Crítica de Pasajeros (Passengers)

La nave espacial Avalon se encuentra rumbo a Homestead II transportando una tripulación de 5,000 pasajeros quienes se encuentran sumergidos en hibernación hasta que misteriosamente dos de estos despiertan 90 años antes de los 120 años programados. Entre la desesperación por encontrar una solución, se verán con la ardua tarea de salvar la eminente destrucción de su nave.

No te confíes de los avances, existe un gran giro en este relato de ciencia ficción donde su explosión sólo se origina hasta el tercer acto mientras su drama se fundamenta en el desarrollo de sus personajes. El concepto no será del todo original mas su enfoque es lo bastante refrescante hasta el punto de hacernos cuestionar sobre nuestra propia búsqueda.

En cierta manera se cuenta con un mensaje del cual nos sirve de retroalimentación con respecto a nuestra vida, intenciones y propósitos. El guionista Jon Spaiths ha demostrado tener un talento para esta clase de producciones haciendo referencia a Prometeo; a su vez ciertos de sus elementos se ven presentes, principalmente en el diseño interior de la nave.

Inclusive la tecnología aplicada no difiere tanto de la de Alien, en esencial a las cámaras de hibernación viendo su tremendo parecido. El director Morten Tyldum aprovecha al máximo estas localizaciones tanto internas como externas del Avalon pero en la actuación es donde radica su triunfo, sin olvidarse de su genuina edición y efectos especiales.

En un rol serio, Chris Pratt se luce como el ingeniero Jim Preston hasta el punto de conmovernos debido la situación trágica de su estatus. Su química con Jennifer Lawrence es adictiva y pese a limitarse en la acción, Lawrence profundiza en la emotividad hasta el punto de contagiarnos debido a su complejo desenvolvimiento después de la escena del dilema.

Aquella decisión en el protagonista es inesperada pero necesaria para elevar su trama. No es tan complicada ni se siente cansada considerando la escasez de personas. Más que lenta, es pausada por tomarse su tiempo en definirse. Musicalmente Thomas Newman nos entrega un soundtrack cuyo contenido cumple con las especificaciones del guionista y la atmosfera del director.  

Tanto Pratt como Lawrence no están completamente solos en estas dos horas sino los breves papeles de Michael Sheen y Laurence Fishburne le inyectan del necesario dinamismo para hacer crecer la historia. Aunque por sí solos, Pratt y Lawrence tienen todo bajo control. Mi único aspecto negativo es la presencia de un par de segundos de Andy Garcia.

De ahí en fuera,  los críticos se volvieron a equivocar al desenfocarse de su buena dosis de entretenimiento consciente-emocional. Ni idea de qué esperaban porque desde mi humilde perspectiva, tanto guión como protagonistas nos mantienen enganchados hasta el grado de llevarnos algo valioso en cuestiones de lo que uno necesita para ser feliz.

Entonces Pasajeros funciona más como un romance en el espacio cuyo tercer acto la torna en la épica producción de suspenso que muchos esperaban. Sin embargo son sus aspectos psicológicos y el desenvolvimiento personal lo que la hace diferenciarse del resto. Visualmente nítida y con una grandiosa química entre Pratt y Lawrence, es un drama espacial digna de nuestro tiempo.    

Calificación: 4 ½ de 5 estrellas

Crítica de Belleza Inesperada (Colateral Beauty)

Howard Inlet se encuentra en una crisis depresiva debido a la insuperable muerte de su hija de seis años cuyo nombre o enfermedad se atreve a mencionar. Temerosos por la inestabilidad de la compañía, sus amigos deciden en cierta forma ayudarlo bajo el mutuo respaldo de tres abstracciones esenciales las cuales harán lo posible por reconectarlo con el mundo.

Mientras esperaba la función de Rogue One, no pude evitar volver a llevar a cabo una doble función.  Se ha estado volviendo una costumbre debido a la alta temporada laboral pero de que valió la pena, lo valió porque en resumen, Belleza Inesperada es un extraordinario drama gracias a las bellamente descritas perspectivas del Tiempo, la Muerte y el Amor.

Indudablemente se nos ofrece una gran lección de vida compuesta por una excelente construcción de los personajes y su desarrollo circunstancial conforme una supuesta  ayuda lleva a la otra. En cierta manera estamos conectados y es lo que se prueba bajo este inusual concepto. Emocionalmente te enganchas con el elenco porque sus acciones no difieren de la realidad.

Cualquiera podría haber escrito aquellas cartas y en cuanto a superar la muerte de un ser querido, en especial la de un hijo, es lo más doloroso que puede pasarle a un padre y más cuando no existe una solución. Sólo nos queda continuar y es aquí la esencia de esta formidable adaptación del director David Frankel.

Es todo un proceso que la mayoría pasará en algún momento y el guionista Allan Loeb estaba consciente de ello por la forma en que humanizó las intenciones del elenco. Considerando la gran gama de personalidades, yo diría que por lo menos, con uno te identificaras y si no es el caso, entonces lo comprenderás porque es imposible salir ileso de su vibra sentimental.

En defensa de la película, los críticos fueron demasiados duros en llamarla una basura propagandista. Es como si hubiesen puesto en primer lugar su inhumanidad porque realmente los incomprendidos son ellos y no la película. Así que difiero con sus opiniones y por lo tanto las descartó al situarla entre las mejores diez películas del 2016.

Se torna lo bastante inspirante en su tercer acto y todo gracias a la perfecta comunicación que compartieron tanto el director como su elenco. No solamente Will Smith acapara la pantalla, sino al igual que el resto comparte el mismo monto de tiempo de lo cual la Academia debería nominarlo por lo menos en la categoría de Actor de Reparto.

Y podría decir que lo exijo porque Smith entrega su absoluto corazón en la penúltima escena. Ese encuadre de su rostro mientras se desahoga emocionalmente va todavía más allá de la épica escena con su hijo en el baño en La Búsqueda por la Felicidad. Sinceramente, no entiendo por qué no le han dado un Oscar a este talentoso profesional.

Quizás uno de los actores desvalorados por estar seguro de lo que quiere hasta el grado de exigirlo, Edward Norton cuenta con la justificación de comportarse de aquel modo en víspera de su grata espontaneidad. Es como una clase de chispa donde no requiere derramar una lágrima para haberte cautivado tu atención, cuando menos lo piensas, ya estás invertido en su rol.

¿Quién no quiere a Keira Knightley? A esta hermosa mujer se le perdona todo gracias a su dulzura, inocencia y esa atractiva sonrisa. En el papel del Amor, ella encajó a la perfección mientras que Helen Mirren se la inyectó a la identidad de la Muerte. La impulsividad mezclada con su franqueza posicionó al joven Jacob Latimore alias El Tiempo, al mismo nivel de sus compañeros.

Michael Peña sigue sorprendiéndonos porque posteriormente de impactarnos como César Chavez y hacernos reír al lado del Hombre Hormiga, su vulnerabilidad reflejada en Simon Scott, es inevitablemente contagiosa en la misma tradición de Kate Winslet. Como podrán darse cuenta, este es un drama rico en actuaciones, guión, edición y hasta cinematografía.

Sí eres de las personas que disfrutaron Julia & Julie, Bajo El Sol de Toscana, El Exótico Hotel Marygold o Comer Reza Amar, entonces Belleza Colateral es ideal para ti  independientemente de lo que piensen algunos gurús del cine. Concuerdo en que más que nada se desenvuelve como un melodrama pero en donde los gritos no superan a las emociones de un corazón roto.

Calificación: 4½ de 5 estrellas

Crítica de Rogue One: A Star Wars Story

Asombrosamente dolorosa es la forma en que describiría esta primera producción “independiente” de la Saga de Star Wars que a su vez funciona como una forma de reintroducirnos a esta ya familiar mitología viendo como culmina precisamente en el comienzo de original de 1977.

Por primera vez no contamos con la introducción contextual ni de la música que solía acompañarlo. La escena se va directamente al pasado en donde vemos a una niña Jyn Erso presenciando una terrible tragedia en su familia de lo cual pone su vida en constante fuga hasta ser detenida por la Rebelión debido a la conexión con su padre. 

Honestamente, se siente raro contar con ese par de secuencias del pasado y los títulos de los planetas a donde nuestros héroes se dirigen. Es raro e innovador y por ende, se aprecia el gran riesgo que tomaron los productores por darle otro significado porque Rogue One acaba de justificarnos su implementación por lo inexplorado.

En cuestiones de cinematografía, nos sentimos familiarizados al instante con el fondo visual de la trilogía clásica aunque algunos efectos añadidos le brindan cierta expansión y creatividad a la precuelas. Realmente el director Gareth Edwards conoce su material hasta el punto de regresarnos ese grandioso sentimiento de cuando vimos por primera vez el Episodio IV.

Si eres un novato, Rogue One es perfecto para ti porque no necesitas de ningún antecedente para disfrutarlo, aunque el riesgo aquí es que te emocionarás tanto por su intrigante narrativa y espectacular acción que inmediatamente tendrás que sumergirte a las siguientes como seguramente muchos lo harán por la forma en que se concluye el sugestivo tercer acto.

Dicho esto, la clave yace en el guión de Chris Weitz y Tony Gilroy quienes excedieron las expectativas en su desarrollo de personajes, circunstancias, referencias, política y humor. De todos los episodios, esta sobresale por ser impredecible en su elemento de sobrevivencia militarizada porque ninguno está a salvo de la muerte.

En definitiva es una producción de guerra y Edwards se cercioró de mantenerla así en sus dos horas. Tanto tropas imperiales como rebeldes se lucen en lo que podríamos referirnos como un exquisito montaje de batallas, en especial la de la playa y sin olvidarnos de la espacial. Cualquiera es vulnerable, se siente en la atmosfera y en su consecuencia, terminas sufriendo.  

El Imperio y la Alianza Rebelde comparten la tensión desencadenada por la ambición, incomprensión y extremismo de ciertos de sus miembros. Como era de esperarse, la involucración de Darth Vader se reduce a dos secuencias de las cuales son efectivas y suficientes para hacernos brincar de nuestro asiento por su brillante sugestión ante el horror desatado.

La sorpresa aquí sería Guy Henry ya que mediante una alteración en su rostro, la similitud con Tarkin es fascinante y fiel a lo que hemos estado acostumbrado. Su interacción con Ben Mendelsohn alias Krennic es enganchador, tomando a consideración la novela Catalyst, la rivalidad sin duda brinda frutos y retroalimentación a la situación política e interna del Imperio.

En el papel de Jyn Erso, Felicity Jones es el corazón de esta nueva aventura y sin duda es una personalidad que mucho no olvidaremos con tanta facilidad. Careciendo de un respaldo, es impresionante ver su grado de complejidad alcanzada y ni se diga de su grandiosa química con Diego Luna cuyo carisma como seriedad lo conforman como un autentico héroe de acción.

Me hes grato finalmente contar con un mexicano en un rol principal donde no esté malamete estereotipado. Dentro del universo de Star Wars, no existen fronteras, cualquiera puede entrar y brillar y afortunadamente fue el caso de Diego Luna donde es de esperarse en un futuro no distante, contar con producciones del mismo calibre que su calidad actoral.

Tampoco nos podemos olvidar de Donnie Yen y Jiang Wen por la inusual forma en que interactúan entre sí y por supuesto, sus artes marciales como tácticas de disparo. Riz Ahmed es una clave importante como el desertor mientras que Forest Whitaker como Saw le añade un sabor extremista a lo que creíamos ser algo 100% noble.

Obvio que no sería una entrega de Star Wars sin la presencia de un androide y sinceramente en la tradición de BB-8, me encontré fascinado con la actitud sarcástica de Alan Tudyk. K-2SO está por convertirse en un favorito y con toda razón. Sus diálogos, comportamiento y caracterización impactan a la misma altura del resto que es imposible no apreciarlo.

En conclusión, Lucasfilm se sacó la lotería gracias a este diverso elenco de actores, guionistas, técnicos, productores, diseñadores, editores, etc. Todos salimos ganando y eso es lo que verdaderamente importa. Esperemos y no sea la última producción de Edwards porque su acercamiento de guerra deja una profunda marca de la cual será comentado para siempre. 

Crítica de Inframundo: La Guerra de las Sangre

Después de haber salvado a su hija, Selene se encuentra deambulando sola y sin un propósito hasta que David, un viejo aliado, la encuentra  ofreciéndole la oportunidad de integrarse al último clan de los vampiros en víspera de yacer al borde de la extinción ante el ascenso de Marius, un lycan con una fuerza e inteligencia nunca antes vista en su especie.

Hay mucha más historia de la percibida a simple vista y se agradece por ello, ya que regresar a lo básico resultó una sabia decisión considerando como El Despertar se desenvolvió de forma genérica. Floja por así decirse pero aún lo suficiente entretenida en comparación con otras. Sin duda el guionista Cory Goodman supo como expandir este enganchador legado.

Hecho está que contamos con el retorno de la guerra, más no de forma típica porque se desarrolla desde varios ángulos y he aquí su imprevisibilidad. Tanto vampiros como lycans no son de fiarse entre estos. El pasado sigue recordándose pero en cierta manera aquí no sólo se hace eco sino se evoluciona ante la revelación de un par de sensacionales factores.

En la misma tradición de la original, recibimos otra perspectiva en especial por el personaje de David. Theo James es más que un compañero, es un elemento vital a esta secuela y aunque me duela decirlo, su desenvolvimiento va mucho más allá en presencia que la de Michael quien sigue siendo un misterio al igual que Eve. Aunque enhorabuena se nos revelan ambos paraderos.

Dicho lo anterior, no puedo evitar comentar que Theo James lució mucho más aquí que en toda la saga de Divergente. Su química con Kate Beckinsale sigue siendo de las mejores, lo cual debo remarcar mi fascinación por ver como el personaje de Selene ha evolucionado hasta el punto de ser una identidad compleja, complica y emocional con la cual sostiene y eleva esta trama.

Sabemos quién es y de dónde viene, lo que es capaz de hacer cuando está motivada y aún así siempre tiene algo nuevo por aportar gracias al guionista y a la directora de esta ocasión Anna Foerster quien se mantuvo fiel a la fórmula original de esta franquicia. Efectos especiales, sonido, vestuario y una épica cinematografía en su más alta definición como era de esperarse.

Es obvio que las secuencias de acción son las mejores que ha tenido esta serie y todo gracias a su concepto. Como vengo diciendo, tanto vampiros como lycans lucen y con ello hago hincapié en Lara Pulver ya que en el papel de Semira resultó una total revelación en equivalencia a Tobias Menzies como Marius cuya personalidad se asemeja a la de Lucian.

En conclusión, no puedo evitar encontrar La Guerra de las Sangres como la mejor de la saga y más por su forma de concluir. Todavía existe mucho terreno por explorarse que inevitablemente estaré atento a una sexta entrega. Si esta resultase ser la última en la historia intercalada entre Selene y David, honestamente no tendría problema con ello.

Y haciendo referencia al formato 3D, realmente no es necesario pagar extra como fue el excepcional caso con Dr. Strange donde su mundo cinematográfico lo justificaba. Los efectos siguen siendo impresionantes pero de igual forma se pueden apreciar de forma tradicional al menos que no tengas opción por los horarios como sucedió conmigo.

Calificación: 3.5 de 5 estrellas

Crítica de Sully: Hazaña en el Hudson

Clint Eastwood no decepciona y con Tom Hanks y Aaron Eckhart, esta historia basada en el gran milagro en el Hudson se convierte en una adaptación de valor humano que debe verse por su impactante contenido ya que de vez en cuando nos hace falta acordarnos de lo buenos que podemos pese a tener todo en nuestra contra y sin previa advertencia.

La estructura no es del todo lineal, existen momentos en que nos regresamos al pasados, dos para complementar al Capitán Sully y otro par donde se nos relata lo sucedido en el enero 15 de 2009, lo cual fue el día en que el avión US Airways Flight 1549 sufrió la pérdida de sus dos motores  trayendo un descenso forzoso en las afueras de la ciudad.

Algunos estarán familiarizados con este acto heroico, estuvo bombardeándose en los noticieros; no obstante, yo desconocía la investigación tipo inquisidora por parte de la comisión debido al severo cuestionamiento que tomó Sully por aterrizar en el río Hudson cuando las simulaciones mostraban que sí podía haber llegado al aeropuerto.

Salvar vidas no estuvo en la ecuación, tal parece, ni mucho menos el factor humano siendo esto el elemento esencial por lo que Clint Eastwood fue seleccionado  para llevarla a la gran pantalla. Absolutamente nadie pudo haber hecho un trabajo de calidad como éste porque pese a ser un relato sencillo, es muy directo, profundo y eficaz por su narrativa 100% humana.

Me agrado la cierta crítica a las simulaciones y la ingeniería, también que haya brotado momentos de humor. La música temática como siempre te contagia como mejor suele hacerlo Eastwood. No nos olvidemos de su previo trabajo, El Francotirador, he aquí la constancia colectiva en el desenvolvimiento de los encuadres. Ni se diga del sonido y la edición, total nervios.

A estas alturas Tom Hanks puede hacerlo todo, y considerando su triunfo robado en Capitán Philips, espero de verdad que esta interpretación no sea ignorada porque créanme que nomás no pasa desapercibida. Sully debe sentirse orgulloso del tremendo profesionalismo pero más que eso, el enorme respeto que mostró Hanks al caracterizarlo en este crucial momento de su vida.

Tampoco descartemos a Aaron Eckhart quien comparte una gran química con Hanks y bajo su liderazgo con el de Eastwood se crece aún más que no me sorprendería verlo nominado en este trío. Lamentablemente Laura Linney permanece en el fondo, no me malinterpreten, cumple con su trabajo es sólo que el guionista decidió no meterse en la vida privada del Capitán.

Como vengo diciendo desde el principio, es una producción respetuosa no sólo de este heroico capitán sino de los sucesos que transcurrieron en aquel impactante evento. Obviamente no puedo evitar compararla con El Vuelo de Denzel Washington, por la secuencia de la cábina y el forzoso aterrizaje aunque obviamente preferiría mil veces Sully por ser una historia verídica.

Altamente recomendable para toda la familia, sin excepciones, Eastwood entrega como lo ha venido haciendo desde Río Místico y Tom Hanks sigue confirmándose como el mejor actor de todos los tiempos. Básica, ejecutada con calidad y no tan complicada como hubiese esperado uno ante la inserción de vistazos en el pasado. Honestamente, no te la puedes perder.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Jack Reacher: Sin Regreso (Never Go Back)

Posteriormente de ponerle fin a un traficante, Jack Reacher a la acción mediante una relación del que nunca anticipó lo llevaría al núcleo de otra conspiración. Costándole la vida a dos soldados y poniendo en cuestionamiento la carrera de Mayor Turner, Reacher hará lo mejor que sabe hacer para resolver esta situación, en conjunto con otro imprevisto familiar.

Para llevar a cabo esta adaptación, Tom Cruise se apoyó en el director Edward Zwick cuyas producciones de Diamante de Sangre, El Ultimo Samurái y hasta Amor y Otras Adicciones moldearan de una buena dosis de sentimentalismo a esta trama. Los combates no suceden así nomás, están motivados y se percibe en la coordinación del elenco.

Reacher tiende a trabajar solo, en referencia al campo, quizás hizo falta el punto de vista legal pero si fuese el caso, en su lugar hubiésemos tenido otra historia idéntica a la primera. No será tan impactante en cuestiones del crimen pero emocionalmente, esta secuela conecta en un punto humano situando a Reacher en un plano humanista.

Dicho lo anterior, el guión es estable y a su modo cumplió con las expectativas de la cuales Jason Bourne no pudo el verano pasado. Obvio que se aleja de Misión Imposible: Nación Secreta pero supera por mucho a las secuelas de Búsqueda Implacable. En especial por su secuencia climática, aquella persecución por más sencilla que parezca, te mantiene al borde de tu asiento.

Lo que me encanta de Jack Reacher es su sencillez, no requiere de estruendosos efectos especiales sino factores desenvueltos a través de un grandioso equipo de guionistas y en mayor parte a la dirección de Zwick porque sabe iluminar una atmosfera al aprovechar cada esquina de su contexto visual y no teme tampoco en llevar a otro nivel a sus actores.

Tom Cruise nunca falla y como Reacher sigue siendo el mismo aunque haber descubierto su lado sentimental, por más que traté de ocultarlo, es un resalte como lo apreciamos en Misión Imposible III. La sorpresa aquí es Cobie Smulders, quien más que una acompañante, se torna en el corazón de este misterio y me da gusto le hayan dado más que hacer a diferencia de Marvel.

El carisma de Danika Yarosh como Samantha resultó otra revelación, complementa de por sí al intenso evento y podría a su vez señalarse como la moldeadora del comportamiento de Reacher. En cuanto al villano Patrick Heusinger, la secuela no leo puso en la cima como al anterior mas eso no lo detuvo de sacar a flote su otra personalidad y ni se diga de sus secuencias de acción.

La recepción ha sido mixta como era de esperarse y su taquilla parece estar en la misma trayectoria. Menciono aquello porque espero y ver una tercera entrega, todavía hay mucho material por contar y hasta hoy, no me he sentido decepcionado. De principio a fin, el suspenso te atrapa y así te mantiene gracias a la brutalidad de su edición filmográfica.

Se quedará  a un centímetro de la grandeza narrativa de la original, pero la secuela no decepciona en lo absoluto en presentarnos otro misterio inesperado, violento y conspiratorio del famoso investigador militar. Para quienes les fascinó la primera, no veo el por qué no vayan a querer esta considerando que los mismos elementos la respaldan.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de La Chica del Tren (The Girl on the Train)

Basada en el bestseller de Paula Hawkins, nos sumergimos en el punto de vista de tres mujeres cuyos destinos se ven vinculados antes la desaparición de una de ellas. Como testigo, Rachel Watson teme no sólo por su futuro sino por su pasado ya que debido a sus problemas de alcoholismo, no logra recordar exactamente lo que sucedió aquella noche.

Como lector de la novela, debo confesar que encontré satisfactoria la adaptación por mantenerse fiel no sólo a la formula sino a los sucesos descritas eficazmente por la autora. Hubo una exageración entorno a su negativismo porque no encontré absolutamente nada malo en su esquema, siempre y cuando saquemos a Pérdida de la ecuación, y como debería hacerse.

Amabas producciones por más similares que sean, resultan totalmente distintas y únicas por sí solas. Considerando que aquí las mujeres interpretan roles más impactantes que los hombres, esencialmente Emily Blunt con quien muchos estarán de acuerdo en que ella se adueña no sólo de su personaje sino de la película entera.

Desde su primera escena abordo en el tren, su físico demacrado, sentimentalismo y confusión nos agarra desprevenidos. El papel de Rachel es demasiado complejo y en el proceso complicado de llevar a cabo y Blunt no titubeó en cumplir con la demanda. Indudablemente una de sus mejores actuaciones hasta el grado de recibir una nominación, si se es posible claro.

De ahí le sigue Haley Bennet cuya conducta también logra su fin de ser el centro de la atención, en contraste con Rebeca Ferguson que quizás podría sentirse la menos relevante hasta el acto final. Luke Evans se defiende con su impulsividad lo cual no es de extrañarse, Edgar Ramirez es comprensivo para variar y Justin Theroux es decente dentro de lo que cabe.

Quizás Lisa Kudrow, Allison Janney y Laura Prepon fueron desaprovechadas, pero en sus escenas contadas, se agradece su esfuerzo por poner en alto su participación. Básicamente el elenco es lo que intensifica esta sugestiva adaptación que en manos del director Tate Taylor, el suspenso de por sí te consume a fuego lento porque hasta de la misma protagonista se sospecha y con razón.

Bien actuada y adecuadamente desenvuelta en su estructura narrativa, no puedo evitar sentir el gran respeto por parte de la guionista Erin Cressida Wilson por mantenerse fiel al material aunque haya omitido ciertos elementos de violencia. Tal vez, innecesarios o redundantes, de igual forma no afecta en lo absoluto porque de por sí su contenido sigue siendo lo suficientemente agresivo.

Pese a su sencillez, creo que es una buena adaptación porque resulta lo bastante efectiva en su proceso de edición a diferencia de lo que dicte el conceso general. Con la excepción de algunas modificaciones, La Chica del Tren atrapa al espectador con su talentoso elenco sin importar que su giro sea descubierto como fue el caso de algunos lectores, incluyéndome.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de La Llegada (The Arrival)

En un día como cualquiera, el mundo recibe la visita imprevista de 12 naves alienígenas lo cual desata una gran tensión entre las naciones al desconocerse las intenciones. Con ayuda de la lingüista Louise Banks y el teórico físico Ian Donnelly, el Coronel Weber tratará de solucionar el misterio mediante la traducción y comunicación, antes de autorizar el uso de la fuerza militar.

Me sorprende encontrarme con una producción de ciencia ficción muy de acorde a los problemas en la actualidad y con ello me refiero al desuso del razonamiento mutuo, investigación científica sustentada y respaldada y esencialmente la falta de trabajo en equipo entre los líderes del mundo. En cierta manera su narrativa es justo el mensaje que necesitamos hoy en día.

No a muchos les va a gustar porque su trama es pausada, su desarrollo circunstancial cauteloso, no lineal en cuestiones de tiempo y existe una gran dedicación en la representación de la protagonista. Para bien o para mal, la conclusión es totalmente inesperada siendo la razón por la cual, su concepto trasciende por contener un sugestivo e ingenuo contexto de doble sentido.

Vaya manera de concientizar mediante la priorización del arma más esencial de todos los tiempos: la comunicación. La base de nuestra existencia y sobrevivencia radica en la forma de expresarnos y sin duda nos hemos olvidado de su rotundo valor como el guión de Eric Heisserer nos lo subraya. Requiere de una activa concentración para no perderse y créanme lo vale cada minuto de ello.

Sí andas en busca de acción, explosiones o una batalla por la sobrevivencia humana, está no será la película de tu elección al menos que estés dispuesto a navegar por una tormenta intelectual de conceptos, ideas y teorías. Después de Prisioneros y Sicario, Denis Villeneuve eligió bien porque a futuro, este trabajo le beneficiaría mucho a la secuela anticipada de Blade Runner.

Pese a su sencillez cinematográfica, hay mucho por asombrarse en la dirección de Villeneuve ya que los encuadres de los paisajes, los efectos especiales que rodean tanto el exterior como interior de la nave y el diseño de los extraterrestres están correctamente ejecutados. Inclusive su ritmo avanza a un paso veloz por ir poco a poco respondiendo las preguntas.

No obtendremos las respuestas que queramos y quizás nos cueste aceptar lo propuesto, pero si optas por poner tu mente en blanco, el suspenso fluirá y gracias a la sobresaliente actuación de Amy Adams que en conjunto con Jeremy Renner comparten una química agradable. Tampoco nos olvidemos de Forest Whitaker cuya presencia tampoco pasa desapercibida.

En conclusión, La Llegada nos pone mucho a pensar en nuestro comportamiento al momento de querer entender algo. Profundiza en la comunicación y a su vez nos contagia tensión ante lo desconocido. No teme en darnos respuesta ni tampoco a ofrecernos una segunda perspectiva, por lo que es una adaptación que merece ser vista aunque sea solo una vez.   

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Los Siete Magníficos (The Magnificent Seven)

La reunión entre el trío estelar del Día de Entrenamiento brindó frutos en compañía de otros talentosos porque la readaptación de este clásico de 1960 resultó a la altura narrativa de Los Imperdonables y Pacto de Justicia. Dicho esto nos encontramos ante una ingeniosa fusión entre drama, acción e inesperado sentido del humor.

Como es de esperarse Chris Pratt es el responsable de brindar a la mesa una chispa de comicidad por sus trucos e infinita carisma. En cada escena que interactúa como el apostador Faraday, es imposible no dejar de reírse de sus ocurrencias y más cuando la dinámica con el resto es contagiosa pese a la falta de profundidad en los personajes.  

No que sea considerado un error, esta generalización de perfiles se compensa con su correctamente estructurado y equilibrado guión. No pude evitar sentir a Peter Sarsgaard en el mismo tono de Jason Isaacs en El Patriota. Sólo necesitó de una escena introductoria para hacernos anticipar el duelo climático.

Quizás Ethan Hawke sea el elemento enganchador, al que nos hubiese gustado conocer su pasado, en especial por su relación con Lee Byung-Hun quien al lado de Martin Sensmeier, le dan otra sazón a este conflicto. Tampoco nos podemos olvidar del mexicano Manuel García-Rulfo cuyo español resalta gracias a sus raíces, imposible no reírnos de nuestras expresiones.

Tampoco pude evitar ver lo mucho que se parece Haley Bennet a Jennifer Lawrence, esa pasión por luchar y hacer justicia brilla en sus ojos en conjunto con su vulnerabilidad. Sin duda se torna en el corazón al lado de la humilde participación de Vincent D’Onofrio. Claro está que Denzel Washigton sigue siendo la estrella de ese escenario por su gran presencia.

Antoine Fuqua luce su cinematografía como lo hizo en el Rey Arturo manteniendo la esencia de los duelos y sobre todo, el manejo de las armas. Adopta el tono oscuro de El Justiciero, el lado sensible de Lágrimas del Sol, la agresiva y sangrienta violencia de Olimpo Bajo Fuego y la corrupción del Día de Entrenamiento. Como tal, es una dirección exitosamente aplaudida.

En cuestiones de historia es básica, a lo que va. No decepciona en lo absoluto, siempre en movimiento e interacción gracias al respaldo de un elenco multifacético. Por ese aspecto, hay bastante dinamismo que es imposible no compartir la preocupación por este reparto que al final transicionan en una especie de hermandad de la cual son propensos a morir.

Y dicho esto último, aquí no hay excepciones, el peligro es inminente para cada uno y por lo tanto me temo que las cabezas ruedan aunque nos duela. Esta revelación la aleja del cliché y en el proceso, se posiciona entre las mejores de su género haciendo lo que Los Odiosos Ocho nunca pudo hacer.

  

Calificiación: 4½ de 5 estrellas

Crítica de Dr. Strange: Hechicero Supremo

Stephen Strange es un aclamado neurocirujano cuya arrogancia lo hace retirarse al rincón más lejano del mundo con tal de recuperar su estabilidad en sus dos manos lesionadas. Tras descubrir la verdad mística, Strange se ve obligado a dejar su ego  con el fin de librar una gran batalla contra el temible y oscuro ex aprendiz del Ancestro Uno.

Con tantas adaptaciones de superhéroes que hemos tenido este año por  recapitular a Batman Vs. Superman, Deadpool, Capitán América: Guerra Civil, Escuadrón Suicida y X-Men: Apocalipsis; consideraba a Dr. Strange como la más débil de la ecuación. Vaya sorpresa que me llevé al descubrir que la travesía resultó mucho mejor de lo anticipado.

No se dejen engañar por la propaganda la cual la colocaba a la par de El Origen, que a mí ver es un cumplido aunque para otros se torna de doble filo por la confusión que suelen causar los distintos niveles de sueños que en este caso, se optan por dimensiones o mundos, pero que no cunda el pánico, es tan fácil de entender gracias a un locuaz par de diálogos y visualizaciones.

No cabe duda que los guionistas Scott Derrickson, C. Robert Cargill y Jon Spaihts son unos genios porque no sólo complementaron este universo sino lo respaldaron con un gran personaje y un sugestivo e infinito contexto cinematográfico. Sin duda es una producción que merece verse en 3D porque la edición de sus secuencias vale el precio de las entradas.  

De por sí Benedict Cumberbatch pone en el mapa a Dr. Strange con su presencia y carácter ego centrista, superando quizás a Robert Downey Jr en el proceso. De hecho ambas travesías son similares principalmente por esa transformación personal que sufren debido a sus errores, aunque el estilo va más encaminado a Thor por el desenvolvimiento de la magia y la comedia.

Cabe señalar que Derrickson también dirige y lo hace con calidad considerado el gran riesgo de haberse perdido en esta sugestiva e infinita gama de realidades. Todos los encuadres seleccionados, escenarios, vestuarios, iluminación y música luce a gran escala por su efecto realístico, pero más que nada, uno termina pasándola a todo a dar por su contagioso humor.    

En sí es la espontaneidad de Rachel McAdams y en mayor parte al sarcasmo de Cumberbatch. Chiwetel Ejiofor y Benedict Wong contribuyen con estabilidad aunque al igual que McAdams, sus personajes no reciben el suficiente tiempo para dejar su huella, todavía. Por otro lado, Tilda Swinton y Mads Mikkelsen lo compensan con su profesionalismo y vasta experiencia.

Para mi asombro, esta historia  no sólo entretiene sino diversifica el universo de Marvel con una dosis de innovación que en conjunto con su buen sentido del humor, dudo que pase desapercibida. Las recomendaciones comenzaran a fluir poniendo en marcha una secuela y asimismo, creando anticipación para Thor: Ragnarok debido a su gran referencia en los créditos.

Ya para que yo lo diga, Bestias Fantásticas se las verá duras teniéndola de competencia y más considerando como se debilitó tras extenderse de tres a cinco producciones. Para cualquiera que le gusté dejarse llevar por la magia del cine, Dr. Strange es una gran elección que no puedes perderte en los cines por lo bien que está escrita, diseñada, editada, actuada  y dirigida.

Calificación: 4½ de 5 estrellas 

Crítica de Inferno

El Profesor Robert Langdon despierta en un hospital sin tener recolección de lo sucedido durante dos días excepto por unas inquietantes visiones que describen un infernal porvenir. Intrigada por el misterio, la Dra. Sienna Brooks decide ayudarlo a resolver lo que fácilmente se convertirá en una carrera por la salvación de la vida humana.

Haber filmado en las localizaciones históricas de Italia resultó sensacional en manos de Ron Howard porque la belleza cultural de aquella ciudad se ve reflejada en su dirección, especialmente en las referencias y su enriquecedor arte como se capta en su cinematografía la cual resplandece desde su primera toma.

Como lector de la novela, sabía que no sería una obra fácil de adaptar y por tanto se aprecia el esfuerzo de David Koepp por darle profundidad y credibilidad a la de por sí fantástica prosa de Dan Brown. Verse esos giros reducidos a la mitad no sólo implementó ritmo a la trama sino la bautizó con una intensa sugestión desatada por su conciencia.  

Y digo conciencia por atreverse a tocar el tema de la sobrepoblación lo cual tiene lógica si lo apegamos a nuestra actualidad. Debo confesar que la inclusión del romanticismo en el tercer acto en conjunto con el arrebato del futuro de otro de los protagonistas me sorprendieron por no haber estado presentes en la novela.

Desconozco si hayan sido del agrado del autor pero por esa misma razón, esta tercera entrega se convierte en la mejor de la trilogía independiente de las terribles críticas que ha sufrido. Admito que sus agregados no son perfectos pero funcionan en su edición por enfocarse a la realidad. Aunque no hubiese estado de más haber sido un poco fiel al propósito de Zobrist.

A excepción de Tom Hanks, el resto de los nuevos integrantes tuvieron que desviarse de las descripciones de Brown. Tiempo limitado pero aprovechado al máximo como podrán percibirlo en Omar Sy, Ben Foster, Sidse Babett Knudsem, Irrfan Khan, Ana Ularu y ni se diga de Felicity Jones la cual se convierte en la pieza fundamental por su definitiva personificación como Sienna.

Hanks siempre ha sido una garantía y desde El Código Da Vinci ha sabido llevar a cabo este presencial rol. Al lado de Jones comparte una inesperada química de la misma forma con Knudsem. Sentimental hasta cierto punto sin descartar su buena dosis de acción porque esta vez corre más de lo que hemos estado acostumbrado a verlo.

Comparada con El Código Da Vinci, la destroza aunque ahí está a la par de Ángeles y Demonios, por un punto quizás porque la información alrededor de Dante y su obra no sólo nos entretienen sino nos hace apreciarlo mediante una cinematografía de calidad. Parecerá un revoltijo durante tres cuartos pero el cuarto acto rinde cuentas quedándose sólo un par de cabos sueltos.

Quitando el libro de la ecuación, esta secuela sobresale por su diseño, música, efectos,  artísticas localizaciones y elenco. Hay mucho por obtener de Inferno y tanto Howard como Hanks fueron justos con el contenido hasta el grado de arriesgarse a llevar a cabo ciertas modificaciones que podrían disgustar a los lectores. De ahí en fuera, recomendable por su culto suspenso.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Horizonte Profundo (Deep Water Horizon)

Basada en los hechos reales de la plataforma petrolera Deepwater Horizon en el Golfo de México en 2010, se narra la gran batalla de sobrevivencia que dieron los trabajadores en conjunto con las consecuencias que lo condujeron a convertirse en uno de los peores y controversiales desastres de la humanidad.

Posteriormente del rotundo éxito de El Último Sobreviviente, la segunda reunión del director Peter Berg y su protagonista Mark Walhberg culminó en otro triunfo cinematográfico gracias a su tremendo profesionalismo entorno a los delicados sucesos. Hubo mucho respeto de por medio, acompañado de honestidad y valentía por mantenerse fiel a las fuentes.   

Pese a enfocarse en los efectos especiales, la dirección de Berg cautiva no sólo por su suprema visualización sino por el desarrollo emocional de sus protagonistas. Cada uno importa ya sea en el fondo o en el primer plano, sin excepción, tienen sus momentos siendo esto una característica fundamental para comprender el proceso contextual de esta tragedia.

La ambientación va acorde a las especificaciones contextuales lo cual lo torna intrigante. Cada proceso, sistema y protocolo se nos explica con claridad lográndose así comprender el panorama en su totalidad. Los riesgos que se corren en este oficio son de prestarse atención y no sólo en el tono humano sino tecnológico y ecológico, porque nos afecta en general.

Se requiere profesionalismo y una amplia gama de conocimiento, estudios y experiencia porque la esperanza o el tanteo es lo peor que se puede aplicar bajo estas circunstancias. La importancia de llevar a cabo pruebas costosas tiene su justificación y su negación sólo trae consigo consecuencias como se estipula dentro de esta detallada historia.

La importancia aquí es la reacción humana ante esta clase de desastres y el guión lo deja bien claro al introducirnos las distintas situaciones de cada integrante, en esencial la conectada con la familia porque he aquí el autentico gancho. Excelente detectar que tanto director como guionistas se encontraban en el mismo plano de representación humana.

Yéndonos al campo visual, vaya manera de activar la adrenalina en uno porque la tensión generada en sus extraordinarios efectos te mantiene a la expectativa tras una introducción simpática en manos de Kate Hudson, Mark Walhberg y la niña. Aunque lo duden, la secuencia de la caída de Deepwater Horizon es dolorosamente épica en mayor parte a su elenco.

Walhberg no acapara la pantalla como creerías; su personaje es esencial pero aún más en compañía y he aquí su formidable contribución cuando emite su profunda preocupación durante el tercer acto. Su química con Hudson se torna una revelación desde cualquier plano. Esperemos y no sea la única vez que trabajen juntos.

Kurt Russell ejecuta una de las secuencias estruendosas considerando la situación en la que se encontraba. Me alegra haber tenido una escena compartida con su hija Hudson, breve pero apreciable. Tampoco podemos olvidarnos de Gina Rodríguez y Dylan O’Brien, poca presencia pero lo suficientemente justificables para importarnos.

Ni se diga de John Malkovich, sin importar el rol que desempeñé, siempre entrega lo mejor aunque en esta ocasión haya sido el antagonista corporativo. Tan así de eficaz como siempre. También hubo otros como Suplee, Frost, Sande y Maldonado que contribuyeron con un poderoso sentimentalismo en medio de la recreada brutalidad.  

La convergencia entre los Efectos Especiales, la Cinematografía y la ejecución del sonido ponen en alto nombre a esta producción porque su edición fílmica nos transmite ese miedo ante el fuego esparcido alrededor de Horizonte Profundo. Inclusive desde antes, se nos va transmitiendo esa vulnerabilidad de la cual no podemos despegar la vista ni por un segundo.

En conclusión hemos dado con una emocional travesía inmersa de acción, suspenso y poderosas actuaciones que nos muestran la peor tragedia en la historia petrolera de los Estados Unidos.

Calificiación: 4½ de 5 estrellas 

Crítica de No Respires (Don’t Breathe)

Rocky, Alex y Money deciden ponerle fin a su oficio de delincuentes al robarle a un veterano ciego cuya herencia aspira a los 300 mil dólares. Desafortunadamente nada saldrá de acorde a lo planeado al toparse realmente con un asesino militarizado que los pondrá a merced del absoluto silencio en orden de poder sobrevivir.

Antes que nada aplaudo la dirección de Fede Alvarez por el simple hecho de generar un ambiente aterrador en espacios reducidos. En serio, la taquicardia está a todo lo que da lo cual es extraño dada su corta experiencia. La selección de las locaciones, los diálogos y las acciones son coherentes aunque existe una que otra falla que la torna predecible, pero se perdona.

En sí la maravilla gira en torno a las actuaciones, en especial Stephen Lang quien nada que ver con su antagonismo en Avatar. En el rol del veterano ciego, Lang mantiene su sorprendente condición física llevándole al otro extremo del terreno psicológico. Hay un motivo detrás de sus acciones siendo la gran causante de la innovación fílmica y constante recomendación.   

Se trata de una inquietante experiencia a través de los ojos de Jane Levy. Interpretando a Rocky, ella nos mantiene enganchados hasta el final y aún más al lado del joven Dylan Minnette. Me hubiese gustado haber tenido más desenvolvimiento entre los dos, había potencial y tiempo, mas nos convencen hasta el punto de preocuparnos por ellos, pese a ser criminales.

El guión también le pertenece a Alvarez y con mucha razón se puede notar en su estructura porque en el transcurso de 88 minutos se cumple con lo demandado, porque créanme, al menos brincarán tres veces de los buenos sustos. Ello yace en la tensión transmitida por la edición y ejecución del sonido porque no puedes despegarte ni por un momento.

La debilidad más que nada se origina en su falta de una catarsis, no sé siente que culminé la historia en un 100%, varias dudas quedan pendientes como el interés de saber aún más que considerando su triunfo en taquilla, no podría sorprenderme de ver en un futuro una segunda entrega.

Entonces, vuelvo a repetirlo, se percibe la excelente mano obra en los encuadres, iluminación, maquillaje y por qué no, música también. Los $ 125 millones recaudados a nivel mundial son más que suficiente para llamarla un éxito y considerándola como la única, merece destacarse por entregarnos algo distinto y sólido en su horror-suspenso.  

Hubiese optado por otro clímax pero de ahí en fuera, me intriga su concepto original, enganchadora tensión y la caracterización de los protagonistas ya que no se trata de cualquier película de horror, sino si núcleo es lo bastante emocional y psicológico como para darle un giro a los sucesos aunque en momentos caiga en los clichés de su género.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Atentados en Paris (Bastille Day)

En víspera del Día de la Bastilla, Mason roba un bolso del cual contiene un explosivo que desencadena accidentalmente la muerte de cuatro inocentes. Siendo perseguido tanto por la policía de Francia como por un grupo criminal, no tiene opción más que cooperar con el renegado agente Briar de la CIA con el fin de prevenir el siguiente atentado terrorista.

Debido a la tragedia ocurrida hace un par de meses, las funciones alrededor del mundo fueron canceladas con la excepción en México cuyo retraso brindó frutos porque realmente se trata de una producción refrescasnte de acción sólida para su propio género  y ni se diga de su inesperado sentido del humor porque te saca un par de risas gracias al dinamismo de los protagonistas.

Más que la historia, la cual de por sí por más sencilla que sea, cumple con las expectativas de entretenerte de principio a fin gracias a su núcleo misterioso. En sí este concepto fue mucho mejor desarrollado en manos de James Watkins cuya veloz dirección supera mil veces a Focus por contagiarnos de escenas creativas de robos.

Vuelvo a repetir, el guión es básico y suficientemente equilibrado para introducirnos a este duo conflictivo de personajes. El detalle radica en el desarrollo de los personajes, inclusive después de haberse desatado el frenético clímax del cual algunos podrían identificarse o caer en la propia negación por verse demasiado sumergido en su explosivo trama.   

Todo gracias a la absoluta seriedad de Idris Elba, un actor de categoría por su alta presencia y profesionalismo cuando se trata de transmitir en pantalla. No que le haya sido difícil porque similar a su rol en la serie de Luther, se podría insinuar que reutilizó ciertos elementos, sin embargo fue su interacción con Richard Madden lo cual le inyectó de una chispa de comicidad.

Coincidirá en el mismo tono de frivolidad pero al momento de ejecutar sus trucos dentro del personaje, Madden se destaca pese a sus limitaciones físicas. Mucha seguridad sin duda, exquisito contraste. Lo mismo va para Charlotte Le Bon y Kelly Reilly por el apego sentimental por así decirse, en las cuestiones delicadas con respecto a los atentados.  

Mí única queja es que la edición tiende a desenfocarse en las secuencias de persecución o combates. Sea o no justificado, le resta calidad a la imagen de la cual de por sí luce por su amplia y artística cinematografía. Quizás por cuestiones de presupuesto, pero fuera de eso y haciendo excepción de la pobre melodía, lo que vemos es agradable para nuestros ojos.

Siempre y cuando no seas exigente, podría decirse que Atentados en Paris es el resultado entre la suma de Arma Mortal y Pareja Explosiva. Pudo haber sido mejor con un gran desarrollo de los personajes pero siendo lo que es, me es grato haberla disfrutado en sustituto  de Los Magníficos Siete.

Calificiación: 3½ de 5 estrellas

Crítica de El Bebé de Bridget Jones (Bridget Jones’s Baby)

Pese a ser un año de secuelas, debo confesar que aunque sus taquillas se han visto declinar, la calidad ha sido en su mínimo aspecto creativa y como tal efectiva en víspera de que esta tercera entrega supera a la segunda colocándose a la altura de la original por respaldarse en los elementos clásicos que pusieron en el mapa a la original.

Seguramente me vayan a llover toda clase de comentarios pero en mi defensa, soy un romántico. Así que ¿qué se le puede hacer? Cualquier seguidor sin duda acudirá a verla porque su contenido cumple con su propósito y más por Sharon McGuire por hacernos pasar un buen rato mediante ocurrencia tras ocurrencia.

Efectivamente McGuire fue quien la llevó a la gran pantalla en el 2001 convirtiéndola en un éxito mundial de $ 281 millones de dólares habiendo costado sólo $ 25 millones. Retomar la silla de directora resultó de mutuo beneficio por mantenerse fiel a la forma de pensar y reaccionar de la protagonista entorno a su estatus social y amor platónico.

Complicada es la vida de solterona de Bridget, que a estas alturas esperábamos verla felizmente casada con Mr. Darcy y con niños. Fue lógico la forma en que nos muestran las razones de este rompimiento y como Jones ha logrado mantenerse “estable” todo este tiempo. Es un buen giro verla delgada y tratando de conseguir su tercer aire.

Este desarrollo circunstancial y dinámico en su trama se debe a Emma Thompson quien además de hacernos reír con su inigualable participación, pulió el guión de Helen Fielding y Dan Mazer dándole ese encantador y crítico dilema. Incluso moderniza los ideales al incluir problemáticas actuales y entremezclarla con algunos valores, sobre todo la integridad.    

El sólo objetivo de contar con el retorno de Renée Zellweger, es suficiente para justificar esta secuela porque nunca falla en engancharnos con su esencial personalidad que transmite bajo esa madurez y grata espontaneidad. Cabe señalar que su química con Colin Firth sigue poderosa gracias a la formidable presencia de Firth.

Sí se extraña a Hugh Grant, en lo que cabe, aunque siendo honesto Patrick Dempsey nos lo compensa ya que nos entrega una actuación de revelación por haberse arriesgado a expresarse de humorística forma. Ni se diga la competitividad con Firth porque te roba de un par de risas, en especial con la cargada, la cena con los tres, las citas con la doctora y sobretodo la terapia.

La simpatía de Sally Phillips como Sharon es una tremenda adición y más al lado del cantante Ed Sheeran cuya breve aparición es de las mejores y no sólo por sus canciones. Jim Broadbent y Gemma Jones aparecen poco pero simplemente uno no puede extender esta historia sin los padres de Bridget Jones de por medio.   

En conclusión, no era necesaria de contarse y menos considerando el extenso transcurso de catorce años. Muchas cosas han pasado como la operación misma de Renée pero he aquí la chispa de encanto no ha perdido su resplandor porque la esencia de Bridget Jones nos demuestra estar en gran forma después de todo.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Star Trek: Sin Límites (Beyond)

Tres años después de haber derrotado  al formidable Khan, el USS Enterprise se encuentra en su tercer año de exploración cuando un altercado en la estación Yorktown los coloca en una misión de rescate la cual se tornará en una intensa travesía por su sobrevivencia ante el ataque de una fuerza del pasado.

Hoy en día existe mucho más competencia por mencionar a Star Wars: El Despertar de la Fuerza, Guardianes de la Galaxia, Avatar y próximamente Rogue One. Extrañamente Star Trek es una franquicia que ha estado perdiendo público americano aunque ha estado compensándolo lentamente a nivel internacional.

Es extraño considerando lo geniales que fueron las producciones de J.J. Abrams. En horabuena se requirió de otra mano y que mejor que la del director Justin Lin quien no pierde el tiempo de inyectarle su vibra de imparable acción y sublime humor. La formula de Rápidos y Furiosos 5-6 funciona a la perfección en esta trama mucho más dinámica y diversa.

En un principio se opta por darle un giro a la estructura narrativa ya que la tripulación es separada en dúos cuyas interacciones nos enganchan por no haber sido exploradas en el pasado. La estrategia es sacar a cada individuo de su zona de conforte y he aquí la clave por la cual esta tercera entrega  se renovada con calidad.

A estas alturas del juego, se es necesario innovar y Simon Pegg supo hacerlo al asumir el rol de guionista al lado de Doug Jung. Todos los personajes sin excepción se crecen porque comparten el mismo tiempo en pantalla y en primera instancia cuentan con su propio momento. Hasta las nuevas adiciones hacen la diferencia.

Visualmente hablando la cinematografía y edición son de las mejores presentadas debido al espectacular diseño de la estación Yorktown, el planeta Altamid cuyo panorama enriquece los combates y ni se diga de la invasión en el Enterprise porque es fácilmente la razón por la cual se vuelve relevante esta secuela.

Sirviendo como un homenaje a Leonard Nimoy, se toman el tiempo necesario para mandarle una merecida despedida aunque por otro lado, Anton Yelchin asume un rol protagónico al lado de Chris Pine que es difícil no evitar sentirnos nostálgicos por tratarse de su última participación como Chekov y vaya que logra un gran alcance. Sin duda será extrañado.  

De por sí Pine es la base y al lado de Zachary Quinto, estamos consciente de su brillante química que para variar se optó por emparejar a Quinto con Karl Urban descubriéndose así una de las mejores interacciones. Hasta Simon Pegg se torna serio por equilibrarse con la intrépida Sofia Boutella.      

Tampoco podemos descartar a John Cho y Zoe Saldana quienes podrían haber sido llevados un poco al fondo quizás por Idris Elba, ya que éste tiende a robar la atención y muy en especial durante el clímax. Su experiencia en escena con Pine contagia la atmosfera de sentimentalismo, fuerza física y sobretodo autocrítica.

En conclusión Star Trek: Sin Límites cumple con su título de no frenarse en adrenalina y humor porque una vez que despega te enganchas al instante y todo gracias a esta familia de actores y técnicos que han hecho lo posible por mantener la esencia intacta pese a sus dos irremplazables perdidas.

Calificación: 4 de 5 estrellas