienna.

Hanks siempre ha sido una garantía y desde El Código Da Vinci ha sabido llevar a cabo este presencial rol. Al lado de Jones comparte una inesperada química de la misma forma con Knudsem. Sentimental hasta cierto punto sin descartar su buena dosis de acción porque esta vez corre más de lo que hemos estado acostumbrado a verlo.

Comparada con El Código Da Vinci, la destroza aunque ahí está a la par de Ángeles y Demonios, por un punto quizás porque la información alrededor de Dante y su obra no sólo nos entretienen sino nos hace apreciarlo mediante una cinematografía de calidad. Parecerá un revoltijo durante tres cuartos pero el cuarto acto rinde cuentas quedándose sólo un par de cabos sueltos.

Quitando el libro de la ecuación, esta secuela sobresale por su diseño, música, efectos,  artísticas localizaciones y elenco. Hay mucho por obtener de Inferno y tanto Howard como Hanks fueron justos con el contenido hasta el grado de arriesgarse a llevar a cabo ciertas modificaciones que podrían disgustar a los lectores. De ahí en fuera, recomendable por su culto suspenso.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Horizonte Profundo (Deep Water Horizon)

Basada en los hechos reales de la plataforma petrolera Deepwater Horizon en el Golfo de México en 2010, se narra la gran batalla de sobrevivencia que dieron los trabajadores en conjunto con las consecuencias que lo condujeron a convertirse en uno de los peores y controversiales desastres de la humanidad.

Posteriormente del rotundo éxito de El Último Sobreviviente, la segunda reunión del director Peter Berg y su protagonista Mark Walhberg culminó en otro triunfo cinematográfico gracias a su tremendo profesionalismo entorno a los delicados sucesos. Hubo mucho respeto de por medio, acompañado de honestidad y valentía por mantenerse fiel a las fuentes.   

Pese a enfocarse en los efectos especiales, la dirección de Berg cautiva no sólo por su suprema visualización sino por el desarrollo emocional de sus protagonistas. Cada uno importa ya sea en el fondo o en el primer plano, sin excepción, tienen sus momentos siendo esto una característica fundamental para comprender el proceso contextual de esta tragedia.

La ambientación va acorde a las especificaciones contextuales lo cual lo torna intrigante. Cada proceso, sistema y protocolo se nos explica con claridad lográndose así comprender el panorama en su totalidad. Los riesgos que se corren en este oficio son de prestarse atención y no sólo en el tono humano sino tecnológico y ecológico, porque nos afecta en general.

Se requiere profesionalismo y una amplia gama de conocimiento, estudios y experiencia porque la esperanza o el tanteo es lo peor que se puede aplicar bajo estas circunstancias. La importancia de llevar a cabo pruebas costosas tiene su justificación y su negación sólo trae consigo consecuencias como se estipula dentro de esta detallada historia.

La importancia aquí es la reacción humana ante esta clase de desastres y el guión lo deja bien claro al introducirnos las distintas situaciones de cada integrante, en esencial la conectada con la familia porque he aquí el autentico gancho. Excelente detectar que tanto director como guionistas se encontraban en el mismo plano de representación humana.

Yéndonos al campo visual, vaya manera de activar la adrenalina en uno porque la tensión generada en sus extraordinarios efectos te mantiene a la expectativa tras una introducción simpática en manos de Kate Hudson, Mark Walhberg y la niña. Aunque lo duden, la secuencia de la caída de Deepwater Horizon es dolorosamente épica en mayor parte a su elenco.

Walhberg no acapara la pantalla como creerías; su personaje es esencial pero aún más en compañía y he aquí su formidable contribución cuando emite su profunda preocupación durante el tercer acto. Su química con Hudson se torna una revelación desde cualquier plano. Esperemos y no sea la única vez que trabajen juntos.

Kurt Russell ejecuta una de las secuencias estruendosas considerando la situación en la que se encontraba. Me alegra haber tenido una escena compartida con su hija Hudson, breve pero apreciable. Tampoco podemos olvidarnos de Gina Rodríguez y Dylan O’Brien, poca presencia pero lo suficientemente justificables para importarnos.

Ni se diga de John Malkovich, sin importar el rol que desempeñé, siempre entrega lo mejor aunque en esta ocasión haya sido el antagonista corporativo. Tan así de eficaz como siempre. También hubo otros como Suplee, Frost, Sande y Maldonado que contribuyeron con un poderoso sentimentalismo en medio de la recreada brutalidad.  

La convergencia entre los Efectos Especiales, la Cinematografía y la ejecución del sonido ponen en alto nombre a esta producción porque su edición fílmica nos transmite ese miedo ante el fuego esparcido alrededor de Horizonte Profundo. Inclusive desde antes, se nos va transmitiendo esa vulnerabilidad de la cual no podemos despegar la vista ni por un segundo.

En conclusión hemos dado con una emocional travesía inmersa de acción, suspenso y poderosas actuaciones que nos muestran la peor tragedia en la historia petrolera de los Estados Unidos.

Calificiación: 4½ de 5 estrellas 

Crítica de No Respires (Don’t Breathe)

Rocky, Alex y Money deciden ponerle fin a su oficio de delincuentes al robarle a un veterano ciego cuya herencia aspira a los 300 mil dólares. Desafortunadamente nada saldrá de acorde a lo planeado al toparse realmente con un asesino militarizado que los pondrá a merced del absoluto silencio en orden de poder sobrevivir.

Antes que nada aplaudo la dirección de Fede Alvarez por el simple hecho de generar un ambiente aterrador en espacios reducidos. En serio, la taquicardia está a todo lo que da lo cual es extraño dada su corta experiencia. La selección de las locaciones, los diálogos y las acciones son coherentes aunque existe una que otra falla que la torna predecible, pero se perdona.

En sí la maravilla gira en torno a las actuaciones, en especial Stephen Lang quien nada que ver con su antagonismo en Avatar. En el rol del veterano ciego, Lang mantiene su sorprendente condición física llevándole al otro extremo del terreno psicológico. Hay un motivo detrás de sus acciones siendo la gran causante de la innovación fílmica y constante recomendación.   

Se trata de una inquietante experiencia a través de los ojos de Jane Levy. Interpretando a Rocky, ella nos mantiene enganchados hasta el final y aún más al lado del joven Dylan Minnette. Me hubiese gustado haber tenido más desenvolvimiento entre los dos, había potencial y tiempo, mas nos convencen hasta el punto de preocuparnos por ellos, pese a ser criminales.

El guión también le pertenece a Alvarez y con mucha razón se puede notar en su estructura porque en el transcurso de 88 minutos se cumple con lo demandado, porque créanme, al menos brincarán tres veces de los buenos sustos. Ello yace en la tensión transmitida por la edición y ejecución del sonido porque no puedes despegarte ni por un momento.

La debilidad más que nada se origina en su falta de una catarsis, no sé siente que culminé la historia en un 100%, varias dudas quedan pendientes como el interés de saber aún más que considerando su triunfo en taquilla, no podría sorprenderme de ver en un futuro una segunda entrega.

Entonces, vuelvo a repetirlo, se percibe la excelente mano obra en los encuadres, iluminación, maquillaje y por qué no, música también. Los $ 125 millones recaudados a nivel mundial son más que suficiente para llamarla un éxito y considerándola como la única, merece destacarse por entregarnos algo distinto y sólido en su horror-suspenso.  

Hubiese optado por otro clímax pero de ahí en fuera, me intriga su concepto original, enganchadora tensión y la caracterización de los protagonistas ya que no se trata de cualquier película de horror, sino si núcleo es lo bastante emocional y psicológico como para darle un giro a los sucesos aunque en momentos caiga en los clichés de su género.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Atentados en Paris (Bastille Day)

En víspera del Día de la Bastilla, Mason roba un bolso del cual contiene un explosivo que desencadena accidentalmente la muerte de cuatro inocentes. Siendo perseguido tanto por la policía de Francia como por un grupo criminal, no tiene opción más que cooperar con el renegado agente Briar de la CIA con el fin de prevenir el siguiente atentado terrorista.

Debido a la tragedia ocurrida hace un par de meses, las funciones alrededor del mundo fueron canceladas con la excepción en México cuyo retraso brindó frutos porque realmente se trata de una producción refrescasnte de acción sólida para su propio género  y ni se diga de su inesperado sentido del humor porque te saca un par de risas gracias al dinamismo de los protagonistas.

Más que la historia, la cual de por sí por más sencilla que sea, cumple con las expectativas de entretenerte de principio a fin gracias a su núcleo misterioso. En sí este concepto fue mucho mejor desarrollado en manos de James Watkins cuya veloz dirección supera mil veces a Focus por contagiarnos de escenas creativas de robos.

Vuelvo a repetir, el guión es básico y suficientemente equilibrado para introducirnos a este duo conflictivo de personajes. El detalle radica en el desarrollo de los personajes, inclusive después de haberse desatado el frenético clímax del cual algunos podrían identificarse o caer en la propia negación por verse demasiado sumergido en su explosivo trama.   

Todo gracias a la absoluta seriedad de Idris Elba, un actor de categoría por su alta presencia y profesionalismo cuando se trata de transmitir en pantalla. No que le haya sido difícil porque similar a su rol en la serie de Luther, se podría insinuar que reutilizó ciertos elementos, sin embargo fue su interacción con Richard Madden lo cual le inyectó de una chispa de comicidad.

Coincidirá en el mismo tono de frivolidad pero al momento de ejecutar sus trucos dentro del personaje, Madden se destaca pese a sus limitaciones físicas. Mucha seguridad sin duda, exquisito contraste. Lo mismo va para Charlotte Le Bon y Kelly Reilly por el apego sentimental por así decirse, en las cuestiones delicadas con respecto a los atentados.  

Mí única queja es que la edición tiende a desenfocarse en las secuencias de persecución o combates. Sea o no justificado, le resta calidad a la imagen de la cual de por sí luce por su amplia y artística cinematografía. Quizás por cuestiones de presupuesto, pero fuera de eso y haciendo excepción de la pobre melodía, lo que vemos es agradable para nuestros ojos.

Siempre y cuando no seas exigente, podría decirse que Atentados en Paris es el resultado entre la suma de Arma Mortal y Pareja Explosiva. Pudo haber sido mejor con un gran desarrollo de los personajes pero siendo lo que es, me es grato haberla disfrutado en sustituto  de Los Magníficos Siete.

Calificiación: 3½ de 5 estrellas

Crítica de El Bebé de Bridget Jones (Bridget Jones’s Baby)

Pese a ser un año de secuelas, debo confesar que aunque sus taquillas se han visto declinar, la calidad ha sido en su mínimo aspecto creativa y como tal efectiva en víspera de que esta tercera entrega supera a la segunda colocándose a la altura de la original por respaldarse en los elementos clásicos que pusieron en el mapa a la original.

Seguramente me vayan a llover toda clase de comentarios pero en mi defensa, soy un romántico. Así que ¿qué se le puede hacer? Cualquier seguidor sin duda acudirá a verla porque su contenido cumple con su propósito y más por Sharon McGuire por hacernos pasar un buen rato mediante ocurrencia tras ocurrencia.

Efectivamente McGuire fue quien la llevó a la gran pantalla en el 2001 convirtiéndola en un éxito mundial de $ 281 millones de dólares habiendo costado sólo $ 25 millones. Retomar la silla de directora resultó de mutuo beneficio por mantenerse fiel a la forma de pensar y reaccionar de la protagonista entorno a su estatus social y amor platónico.

Complicada es la vida de solterona de Bridget, que a estas alturas esperábamos verla felizmente casada con Mr. Darcy y con niños. Fue lógico la forma en que nos muestran las razones de este rompimiento y como Jones ha logrado mantenerse “estable” todo este tiempo. Es un buen giro verla delgada y tratando de conseguir su tercer aire.

Este desarrollo circunstancial y dinámico en su trama se debe a Emma Thompson quien además de hacernos reír con su inigualable participación, pulió el guión de Helen Fielding y Dan Mazer dándole ese encantador y crítico dilema. Incluso moderniza los ideales al incluir problemáticas actuales y entremezclarla con algunos valores, sobre todo la integridad.    

El sólo objetivo de contar con el retorno de Renée Zellweger, es suficiente para justificar esta secuela porque nunca falla en engancharnos con su esencial personalidad que transmite bajo esa madurez y grata espontaneidad. Cabe señalar que su química con Colin Firth sigue poderosa gracias a la formidable presencia de Firth.

Sí se extraña a Hugh Grant, en lo que cabe, aunque siendo honesto Patrick Dempsey nos lo compensa ya que nos entrega una actuación de revelación por haberse arriesgado a expresarse de humorística forma. Ni se diga la competitividad con Firth porque te roba de un par de risas, en especial con la cargada, la cena con los tres, las citas con la doctora y sobretodo la terapia.

La simpatía de Sally Phillips como Sharon es una tremenda adición y más al lado del cantante Ed Sheeran cuya breve aparición es de las mejores y no sólo por sus canciones. Jim Broadbent y Gemma Jones aparecen poco pero simplemente uno no puede extender esta historia sin los padres de Bridget Jones de por medio.   

En conclusión, no era necesaria de contarse y menos considerando el extenso transcurso de catorce años. Muchas cosas han pasado como la operación misma de Renée pero he aquí la chispa de encanto no ha perdido su resplandor porque la esencia de Bridget Jones nos demuestra estar en gran forma después de todo.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Star Trek: Sin Límites (Beyond)

Tres años después de haber derrotado  al formidable Khan, el USS Enterprise se encuentra en su tercer año de exploración cuando un altercado en la estación Yorktown los coloca en una misión de rescate la cual se tornará en una intensa travesía por su sobrevivencia ante el ataque de una fuerza del pasado.

Hoy en día existe mucho más competencia por mencionar a Star Wars: El Despertar de la Fuerza, Guardianes de la Galaxia, Avatar y próximamente Rogue One. Extrañamente Star Trek es una franquicia que ha estado perdiendo público americano aunque ha estado compensándolo lentamente a nivel internacional.

Es extraño considerando lo geniales que fueron las producciones de J.J. Abrams. En horabuena se requirió de otra mano y que mejor que la del director Justin Lin quien no pierde el tiempo de inyectarle su vibra de imparable acción y sublime humor. La formula de Rápidos y Furiosos 5-6 funciona a la perfección en esta trama mucho más dinámica y diversa.

En un principio se opta por darle un giro a la estructura narrativa ya que la tripulación es separada en dúos cuyas interacciones nos enganchan por no haber sido exploradas en el pasado. La estrategia es sacar a cada individuo de su zona de conforte y he aquí la clave por la cual esta tercera entrega  se renovada con calidad.

A estas alturas del juego, se es necesario innovar y Simon Pegg supo hacerlo al asumir el rol de guionista al lado de Doug Jung. Todos los personajes sin excepción se crecen porque comparten el mismo tiempo en pantalla y en primera instancia cuentan con su propio momento. Hasta las nuevas adiciones hacen la diferencia.

Visualmente hablando la cinematografía y edición son de las mejores presentadas debido al espectacular diseño de la estación Yorktown, el planeta Altamid cuyo panorama enriquece los combates y ni se diga de la invasión en el Enterprise porque es fácilmente la razón por la cual se vuelve relevante esta secuela.

Sirviendo como un homenaje a Leonard Nimoy, se toman el tiempo necesario para mandarle una merecida despedida aunque por otro lado, Anton Yelchin asume un rol protagónico al lado de Chris Pine que es difícil no evitar sentirnos nostálgicos por tratarse de su última participación como Chekov y vaya que logra un gran alcance. Sin duda será extrañado.  

De por sí Pine es la base y al lado de Zachary Quinto, estamos consciente de su brillante química que para variar se optó por emparejar a Quinto con Karl Urban descubriéndose así una de las mejores interacciones. Hasta Simon Pegg se torna serio por equilibrarse con la intrépida Sofia Boutella.      

Tampoco podemos descartar a John Cho y Zoe Saldana quienes podrían haber sido llevados un poco al fondo quizás por Idris Elba, ya que éste tiende a robar la atención y muy en especial durante el clímax. Su experiencia en escena con Pine contagia la atmosfera de sentimentalismo, fuerza física y sobretodo autocrítica.

En conclusión Star Trek: Sin Límites cumple con su título de no frenarse en adrenalina y humor porque una vez que despega te enganchas al instante y todo gracias a esta familia de actores y técnicos que han hecho lo posible por mantener la esencia intacta pese a sus dos irremplazables perdidas.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Morgan

Ante un inquietante accidente, La Gestora de Riesgos Lee Weathers es asignada para evaluar la situación de uno de los experimentos más comprometedores y en el proceso tomar un curso de acción viable para la Corporación. Independientemente de lo que decida, su vida como la del resto estará en manos de Morgan quien es mucho más de lo que aparenta a simple vista.

Tratándose del debut direccional de Luke Scott, debo confesar que heredó el talento de su padre en la forma de enaltecer la cinematografía, armar el suspenso, liberar el talento actoral y desatar la violencia no sin antes situarnos con un buen drama. Tal como parece, el hijo de Ridley Scott retoma la estructura de Alien aunque no consiga el mismo impacto.

De igual forma, Scott demuestra contar con esa habilidad para crear una atmosfera de acorde al contexto. El detalle radica en su escaso guión debido a la grave ausencia de un desarrollo de personajes. Desde el lado de la acción y la intriga, se compensa lo suficiente para volverse en una ligera recomendación de un domingo libre.  

La sorpresa al final te deja estupefacto en el modo de inyectarte con otra percepción. Eso sí el concepto es desarrollado con eficacia, el sonido cumple con lo requerido y la iluminación brinda lo mejor en el proceso de edición, la cual lo se conserva directo, espontaneo y limpio. Hasta eso sus 92 minutos se te pasan volando.

Importante saber que no es un relato de horror, sino un drama cuyo clímax resalta por su frenética media hora final. Sin duda los efectos especiales fueron especiales considerando su limitado presupuesto. Se pudo haber trabajado en el guión, ya que permanecen ciertas dudas pero no es nada de quebrarse la cabeza.

Como lo ha demostrado en el pasado, Kate Mara entrega un eficaz protagonismo. Seguramente estamos ante la siguiente heroína de Hollywood porque muchos ojos habrán notado su despiadada determinación y ni se diga de esas maniobras tácticas. Lee Weathers es un poderoso personaje que en ausencia de un respaldo histórico, Mara le hace justicia con su personalidad.

Obviamente la atracción recae en Anya Taylor-Joy ya que Morgan no es difícil de comprender. Esto gracias también a Taylor-Joy  porque hace lo necesario para sugestionarnos con su descontrol emocional. Lo curioso es notar que a duras penas interactúa con el elenco,  hubiese sido genial haber explorado esa área no mediante vistazos a su niñez.

Y como ta:l Toby Jones, Michelle Yeoh, Jennifer Jason Leigh y Paul Giamatti son desaprovechados y en cierto modo está justificado. Considerando la limitada interacción con Morgan en conjunto con la rapidez de las circunstancias,  Morgan resulta ser una obra que nos entretiene a pesar de su simple narrativa.

Calificación: 3 ½ de 5 estrellas

Crítica de El Club de las Madres Rebeldes (Bad Moms)

Al tratar de cumplir con el rol de “buena madre”, Amy Mitchell se encuentra al borde de la frustración a consecuencia de su flojo esposo, hijos resentidos, un jefe inmaduro y una tremenda rivalidad con la Presidente de la PTA. Aceptando la triste realidad de ser una mala madre, decide sacarle provecho a este giro de eventos al lado de sus dos nuevas amigas.

Debo confesar que por semanas no me podía explicar la razón por la cual esta comedia clasificada R ha estado manteniéndose en la Taquilla Norteamericana hasta el grado de cruzar los $ 100 millones superando su inversión de $ 20 millones. Ni se diga de los adicionales $ 45 millones foráneos. Ahora tras verla, entiendo porque su gran triunfo.

Además de presentarnos una historia fresca que puede ser vista no sólo por las mujeres, nos pone a cuestionar sobre el papel de una madre americana en la actualidad aunque no sea tan distante de cualquier paradigma social; en especial con el núcleo familiar y el sistema escolar malamente influenciado por las organizaciones o asociaciones.

Y todo sea por el bien de los hijos, prepararlos a matarse desde temprano y en ocasiones malcriarlos al ignorarse la educación en casa. Nadie es perfecto cuando se trata de la criarlos porque nadie sabe realmente como hacerlo y es ahí donde radica el mensaje de esta sugestiva trama cuyo contenido es desenvuelto con eficacia.

Para tratarse de los guionistas detrás de ¿Qué Pasó Ayer? Me encuentro asombrado porque previamente había encontrado a Damas en Guerra como una de las mejores comedias realizadas. Ahora creo que esta le compite por ese título por no sólo hacernos reír sino por contagiarnos con un sentimentalismo enfocado a la relación entre madre e hijos.

Los directores Jon Lucas y Scott Moore, quienes también fungen como los guionistas, nunca le faltan al respeto a nadie ni tampoco caen en lo grotesco pese a sus diálogos directos y malas palabras. Hasta eso la edición es limpia dentro de lo que cabe y las localizaciones lucen al lado de la exquisita espontaneidad e interacción de las talentosas actrices.

Cuando se trata de engancharnos con dulzura y desmadre, Mila Kunis nunca falla en cumplir con ese equilibrio que demandaba este personaje de Amy. Esta es su película de inicio a fin y ella lo sabe por la seguridad que proyecta. Todavía más su incontrolable y diversa química con Kristen Bell y Kathryn Hahn. Este trío de verdad luce.

 Y vaya papelazo de Christina Applegate quien al lado de Jada Pinkett Smith, nos hacen odiarlas y con ganas. Se aplauden las breves apariciones de Martha Stewart y Wanda Sykes por proporcionados un par de extrovertidos diálogos. Tampoco descartemos a los hombres: David Walton como el clásico esposo holgazán y Jay Hernandez como el viudo deseable.  

En conclusión, estamos ante una simpática comedia que a su vez nos proporciona otra forma de percibir nuestros errores y como lo disfrazamos al juzgar a los demás y sobre todo a uno mismo. Ser madre no es fácil por la gran responsabilidad de ser el corazón de la familia como se visualiza en esta sobresaliente adaptación de la cual no te puedes perder.  

Calificación: 4 de 5 estrellas