Crítica de John Wick 2: Un Nuevo Día Para Matar (Chapter 2)

Intentando regresar a su retiro, John Wick se ve forzado a regresar a la acción a causa de un juramento de sangre hecho en el pasado. Ubicándose justo en el ojo del mafioso huracán, debe recurrir una vez más a sus habilidades legendarias en orden de cumplir con su misión y en el proceso sobrevivir de este círculo sin fin. 

Esta vez Chad Stahelski recibe todo el peso de la dirección debido a que su compañero David Leitch se encontraba ocupado planeando la siguiente Deadpool. De igual forma lo ayudó a producirla y en conjunto con el guionista Derek Kolstad se mantuvieron fieles a la naturaleza violenta derivada por este sugestivo e intrigante inframundo criminal.

Stahelski no recurrió a la formula sino la multiplicó por lo doble prestando suma atención a cada detalle de sus encuadres conforme captaba las intensas coreografías detrás de las persecuciones, peleas, disparos y cuchillazos. Al igual que la anterior, tenemos quebradero de cabezas y un gran salpicadero de sangre por doquier.

Es una travesía impresionante de experimentar porque prácticamente te deja sin aire y es imposible no contagiarse gracias a que el sentimentalismo continuó siendo el núcleo. Aunque sea a la brevedad, se percibe el conflicto interno en Wick. Dicho esto, la esposa sigue jugando un papel esencial en el moldeo de esta alma torturada.

Sigue sin perder la elegancia Keanu Reeves, interesante que esta proyección supere a las de Ethan Hunt y James Bond en cuestiones de presupuesto. El modo en que impulsa a Riccardo Scamarcio, Common, Ruby Rose, Ian McShane, Franco Nero, John Leguizamo y esencialmente Laurence Fishbourne, es de apreciarse y bastante.

El extenso entrenamiento en armamentos y combate táctico rindió frutos en Reeves porque logró trasladarse al siguiente nivel considerando las maniobras agresivas en las que se desenvuelve en las constantes secuencias de acción porque en definitiva son muchas y ninguna decepciona en lo absoluto, sino lo contrario, se superan entre sí.

Considerando de igual forma su cinematografía, la escena en la sección de los espejos en el museo es espectacular, los reflejos, los compartimentos secretos, la iluminación, el sonido y los efectos ópticos. Lo mismo va para las catacumbas, los exteriores de Roma, el concierto, la secuencia de la estación del tren  y ni se hable de la coronación de la hermana.

La calidad en su proceso de edición es increíble y por ende, imposible de no aplaudir ya que no bromeaban los críticos para variar. No cabe la menor duda de que JohnWick 2 hizo lo que las secuelas de Jack Reacher, Búsqueda Implacable, Spectre y Jason Bourne no pudieron hacer y fue exceder a la anterior.

Una secuela con el mismo calibre táctico de la primera y sin miedo a cruzar la línea. La formula no pudo haber estado mejor considerando la forma en que culmina ya que se puede sentir la adrenalina y el entusiasmo de ver lo que sucederá en la tercera parte, que sin duda la estaré esperando con emoción.  

Crítica de Jackie

Una trágica historia en manos de Natalie Portman quien el papel de Jackie le inyecta perspectiva e impacto político-cultural conforme al asesinato del presidente John F. Kennedy. Situada en 1963, justo en aquél suceso, analizamos la forma de proceder de esta primera dama quien mostró valor ante los peligros que la acechaban por mantener en alto el honor de tanto su esposo como familia.

Considerando la involucración de Darren Aronosfsky, comprendemos la recurrencia de Portman en el icónico rol, después de todo resultó la ganadora del Oscar gracias a la visión de Cisne Negro. Portman es fácilmente una de las mejores actrices hoy en día y con gusto recuerda ese lado dramático después de haberse divertido con Thor, dicho en buena manera.

Además de estar nominada justificadamente por Mejor Actriz, tanto Música también lo están y quizás en un descuido terminé llevándose el último por mantenerse lo más cercano a la moda de aquella época. Sí que Florence no hace de las suyas. Se aprecia el enfoque del arte, esencialmente en la secuencia de la Casa Blanca.

La música en parte transmite ese sentimentalismo, confusión y pérdida, porque te conmueve y muy en especial con los otros integrantes tales como Peter Sarsgaard, Greta Gerwig y principalmente Billy Crudup cuya interpretación del Reportero nos sumerge a importarnos en el objetivo del guión.

El chileno Pablo Larraín no es tan reconocido bajo este ambiente, una situación distinta a la suya y como tal se aprecia el intenso nivel de calidad con la que se acercañ aún más por el respeto otorgado a ella y su familia. Vulnerablemente esperanzadora se puede sentir en su edición, sí tuviera que referirme de ese modo considerando la escena del disparo.

No la biografía deseada por algunos, pero dicho tema sigue manteniendo la llama de justicia intacta gracias a las involucraciones del elenco. Tampoco nos olvidemos de John Hurt, nadie cómo él para manejar los aspectos religiosos, que para variar, nos inspiran con sabiduría, lógica y fe, y si no es suficiente, Portman es la razón por la cual debes ver esta adaptación.  

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Silencio (Silence)

Para que me sienta conmovido por una película de Martin Scorsese, ya es mucho decir porque previamente consideraba El Infiltrado como lo mejor de su trabajo y ahora debo ponerla en cuestión considerando el poderoso conflicto, las actuaciones y sobresaliente cinematografía en la que se desenvolvió esta odisea cristiana.

No cabe la menor duda que Rodrigo Prieto merece la nominación y hasta podría ganarla no por la racha posterior de Gravedad, Birdman y El Renacido sino por la extraordinaria esencia transmitida en las localizaciones selectas. Tanta vida como tanta muerte, tanta belleza como suciedad, cuánto espiritualismo silenciado por un entorno vibrantemente injusto.

Todo esto podemos percibir de un grupo de sacerdotes que deciden viajar a una peligrosa Japón con el propósito de averiguar el destino de uno de sus grandes maestros. Sin embargo, una vez allá se encuentran con que su cruzada no será tan fácil porque las fuerzas del mal del Inquisidor desataran la constante tortura con tal de hacerlo renuncia a Dios.

Bajo unas circunstancias delicadas debido a la inquisición, Jay Cocks fue valiente al dar a conocer a los sacerdotes que fueron orillados a abandonar su fe ya que Japón lo tenía como inaceptable y por ende lo castigaba con la constante tortura de los seguidores. Scorsese fue respetuoso en la persistencia de estos sacerdotes cuyo silencio adoptó un nuevo sentido ya que inevitablemente trasciende en un tono humano.

Como era de esperarse, se requiere paciencia en estas tres horas; de por sí las películas de este director tienden a ser pausadas, lo cual hace crecer al personaje principal que en esta ocasión Andrew Garfield entrega otra de sus mejores actuaciones a la Hacksaw Ridge. Primero un adventista ahora un católico ¿interesante compresión de su parte?

Adam Driver se ve distinto comparado con El Despertar de la Fuerza, moreno y excesivamente delgado, aunque al final es opacado por otro integrante de la familia Star Wars y en grande debo reconocerlo. Los diálogos de Liam Neeson brillan por su sólida expresión y se evidenciada en sus escenas que comparte con Garfield.  

Similar a La Pasión de Cristo o Corazón Valiente, no está del todo en su liga pero si comparte su acercamiento divino. Su grado de violencia es impactante gracias al contexto, diseño y arte. El sello aquí es Garfield quien de principio a fin hace suyo este recorrido sentimental hasta el punto de no poderse contagiar por los dilemas en los que se puede tropezar en el nombre de Dios.

El conflicto de mantenerse fiel a los votos o renunciar a las creencias por hacer el bien es tan intenso porque independientemente hay acciones que van en contra de los prejuicios, la moral y he aquí la gran lección recibida a tratar porque una vez entrando los créditos, te hará generar una opinión al respecto sobre la fe en general porque es imposible no despegarse ante este silencio.  

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Florence Foster Jenkins

Basada en la historia real de Florence Foster Jenkins, Meryl Streep interpreta a esta hermosa mujer cuyo sueño la lanza al estrellato sin importar que carezca de los talentos suficientes para ser referida como una gran cantante de ópera. En el nombre del amor, su esposo y asociado pianista deciden correr el riesgo de ser ridiculizados y la respalda todo el camino sin importar las consecuencias.

Nominación tras nominación y bien merecida está última para Streep quien nomás no parece tener una mala reseña. Otra vez lo hace de nuevo y vaya riesgo que nos compartió porque es un desenvolvimiento de doble filo que nadie lo pudo haber enternecido con humanidad e inocencia, nadie nos hubiese contagiado de esta hermosa pasión por la música.

Hubo un par de sorpresa en el camino, Hugh Grant en especial me sorprendió de verlo tan definido. Su carisma sigue intacta pero su elocuencia y dramatismo estuvieron en primera clase. Empiezo a creer que le robaron la nominación, honestamente me hubiera conformado con Actor de Reparto porque indiscutiblemente se lució con Streep.

Tal parece Jim Parsons no es el ٗúnico en actuar en las grandes producciones con grandes actores, aquí Simon Helberg se sale de su estereotipo y adopta humildad al lado de Streep. Su emotividad no es nada nuevo, su personalidad es aquí su grano de oro porque de poco en poco te va arrastrando hasta el punto de caernos bien.

A Rebecca Ferguson la siento desaprovechada más eso sucede cuando tenemos a una gran actriz ansiosa por dejar su huella sin importar la reducción biográfica de su personaje. Pero me temo que no había de otra forma, de por sí el guión de Nicholas Martin está extremadamente completo dentro de lo que cabe.  

El director no era ningún extraño al género, con títulos como La Reina y Philomena, Stephen Frears sabía lo que tenía en manos y no titubeó en hacerle justicia a esta mujer como ha lo hecho en el pasado. No ha tenido la fortuna de ganarse su Oscar al igual que Ridley Scott pero tarde o temprano terminará recibiendo uno.

Cualquier obra que dirige logra no sólo conmovernos sino esencialmente humanizarnos. Recordar que la belleza no está en lo físico sino en el corazón. De ahí surge la inspiración, la pasión por hacer algo sin importar lo cuan limitado que estemos o lo más tonto que sonemos. Enhorabuena te ríes. Si se tiene el suficiente amor por uno mismo, entonces todo es absolutamente posible.

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Moonlight

Estoy un poco decepcionado de ver una conclusión débil después de dos sobresalientes actos. Indudablemente es una historia dura, controversial y emocionalmente intrigante desde varios aspectos considerando como su estructura cubre la niñez, la adolescencia y la adultez de alguien cuyo propósito es hallarle sentido a su vida y en el proceso sobrevivir ante los peligros que lo acechan. 

Los tres actores que interpretan en las distintas fases a Chiron son lo bastante parecido por lo que la continuidad se siente en el lado expresivo. En sí no hay una mejor interpretación, los tres cumplen con lo requerido y gracias a Naomie Harris, obtienen crecimiento aunque es una lástima que Mahershala Ali haya sido desaprovechado, viendo lo esencial que se tornó en el primer acto y su nominación es la clara evidencia de ello.

Contextualmente es inquietante por saberse de antemano que esta situación está inspirada en la forma social de Miami. Aunque su realismo la hace un factor identificable entre algunos sin importar en donde se ubiquen. El director y guionista Barry Jenkins  hizo un reconocible trabajo aunque no la veo cerca de adquirir un premio y si lo fuese a expensas de Lion, entonces podría sentirme decepcionado porque esta segunda cumple con entregarnos un mensaje del corazón.

No la mejor de las nominadas, tampoco la peor ya que de eso Fences se hizo cargo. La historia sólo nos enseña un lado oscuro de la realidad de la cual su elenco se hizo responsable de transmitirla tal como debía hacerse. Si tan sólo hubiesen agregado un cuarto tiempo o aquella luz de esperanza hubiese sido desenvuelta, quizás y el desenlace se hubiese salvado y en grande porque no se necesitaba recurrir a la imaginación.

Calificación: 3½ de 5 estrellas

Crítica de Fences

Lo único que podría valorar es la intensa actuación de Viola Davies y la fluidez de Denzel Washington porque usualmente éste último tiende a estar serio y he aquí la excepción, el hombre no se calla en lo absoluto. Esto me hace sentir a Fences en una especie de monologo pero al menos es interesante en su contexto el cual abarca desde el tópico familiar hasta el deportivo de aquella época.

En cierta manera la siento desaprovechada, su guión es tedioso durante sus dos horas de duración porque en cuanto sucede lo bueno, es mediante dos secuencias de rupturas de las cuales no existe seguimiento alguno. Nada de catarsis o segundas oportunidades entre los heridos, por ende es frívola y cerrada a su contexto escaso porque no suelen escapar del mismo vecindario, es más, a duras penas salen al patio de la misma casa.

Teniendo a títulos como Belleza Colateral o Sully, indiscutiblemente Fences terminó robándoles su lugar y de mal gusto. Aún así hace lo posible por entregar su mensaje, cuál sea que haya sido porque el orgullo y la prepotencia sobran. Más que una película, parece un documental por permanecer siempre en la misma zona de conforte y probablemente por ella se sienta que no avance ni enganche.

Para tratarse del primer trabajo direccional de Washington, está decente pero le hace falta aún por adquirir experiencia en el departamento de edición, música y especialmente en el guión. Lo único sobresaliente es su actuación como la de sus compañeros, en eso no se equivoco, así que espero haga ese reajuste en su proceder y le inyecté de adrenalina a su desarrollo histórico y variedad a su cinematografía.

Calificación: 3 de 5 estrellas

Crítica de Lion: Un Camino a Casa

Estando en los barrios bajos, el pequeño Saroo le ayuda a su hermano Guddu y a su madre para poder sobrevivir. Siempre tan atento y responsable, decide acompañar a su hermano para un trabajo en las vías cuando accidentalmente éste se pierde iniciando una travesía de la cual te conmovedora de principio hasta el final por estar inspiradas en hechos reales.

Los riesgos por los cuales pasó este valiente niño de cinco años en una India tan caótica nos da una tremenda lección de vida ya que nos pone a cuestionar sobre los problemas que tenemos. Tras culminarse esta historia, no pude evitar sentir que hay problemas que realmente no ameritan tanta importancia como creemos, esto sí es realmente alarmante y una cuestión a analizar.

El guionista Luke Davies es un candidato seguro a recibir esta estatuilla el excelente grado de calidad humana que inyectó en esta compleja y  a su vez complicada adaptación sobre un crecimiento interrumpido, la adopción, la pérdida, la tragedia, la disfunción familiar, la crisis existencial y la búsqueda de identidad en base a un pasado en pausa.

El director Garth Davies nos presenta dos partes de esta sugestiva realidad, unificadas por la esperanza y equilibradas por los buenos actos tanto de fe como de acción humana. Tenemos oscuridad e iluminación. En ambos se nos muestra su contexto para comprender el posicionamiento de Saroo, todo por lo que pasó hasta reencontrarse. 

Me recuerda bastante a Slumdog Millionaire, inclusive mantiene la misma estructura y similar banda sonora pero tratándose de una historia real, su narrativa resulta mucho mejor por su enganche emocional e impactante suspenso. Aquí la catarsis es inolvidable y con eso, se asegura que la primera hora te deje boquiabierto y ni se diga del acto final.

La vida es terrible y bajo ninguna circunstancia el director lo suaviza, al contrario, se es fiel a los eventos descritos por Saroo Brierley quien bajo la interpretación de Dev Patel lo convierten en un favorito a robar en los Oscares porque sinceramente su actuación es así de madura como asombrosa.

Tampoco descartemos a Sunny Pawar como el niño Saroo ya que él solito se hace cargo de mantener en alto la primera hora. De todos los niños que he visto actuar, indudablemente este es de los mejores porque domina cada escena en la que aparece gracias a su espontanea intuición y física conforme se enfrenta a las dificultades de ser un niño callejero

No es de extrañarse que Nicole Kidman esté de vuelta en el juego de las nominadas, y con mucha razón considerando como en el papel de Sue Brierley nos entrega una faceta distinta a la que hemos estado acostumbrados. Una madre en toda la extensión de la palabra, es más, su puro rostro refleja esa tensión, preocupación y deseo de bienestar hacías sus hijos.

Quizás Rooney Mara esté en el fondo pero de igual realza a Patel ofreciendo una especie de paz y sincero humor para contrarrestar la tensión. En cuanto a David Wenham, no les será tan familiar pero su nobleza sigue siendo perceptible del mismo modo que lo hizo en El Señor de los Anillos: El Retorno del Rey y en Australia.

Culturalmente está bien representada y cinematográficamente no tuvo temor de mostrarse tal como es; la edición le da agilidad y movimiento haciéndola rítmica, el vestuario y la música benefician a la de por sí vulnerable atmosfera convirtiéndola en una adaptación de valor por su enorme corazón. Honestamente ¿qué estás esperando para verla y dejarte conmover?

Crítica de Split (Fragmentado)

Tres adolescentes son secuestradas por un hombre que sufre de 23 personalidades de las cuales convergen en la búsqueda de una 24 mucho más poderosa que los proteja del abuso de los demás. Percibiendo el temor que alberga en su mente, la psiquiatra Fletcher hace lo posible por mantenerlo en la luz previniendo que sea reclamado por la oscuridad.  

Ha sido una década desde que no obteníamos un gran éxito de M. Night Shyamalan ¡Vaya regreso! Con un presupuesto de sólo $ 10 millones pudo entregarnos un fantástico suspenso inmerso en el trastorno de la personalidad y su capacidad de evolucionar mediante la fe y el deseo por la aceptación. Con mucha razón ha recaudado cerca de los $ 200 millones mundiales.

Relativamente básica y asimismo compleja debido a sus temáticas, Shyamalan innova dentro de esta ciencia brindándonos algo por lo que estaremos platicando por los siguientes meses, en víspera de que lo descrito no recae tan lejos de la realidad. Un guión intrigante que de por sí en sus manos, nos hizo a recordar de la calibre direccional de Señales y El Sexto Sentido.

Cada habitación, escenario, vestuario, ideología, diálogo, gesto e imagen nos transmiten no sólo las 23 personalidades de este antagonista sino inclusive de la protagonista porque aunque no lo crean, vemos las dos caras de la misma manera hasta el grado de asumirlo como el elemento sorpresa porque dentro de este mundo, todo puede suceder y con mayor razón.

James McVoy entra un nivel nunca antes visto, de por sí sabíamos de su talento posterior a triunfos como X-Men: Días del Futuro Pasado y El Ultimo Rey de Escocia, pero nunca imaginé su capacidad de caracterizar a cinco de las 24 identidades establecidas en esta poderosa mente, por lo que merece la nominación aunque deba esperar todo un año para recibirla.

Lo que funcionó en perfecta sintonía fue la inserción de Anya Taylor-Joy porque no es la típica damisela en peligro, totalmente lo opuesto a sus compañeras, tiene una astucia y un nivel avanzado de instinto e inteligencia detonado no por un pasado exquisito como creeríamos. Taylor-Joy tiene potencial porque aquí nos lo demuestra todo el camino y ni se diga del final.

Siguiendo en la misma carrera aunque desde la psiquiatría, Betty Buckley contiene quizás las mejores escenas que un profesional de su materia quisiera tener en la gran pantalla dado que sus terapias mentales con McVoy fueron ingeniosamente brillantes. Es imposiblemente no sentirse cautivado por el horror y el enriquecimiento científico-cultural.

La edición también juega un papel esencial sobre todo cuando La Bestia es desatada, por así expresarse. Los encuadres selectivos hacen lucir tanto atuendo como los gestos que adopta McVoy conforme se transforma y lleva a cabo sus múltiples acciones. Nunca perdemos el hilo de lo que sucede a su alrededor y con esa ejecución de sonido, es posible sufrir un par de sustos.

Psicóticamente es impresionante y con un giro en sus últimos minutos que te mantendrá acelerado de una emoción que no te la vas a acabar por lo que está por venir en esta especie de universo cruzado. Seguramente tendrás una idea y al igual que yo, estarás equivocado hasta que no lo descubras por ti mismo porque vale la pena hacer todo este recorrido.

Calificación: 4½ de 5 estrellas

Crítica de Manchester Junto Al Mar (Machester by the Sea)

Amazon Studios consigue un sentimental drama en toda su extensión, bella en su cinematografía, caótica en su narrativa, con una humana dirección, recta edición y esencialmente una poderosa entrega por Casey Affleck al interpretar a Lee Chandler quien en un interminable duelo se pone al cuidado de su sobrino tras la esperada muerte de su hermano mayor.

Los reconocimientos de Affleck están justificados, no que su interpretación sea superior a los de sus competidores, simplemente se encuentra en la misma liga por desenvolverse bajo un demandante y complejo rol emocional cuyo melodrama no fue siquiera la base, sino la proyección misma de un hombre marcado mentalmente por la tragedia.    

En la silla del director, Kenneth Lonergan se toma su tiempo en mostrarnos cada detalle de la vida de estas personas de las cuales a su vez desenvuelven conforme reacciona el protagonista.  Sencilla y hasta espontáneamente humorística pero eficazmente seria, su ritmo es pausado por lo que se requiere de atención porque tiende a profundizar con escenas del pasado.

En ningún momento le resta el buen ritmo, al contrario, distribuyen la tensión siendo un resalte la omisión de diálogos. Para depender de la música y expresiones del elenco en ciertas escenas, es un gran mérito de Lonergan porque suele ser de doble filo. Contagiarnos de ese dolor, silencio, culpa y arrepentimiento, se requiere de tacto.

Con sólo un par de escenas y Michelle Williams recibe una nominación, y con mucha razón al lado Affleck ya que comparten la mejor de todas, aunque para Affleck, este mantiene muchas más al lado de Lucas Hedges quien tampoco se quedó atrás viendo como también obtuvo la nominación como reparto. Cabe mencionar a Kyle Chandler por su sutil desempeño.  

Referida como un drama casero, tiene mucho valor sentimental del cual te hará cuestionar sobre la vida misma, tu rol en esta y tu forma de percibir ciertos riesgos. De qué tendrás una opinión, obviamente por su gran giro en el intermedio. Quizás su única debilidad haya sido adoptar una especie de música clásica-formal, en mi lugar lo hubiese aligerado con violines o acústica.

El tema principal es el cuidado de la juventud, la forma de lidiar con las tragedias y aprender de ellas, ya que muchos tienden a quedarse aferrados al pasado o hasta ponerse en fase de suicidio considerando la escena con la pistola. No un relato de redención como quisiéramos pero si el de una perspectiva no tan distante del sufrimiento humano.

Indudablemente sus seis nominaciones están justificadas: Mejor película porque no veo una mejor manera a inspirar a los futuros guionistas o directores a confiar en historias cuyo presupuesto sean inferiores a los $ 25 millones y donde los efectos especiales recaigan en actores de porte como Affleck, Williams y Hedges.

Finalmente cabe señalar que además de director, Lonnergan también lleva adherido el Mejor Guión Original y con buenas posibilidades. Con esto se demuestra la buena mano que tuvieron John Kransinski y Matt Damon al atreverse a producir este drama honesto que ha logrado dejar su huella entre las nominadas. 

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de Enemigo de Todos (Hell or Hight Water)

Posteriormente de haber recibido cuatro nominaciones de la Academia entre estos Mejor Película, Actor de Reparto, Guión Original y Montaje, me fue imposible no analizarla en víspera de su reciente estreno. Difícilmente se hará acreedor de una estatuilla pero para CBS Films, encontrarse compitiendo entre las mejores es más que suficiente para referírsele como un éxito.

La historia se enfoca en Toby Howard cuya relación con su hermano es puesta en peligro tras inmiscuirse en una serie de robos con la finalidad de sacar a su familia adelante. En contracara tenemos a dos Rangers a cargo de rastrear a estos hermanos y ponerles un alto aunque esto signifique recurrir al uso de armas dentro de un pueblo tan empobrecido.

A simple vista no parece tener mucha profundidad descriptiva a excepción de un eficaz guión. Teniendo a Sicario como antecedente, Taylor Sheridan define a sus protagonistas y antagonistas de forma directa y sin rodeos; inclusive se llega a un punto en que no sabemos a quién respaldar porque ambos bandos gozan de un contexto justificado.

A falta de una conexión emocional, el director David Mackenzie lo compensa con la acción y el suspenso, especialmente durante el primer y último acto. No se deja llevar por los prejuicios simplemente se enfoca a desenvolver físicamente y mentalmente a cada uno de los cuatro integrantes de este de por sí talentoso cuarteto.

Me es extraño ver fachoso a Chris Pine, obvio que había optado por un rol similar en Imparable pero como Toby, hace a un lado su carita y se torna brutalmente serio tal como se le requería. Junto a Ben Foster, se capta el contraste aunque a estas alturas Foster ha demostrado ser absolutamente una garantía ante roles como El Último Sobreviviente e Infierno.  

Efectivamente Jeff Bridges se merecía agregar otra nominación a su impresionante currículo. Similar a Temple de Acero pero no del todo ya que suele estresarte la mitad del camino para que en la otra mitad terminé llevándose la mejor escena. Su compañero Gil Birmingham se benefició al tenerlo siempre a su lado, de lo contrario, hubiese pasado desapercibido.

Para ser básica su cinematografía, indiscutiblemente el montaje fue excepcional viendo como la película corría el riesgo de caer en lo genérico por ser pausada y ligera en su tratamiento interpretativo. No que la encuentre la desvaloré, es sólo que si no fuese por Bridges, Pine o Foster, difícilmente la hubiese visto contender con el resto de las nominadas.

Calificación: 3½ de 5 estrellas

Crítica de Lego Batman: La Película

Durante una misión para prevenir la destrucción de  Ciudad Gótica, un ego centrista y sarcástico Batman logra salvar el día no sin antes ocasionar que tanto su orgullo como frivolidad siembre un terrible deseo de venganza en su supuesto archí enemigo. Esta vez necesitará del total apoyo de unos aliados inesperados con quienes aprenderá a vencer su más grande miedo.

En lo que cabe, se trata de una gran historia animada, sorpresivamente con un corazón a pesar del radiante humor. Inclusive se siente mucho más segura y eficaz en su narrativa en comparación con Batman Vs. Superman y Escuadrón Suicida. La forma en que se burla de los errores de las antepasadas e innovó con respeto ciertas secuencias la pone en consideración para el futuro.  

Honestamente esta versión de Batman podría funcionar en la pantalla seria, no en cuestiones visuales porque me sigue mostrando los pixeles de los personajes, el contexto y el bombardeo constante de acción. Básicamente su más grande logro además de situarse en la personalidad excéntrica del Caballero de la Noche, yace en su guión.

Por enfocarse a ese universo y darse esas libertades a la Deadpool, Chris McKay sin duda es un genio para haber transmitido tanto sentimiento. Claro está que no paras de reírte en sus 90 minutos, la verdad existen diálogos oro y hasta debo dárselas al equipo de animación porque la edición es estable aunque en sí, la música es lo que le inyecta adrenalina y estilo.

Michael Jackson parece ponerse de moda otra vez y aplaudo ese reconocimiento durante la exposición de una de mis canciones favoritas. En este caso me tocó escucharla en español y creo que los actores hicieron un gran trabajo en doblar las voces porque inclusive se hacen referencias de acorde a nuestro contexto cultural.

Es de esperarse que Will Arnet luzca en inglés pero me quedó intrigado con escuchar las voces de Michael Cera, Rosario Dawson, Ralph Fiennes, Mariah Carey, Billy Dee Williams, Channing Tatum, Jonah Hill, Hector Elizondo, entre otros. Quedó en duda si me animé a volverla a ver porque pese a estar decentemente entretenida, son de esas animaciones que con una vez es más que suficiente.

Calificación: 3 ½ de 5 estrellas

Crítica de Talentos Ocultos (Hidden Figures)

Basada en la historia real de tres matemáticas afroamericanas cuyo impacto en el programa espacial de la NASA en 1961 definieron el futuro de la humanidad al lograr hacer los cálculos esenciales para poner a un hombre en el espacio y teniendo bajo obstáculo no sólo los números sino la discriminación racial. 

Este guión sin duda representa uno de los mejores escritos de 2016 por su excelente simetría en cuestiones de desenvolver a varios personajes en un amplio y conflictivo contexto socio-político. No obstante, verlos crecer sin perder la compostura de la dignidad y el esfuerzo colectivo la vuelven en un tan merecido ejemplo a admirar.

Pese a llevar ecuaciones en su narrativa, esta adaptación es pura emoción por centrarse en las relaciones humanas. Gracias a la interacción y correcto manejo de los diálogos podemos ir al ritmo de la trama la cual equilibra sus elementos de suspenso, drama y humor. Además con un gran desarrollo individual incluso de los secundarios, es difícil no engancharse.

Para contagiarnos de esta pasión se requirió de un gran director y no cabía duda que después de disfrutar St. Vincent, Theodore Melfi era el indicado para llevar a cabo esta narrativa sensitiva. Sin miedo a mostrar la realidad de aquella época, también fue capaz de transmitir como algunas restricciones fueron cediendo gracias a la fuerza de voluntad e innovación de algunos valientes.

Melfi tenía a su cargo a un gran talento, quizás de los mejores tomando en cuenta a las protagonistas Taraji P. Henson, Octavia Spencer y Janelle Monáe. Seguramente estas extraordinarias mujeres a quienes interpretaron han de sentirse orgullosas de ser no sólo reconocidas por su trabajo sino honradas  por su existencia.  

La química entre este trío es adictiva al igual que por separado y más en compañía de Kevin Costner, Kirsten Dunst, Jim Parsons, Glen Powell y Mahershala Ali. De Parsons era de esperarse su peculiaridad aunque de Dunst, hacía un rato que no se ponía de antagonista. Más quien los pone en otro nivel es Costner porque haber sido seleccionado como el líder fue simplemente lo mejor.  

Las cuestiones técnicas son básicas, una edición directa, un vestuario acorde al contexto y una decente ejecución del sonido durante las secuencias de lanzamiento. La obra no requiere de efectos tan elaborados ni de compensaciones innecesarias. El elenco cumple con su objetivo gracias a que el director estaba consciente de lo que tenía en sus manos.  

Es satisfactorio verla ir mano a mano con La La Land en la Taquilla y también en las predicciones a sus nominaciones viendo que en definitiva está siendo considerada como el Caballo Negro y más de haber ganado el SAG por el Mejor Elenco. De sus tres nominaciones: posiblemente obtenga el Guión Adaptado.

Si tuviera que elegir a la ganadora por Mejor Película, indiscutiblemente seleccionaría a Talentos Ocultos y no sólo porque América lo necesita en estos tiempos difíciles sino porque su historia es esencialmente relevante para recordarnos que sin importar nuestro color u orígenes, todos tenemos la capacidad de alcanzar la grandeza siempre y cuando estemos unidos.

Calificación: 4½  de 5 estrellas

Crítica de La Gran Muralla (The Great Wall)

Un par de mercenarios se encuentran en la búsqueda de pólvora negra cuando son tomados prisioneros por soldados chinos. Tras ser trasladados a La Gran Muralla, descubren como el mundo se encuentra al borde de la extinción ante una amenaza más allá de su comprensión. Para librar esta batalla, la Orden Sin Nombre dependerá de la experiencia de uno de estos forasteros…

Desde que vi los avances, no me sentía convencido de verla. Me parecía buscarle injustificadamente al mercado estadounidense con Matt Damon viendo como China ha trascendido en su propia taquilla. Para variar, me equivoqué ya que La Gran Muralla sigue la estructura de El Ultimo Samurái bajo un tono mucho más aventurero y humorístico.

Dicho esto, el sentimentalismo es descartado por una impresionante cinematografía que se asemeja lo más posible a una de las maravillas del mundo. Si no me equivoco, es la primera vez que Zhang Yimou acepta dirigir a un elenco internacional tanto actoral como técnico. Merece crédito porque la cultura china trasciende gracias a la sobresaliente ejecución de esta leyenda.

El tono de guerra está presente al lado de la música, vestuario y coreografía. Los guionistas capturaron el honor de lo que representaba formar parte de esta armada y de alguna manera lograron mantenerla lo eficazmente creíble considerando su plano ficticio. Yimou fue respetuoso en su contexto y lo mantuvo terrenal.

Se percibe un equilibrio entre las secuencias de acción y su tono dramático. En cuestiones de desarrollo de personajes, es lo necesariamente básica  y directa. Quizás sea su punto débil pero fuera de eso, se torna lo bastante justificable para referírsele como un éxito porque culmina impresionándote por su gran trabajo de edición, sonido y efectos especiales.

A estas alturas, es una garantía contar con Matt Damon porque su mera presencia es suficiente para darle prestigio a esta ambiciosa adaptación. Además su química con Jing Tian es formidable hasta el punto de hallarlos una pareja estable sin importar que sean de culturas diferentes. Pedro Pascal compensa la tensión con ingenioso humor mientras Willem Dafoe nos distrae con solidez.   

Debo confesar que cada uno de los que conformaron esta Orden de Nombre merece ser aplaudido por su perfecto desempeño en las maniobras tácticas. Esa conducta militar desenvuelta antes, durante y después de las de por sí espectaculares batallas nos contagian de adrenalina. Resulta asombroso verlos interactuar con mutua colectiva y a su vez diferenciarse por su personalidad.

En conclusión, La Gran Muralla es un relato innovador por definir una guerra con sus elementos tanto técnicos como artísticos de su país. La historia carecerá de emotividad pero el entusiasmo y la disciplina del elenco la tornan en una aventura que no te decepcionara por su gran contribución en el plano visual.  

Calificación: 4 de 5 estrellas

Crítica de La Razón de Estar Contigo (A Dog’s Purpose)

Basada en la novela de W. Bruce Cameron, nos encontramos ante el testimonio de Bailey, un perro cuyo fin consiste en encontrarle el propósito a la vida en cada una de sus distintas reencarnaciones. Conforme se aventura, va descubriendo pequeñas piezas de este complicado  rompecabezas que a su vez está ligado a los destinos de sus respectivos dueños.

No hace mucho el director Lasse Hallstrom nos destrozó el corazón con Hachi, por lo que teniendo en su currículo a Querido John y Safe Haven, era de esperarse el mismo sentimentalismo en cada una de las distintas historias mostradas. Sin embargo, la catarsis carece de peso ante la ausencia de un constante protagonista.

Si no fuese por Josh Gad, esta adaptación no hubiese funcionado. El detalle en sí rodean a los múltiples renacimientos ya que sabemos de antemano que no es el fin para nuestro fiel amigo, aquí la clave yace en los actores que pese a destacar al lado de su correspondiente mascota, su desarrollo es fugazmente básico.

Hasta eso las historias son agradables de ver y en cierta manera conmueven. No faltará quienes derramen una lágrima, en especial quienes cuentan con mascotas. Debo suponer que los guionistas se inspiraron en sus experiencias aunque contar con el respaldo directo del autor sirvió para mantenerse fiel a la esencia.

Hallstrom recurre al mismo proceso de edición, constantemente dinámica en cada uno de los encuadres y sobresaliente en su proyección considerando la nitidez de la imagen. Uno esperaba que la narración llegase a frustrar más no es el caso ya que los complementa con los diálogos de los actores y la expresividad física del perro.  

Gad es el estrella, insisto, y de la misma forma en que nos cautivó como el hombre de nieve en Frozen, lo hace en las distintas identidades de este canino. Podría decirse que las mejores escenas son al lado de Dennis Quaid, Britt Robertson y K.J. Apa. Sin descartar a John Ortiz ya que su rol como el oficial Carlos fue estable pese a no contar con un respaldo biográfico.

Honestamente no hay mucho por comentar a excepción del asunto controversial que la rodeó aunque no fue de gran impacto en víspera de haber conseguido una apertura saludable en la Taquilla. Inclusive está por superar su presupuesto de $ 22 millones convirtiéndola en un éxito moderado tal como merecerlo serlo.

La adaptación tenía mucho en su contra y de alguna forma logró consolidarse como una buena producción, quizás cercana a Marley y Yo. Para cualquier dueño de mascotas, es inevitable no sentirse atraído hasta el grado de conmoverse por sus cimientos sólidos. Además, sí te gusta meditar sobre el sentido de la vida, esta es una perspectiva que podría interesarte.

Calificación: 3½  de 5 estrellas